ALIANZA - ENTREVISTAS

ENTREVISTA – KAI HANSEN (GAMMA RAY)

2007-11-07T11:37:00.000+01:00

Siempre es un placer volver a conversar con nuestro viejo conocido Kai, y comprobar que sigue tan rabiosamente simpático como siempre. Esta vez venía acompañado de un discazo como es la segunda parte de “Land Of The Free”, y no podíamos dejar pasar una ocasión así.

Alianza: Llevaba mucho desando hacerte esta primera pregunta. Hace más de un año se anunció un DVD en directo, “Live In Toronto”, que nunca se ha llegado a editar. ¿Qué fue lo que pasó?
Kai: ¡Oh, Dios mío! (risas) El DVD se retrasó demasiado. La razón es que la recopilación nos llevó mucho tiempo, no estábamos satisfechos, especialmente la parte de los extras. Teníamos que buscar entre grabaciones de hace años, había muchas cintas. Siempre había algo más. Luego no estábamos satisfechos con el trabajo de compañía editora del vídeo. Todo llevó mucho tiempo. Y entonces, cuando el DVD estaba finalmente preparado, y dimos el visto bueno, vinieron problemas por parte de la compañía. La única cosa que podíamos hacer es seguir adelante, sacar este álbum y dejar la salida del DVD para el año que viene.
A: ¿Seguro? ¿El año que viene?
K: Seguro. Y vendrá extendido con material que será filmado en la presente gira.
A: El anterior álbum, “Majestic”, fue diferente a la línea habitual, de Gamma Ray. A mucha gente no le gustó.
K: Lo sé, sé que a mucha gente no le gustó. Los típicos fans de Gamma Ray esperaban el típico álbum de Gamma Ray. Pero quizá era necesario, interesante y bueno hacer ese álbum, tal y como lo hicimos. Creímos importante sacar a la luz aquellas ideas. Creo que es un buen álbum. Aunque, por supuesto, comprendo a toda esa gente a la que no le gustó.
A: Nos gustaría saber tu opinión acerca del tercer “Keeper” editado por Helloween. ¿Crees que ese álbum realmente debería llevar ese título?
K: ¡Oh! Dios… Creo que es diferente a los otros álbumes. Pero creo que debo dejar elegir a los fans, que digan si piensan que ese álbum es el “Keeper III” o no. Para mí, los álbumes “Keeper” tenían un espíritu que sólo podían darle la concurrencia de factores que había entonces, y entre ellos por supuesto la banda que había entonces. Aparte de esto, tú puedes, por supuesto, hacer como dices, el legado, transportándolo a los nuevos tiempos, pero no es lo mismo, eso es seguro. No sé si habría sido mejor llamar ese álbum de cualquier otra forma, parte primera (risas). Si es bueno, no lo sé. Creo que son los fans los que deben decidir si les gusta el álbum o no.
A: Soy de la opinión de que la auténtica tercera parte del “Keeper” fue “Heading For Tomorrow”. ¿Estás de acuerdo?
K.: Para mí… cuando componía “Heading For Tomorrow” había parte de aquel “feeling” que había en el “Keeper II”. Porque para mí “Heading For Tomorrow” fue el lógico siguiente paso, musicalmente, como el “Keeper II” lo fue del “Keeper I”. y algunas canciones como “The Silence” ya existían cuando estábamos grabando el “Keeper II”. Eran canciones pensadas para el “Keeper II”, con la voz de Michael. Me agrada conocer tu opinión.
A: La primera vez que vimos a tu mascota Fangface fue en las portadas de Helloween. ¿Tuviste algún problema con Helloween por utilizarlo de nuevo para Gamma Ray?
K: Absolutamente ninguno, porque Helloween dejó de utilizar al personaje, y era perfecto para mí. No hubo ninguna restricción, ni nadie se quejó.
A: ¿Llegaste a hablar con los miembros de Helloween sobre utilizar a Fangface? ¿Les pediste permiso?
K: No, nunca llegué a hablar sobre ello, porque sabía que no había ningún problema.
A: ¿Qué nos puedes decir de este nuevo álbum? Antes te decía que “Majestic” se salía de la línea habitual, pero el nuevo creo que es otra vez puro Gamma Ray. Y estoy muy contento de decirlo. ¿Estás de acuerdo?
K: (risas) Sí, lo estoy totalmente. Creo que es mucho más satisfactorio para los fans, les gusta que tomemos este camino. Pero no hemos cogido este camino de forma deliberada ni calculada. Sentimos de nuevo ese poder de lo positivo, y ahora es su momento, como en su momento lo fue el de “New World Order” o el de “Majestic”. Son aproximaciones diferentes, actitudes diferentes, ideas diferentes, momentos diferentes. Nos hemos trazado una línea y hemos dicho: “vamos a hacer algo como “Land Of The Free”, porque es muy positivo, es muy energético, con esas melodías… Así es como Gamma Ray debería ser ahora.”
A: Aún no he podido leer las letras, pero por lo poco que he entendido al escuchar parecen otra vez muy positivas.
K: Absolutamente. Ya tenemos bastante mierda en nuestra vida diaria. Miras a tu alrededor, y sólo ves mierda. ¿Qué puedes hacer? O estar siempre cabreado, o buscar algo positivo para hacer las cosas un poco mejor, en tu entorno, en tu situación. Y de esto trata este álbum.
A: ¿Y qué le pasó a Gamma Ray para perder ese positivismo?
K: Realmente nunca lo perdimos. Pero… Es como si fuéramos dibujantes. Teníamos que pintar un cuadro diferente. Si eres pintor, aunque tienes un estilo de dibujo, a veces necesitas hacer algo diferente. ¿Lo comprendes?
A: Perfectamente. ¿Cuál es tu canción favorita del nuevo álbum?
K: Muy difícil. La más especial para mí… no te lo puedo decir, realmente no.
A: En la promo no vienen los autores de las canciones. ¿Todos los miembros de la banda han compuesto en la grabación?
K: Nosotros componemos… Normalmente un miembro de la banda viene con una idea para una canción. Y es el que figura en los créditos como autor de la canción. Pero luego la canción se compone entre todos, todos aportamos ideas, para la música, para la letra... Todos componemos. Dan compuso “Empress”, Dirk hizo “Oportunity”, Henjo hizo “Rain” y “Hear Me Calling”, y el resto fueron hechas por mí. Pero cada canción es puesta en común, la tocamos todos juntos y cada uno da sus ideas para la canción. Yo hice la línea vocal de “Empress”, por ejemplo.
A: Es una banda democrática.
K: Sí, absolutamente. Nosotros trabajamos juntos todo el tiempo.
A: Es una pena que no nos quede más tiempo. Estoy muy contento de haberte vuelto a ver, y espero verte de nuevo en la gira conjunta con Helloween.
K: Lo mismo digo. ¡Allí nos veremos!

hgdxfiNacho Jordán

ENTREVISTA ROSS VALORY (JOURNEY)

2007-03-27T11:20:00.000+02:00

Los camerinos de La Riviera son un hervidero de gente. Journey acaban de terminar las pruebas de sonido, y mientras Neal Schon entra y sale de los camerinos, saludándonos y cogiendo una y otra guitarra, y Jeff Scott Soto afina su garganta y nos responde en castellano, Ross Valory, bajista y uno de los miembros fundadores del grupo se dispone amablemente a contestarnos.

ALIANZA: Ross, es un muy excitante poder ver a Journey en directo por fín en Madrid,¿Cómo te explicas que nunca habéis tocado antes por aquí?
ROSS: Para nosotros también es un placer tocar en Madrid. De hecho, es el último concierto de la gira en Europa, y estamos con muchas ganas. Nosotros haremos luego conciertos por Asia y por Suramérica. Jorueny hace grandes giras por USA, pero por Europa venimos menos. Tuvimos antes algunas ofertas, pero no se concretaron. De todas formas, vendremos más por Europa y haremos también festivales.

A: Eres junto con Neal Schon y Jonathan Cain los miembros más antiguos de Journey. ¿Cómo se llevan los cambios de miembros en la banda?_
R: Bueno, con Dean Castronovo lo teníamos claro. Después de la marcha de Steve Perry tuvimos dudas con el nuevo cantante, pero al final decidimos por Steve Augery. Más tarde entró Jeff Scott Soto.

A: Hablando de vocalistas, estuviste con Kevin Chalfant en The Storm y es un gran vocalista; también se pensó en Hugo Valenti (Open Skyz, Valentine) como sustituto de Steve Perry. ¿Es así?
R: Tienes razón, estuve con Kevin en The Sorm y es un gran cantante, muy melódico, y pensamos seriamente en él, pero nunca en Hugo, no queríamos un imitador de Steve Perry. Otro cantante que estuvo con nosotros por unas semanas como vocalista fue Geoff Tate (Queensryche), pero no cuajó por determinadas circunstancias. Al final, entró Steve Augery. Ahora con Jeff Scott Soto tenemos un gran cantante, con personalidad propia, y que comparte con nosotros influencias y gustos musicales.

A: “Generations” es vuestro último disco en estudio, ¿Es la linea musical a seguir?
R: Bien, sabemos que tenemos que sonar a Journey y sus clásicos, pero también nos apetecía tocar cosas nuevas, y además rescatamos temas firmados por Gregg Rollie que nos parecían buenos. Además, tenemos otras colaboraciones y participan un montón de amigos.

A: En “Generations” cantáis todos los componentes del grupo, tú mismo lo haces en el tema “Gone Crazy”, que suena muy excitante, muy sureño, a lo ZZ Top.
R: Estoy de acuerdo contigo. Cada uno de nosotros aportó su canción o canciones y las quisimos cantar nosotros mismos. Simplemente se trataba de hacer algo distinto. Mi tema si suena sureño, y me divertí mucho con él. Los arreglos son de Neal (Schon). De hecho, estoy trabajando en un proyecto en solitario llamado VTR que igual lleva esta onda o parecida.
A: ¿Qué nos ofrecerá Journey en un futuro próximo?
R: Bien, después de la gira queremos publicar un nuevo trabajo, no sé si será un álbum en directo o en estudio, ya con Soto como vocalista. Después de ello, seguramente nos tomaremos un año de descanso para volver a nuestra casa, con nuestros hijos, amigos y suegras (risas). Después apostaremos por una compañía más grande y nuevos trabajos de Journey.

A: En España los grupos favoritos de rock melódico son Journey, Toto o Survivor. Después de publicar discos tan magníficos como Escape o Frontiers y llegar a lo más alto, ¿Qué mueve a Journey y a Ross Vallory a seguir publicando discos y a tocar noche tras noche sobre un escenario?
R: Por eso mismo, para seguir manteniendo vivo el espíritu de Journey. Además, como músicos nunca sabes si tu proximo disco o un nuevo concierto será mejor, ¿Porqué no?
Y el manager de Journey aparece y termina la entrevista. Un tipo encantador este Ross Valory, que nos sorprendió gratamente.

Jesús Nono García

Fotos: Rafa Basa (www.rafabasa.com)

ENTREVISTA BARÓN ROJO

2007-03-26T11:34:00.000+02:00

Con cierto retraso desde la salida de “Ultimasmentes”, a causa de lo apretado de la agenda de nuestros amigos los Barones, por fin pudimos cuadrar una fecha y llevarles el pasado sábado 24 de febrero al programa radiofónico La Hoguera. Aquí tenemos reproducida nuestra jugosa charla con Carlos De Castro y Ángel Arias.

ALIANZA: Habéis editado un directo, un disco de versiones, recopilatorio... Pero habéis tardado unos añitos en volver a sacar material nuevo. ¿Por qué?
CARLOS: Habría muchos motivos. Posiblemente es que la demanda no presiona mucho en ese nivel. Antiguamente sí, había que sacar un disco cada año, lo pedía la gente, el mercado absorbía, era necesario. Hoy en día es más importante las actuaciones.

A.: Da la sensación de que Barón Rojo ahora mismo está cómodo. No tenéis agobio ni necesidades, se os ve en el directo muy bien. Como que ya no esperáis llegar a más ni tampoco a menos, habéis logrado un nombre importante que no vais a perder. Y se os ve muy tranquilos. El último trabajo nos ha sorprendido, suena fresquísimo, no suena como una banda que lleva tantos años en los escenarios.
C.: Es un poco lo que tú dices, hacemos las cosas según nos vienen a la cabeza, y ya está. Ya estamos desengañados de todo, y sabemos hasta dónde vamos a llegar. Ya se trata de una labor en la que puedas moverte bien, tocar, tener un contacto con la gente, actuar, grabar, y por lo menos poderte expresar como hemos estado haciendo todos estos años. Y luego, si nos viene algo más, bueno, nunca se sabe cuando puede dar la vuelta a la tortilla y cambiar todo. Es difícil que cambie (risas), pero la esperanza es lo último que se pierde.

A: Os vimos en las fiestas de Fuenlabrada, y disfrutamos como enanos, era como si fuera la primera vez que subíais al escenario, era alucinante.
ÁNGEL: El grupo en las actuaciones se deja la piel para que la gente disfrute, y de hecho todos los años repetimos en varios sitios. No puedes subirte al escenario y tirarte a la bartola, te tienes que amoldar un poco a los tiempos.
C.: Hay razones adicionales que no nos permiten tener un nivel de creatividad como teníamos en el pasado, somos currantes, lo normal es tener algún tipo de actividad, y eso te quita tiempo que, si trabajaras sólo en esto, podrías dedicarte más a fondo. Pero creo que tampoco importa mucho, porque muchas veces si te metes demasiado te puedes repetir más de la cuenta. Está bien hacer las cosas a su tiempo, cuando realmente tienes algo que decir.

A.: Este trabajo nos ha sorprendido mucho, hemos encontrado canciones realmente originales, por ejemplo, “Al Final Perderán” tiene unos ritmos que nos suenan como a latinos, quizá no lo veis así. O los tema que canta Armando, o que cante Ángel, son cosas nuevas para Barón Rojo. Seguís evolucionando.
C.: Hay ciertas cosas que se nos han ido pasando con los años, y cuando lo metemos decimos: “¡Hostia! ¡Una novedad!” (risas). Cojonudo. Parece mentira que después de 26 años haces algo que pueda sonar medianamente nuevo, original o fresco. Tampoco es que esté muy preconcebido, no hacemos ningún planteamiento, ni ningún esquema, lo que sale, sale.
AN.: No hay nada premeditado, te pones a trabajar, y sale eso en ese momento. Unas veces aciertas y otras no. Vamos, no es que aciertes o no aciertes, es que unas veces gusta más a la gente y otras veces gusta menos.

A.: Ángel, ¿cómo surge el que cantes tú una canción? Nos gusta bastante, es muy hard rock americano, en plan Guns´n´Roses o algo así.
AN.: No sé, es mi manera de hacer las canciones. Luego, los temas que he compuesto con Barón tienen todas la esencia de Barón, porque las guitarras son sus señas de identidad clarísimas. Surge de la manera más torpe, tú creas una canción, haces la melodía, empiezas a cantarlas, y un poco por tesitura de voz, tal y como quedaba nos pareció que a lo mejor con la voz que yo tenía, como una curiosidad... Se hizo, y la verdad es que está gustando.

A.: ¿Y tú te gustas?
AN.: Hombre, yo me llevo muchos años oyendo (risas). Cantar cara al público puede ser nuevo, pero yo siempre he hecho voces. Y en los temas que yo he aportado a Barón siempre iban con la melodía cantada, a nivel interno del grupo. No me asusta. Otra cosa es que yo me considere un cantante, o un buen cantante. En directo es una pincelada que está ahí, puede haber alguna otra quizás, pero tampoco me veo haciendo un repertorio de quince temas. Barón Rojo tiene un cantante que es Carlos De Castro.

A.: Viendo vuestra web vemos que no paráis. No hay mes sin conciertos, de tres a ocho al mes. Tocáis en todas partes.
C.: Alguna razón habrá. Quien te contrata hoy en día en que está tan complicado, pensará que le trae cuenta. Quizá porque lo hacemos bien, porque somos buenos chicos (risas), porque no somos muy caros... siempre hay muchas razones. Quizá que no hay tantos grupos para contratar que garanticen un mínimo taquillaje... La razón verdadera la sabe el que te contrata. Pero grupos hay miles, y muy buenos, y es bueno que sea así, está creando un estado de necesidad en la población que algún día explotará por algún lado. No creo que vayan a estar los medios siempre así, tendrá que haber un cambio de alguna manera. Nosotros tenemos un estatus en el que podemos tocar y crear una expectación. A la gente que está empezando le cuesta muchísimo más. También puede haber tendencia en los grupos a durar poco, a lo mejor han grabado algo y han funcionado medio bien pero han desaparecido, y de ahí han salido tres grupos distintos que tienen que volver a empezar todo el proceso. Son cosas del negocio, ni lo hemos creado ni lo hemos inventado, pero vivimos en él, a ser posible lo mejor que podamos.

A.: A la hora de seleccionar el repertorio para incluir en un nuevo trabajo, ¿os sentís presionados por si gustará o no gustará, o metéis las canciones a vuestro gusto sin preocuparos?
AN.: Hemos ido a tiro hecho, han ido surgiendo los temas. Siempre se quiere hacer un trabajo de puta madre que alucine a todo el mundo, pero luego está la realidad, lo que haces es lo que haces, y punto. No puedes hacer un trabajo intentando marcarte directrices, a veces estás más próximo a lo que la gente le gusta, y otras no. Por ejemplo, este disco está gustando mucho más que “20+”, y con ese trabajamos muchísimo también, y trabajamos de la misma manera, la forma de componer y de hacer las cosas es la misma. Son momentos distintos. Puedes componer un tema un día, unos días después otro, y gustar más a la gente el del otro día, pero los dos están hechos igual. Lo que haces en el momento es lo que cuenta.

A.: Vosotros que tocáis con muchos grupos, ¿qué bandas hay ahora que os hayan llamado la atención?
C.: Últimamente he conocido los Deltonos, me parece muy gracioso lo que hacen, en el recopilatorio que han sacado han incluido también un tema de Barón.

A.: Hablando de recopilatorios, ¿“Las Aventuras del Barón” salió con vuestro consentimiento?
C.: Bueno, la gente quizá no sabe que no tienen que pedir nuestro consentimiento. Cualquier compañía que tenga los derechos de unos temas puede sacar cuantas recopilaciones quiera sin pedir permiso al artista.

A.: Los temas no son propiedad vuestra, es alucinante.
AN.: Una cosa es la canción, la autoría, y otra la grabación. Las grabaciones cuando fichas por una compañía, pertenecen a la compañía.
C.: Y si salen 700 formatos nuevos, las pueden volver a editar en todos esos formatos. Ya no pierden nunca la propiedad de la obra.
AN.: Lo que no tienen es la autoría de la canción, que es una obra creada por esa persona. Pero el disco, la grabación, son propiedad de la compañía.
C.: Y ni eso es totalmente así, la mayoría de la gente firma la cesión de los derechos editoriales, que es el 50% de los derechos de autor. El artista cobra por dos conceptos, uno es el royaltie, por cada disco vendido, y otro son los derechos de autor.

A.: Y en la práctica no cobra nada.
C.: Depende. Si vendes, algo cobras. Del royaltie, cuando dejas de estar en la compañía o ya no se venden más discos, no cobras ni un duro. Y de los derechos de autor, si a su vez cuando has hecho el contrato les cedes el 50%, se están quedando la mitad de lo que ganarías. Como todo, cuando firmas un contrato discográfico depende del poder que tengas para decir esto sí o esto no. Nosotros hace muchos años que no cedemos los derechos editoriales, somos los autores al 100%. Ahora, volviendo a conectar con lo que decíamos antes, la música siempre pertenece a la compañía.

A.: Algunas canciones de “Ultimasmentes” son composiciones recientes y otras estaban hechas hace tiempo.
C.: Sobre todo “El Hombre de las Cavernas”, que compuso Armando hace once años para un proyecto que iba a hacer en solitario.

A.: ¿De qué hablan vuestras letras?
C.: A mí también me gustaría saberlo (risas), porque no hay ningún tipo de planteamiento a priori cuando te pones a hacer la letra de una canción. Las ideas van rondando la cabeza, y un día dices “creo que tengo una métrica que puedo encajar en esta melodía”. Y no es sólo lo que puedes decir, también la musicalidad que pueda tener, es un compromiso entre todos los factores, la musicalidad, la métrica, la melodía, la interpretación. Y hay cosas que suenan bien y cosas que suenan mal. A veces haces una letra, y sin cantarla dices: “qué palabras más raritas he usado, esto no pega ni con cola” (risas), y otras veces, funciona. Si te pone con canciones que has oído toda la vida, y ves las letras escritas, ves que son gilipolleces, pero que resulta que suenan bien (risas). Es uno de los hechos más raros en la composición. Canciones raras al cantarlas según la melodía cambian totalmente. Y luego algo que en papel ves muy factible, ves que no vale para nada.

A.: No queremos hablar del Sherpa, pero sí hay algo que quiero consultar. Leyendo una entrevista con él en la revista La Olla Music Rock Magazine, venía a decir que el nombre de Barón Rojo pertenecía a la compañía, y que al marcharos os lo vendió, o algo así. ¿Lo podéis aclarar?
C.: Si digo todo lo que sé del tema, habrá gente que resulte dañada (risas). Pero no quiero entrar en guerra. La realidad: el nombre de Barón Rojo, ahora mismo, pertenece a Sony. Eso es así.

A.: No vamos a perder tiempo hablando de la reunión, porque en vuestra web oficial www.baronrojo.net ya viene una nota de prensa dejándolo todo bien claro.
C.: Cierto. Hubo un momento en que pudo haber reunión, pero no quiso Sherpa. Quisimos Armando y yo, le llamamos y dijo que no. Estaba haciendo proyectos que consideraba más interesantes. No lo juzgo. Las personas tienen libertad para tomar decisiones. Pero igual que él tenía su libertad de decir entonces que no le interesaba, nosotros también tenemos la nuestra ahora mismo para decir que estamos en un proyecto que consideramos más interesante, y no nos interesa hoy por hoy rehacer la formación original.

A.: Ya que hablamos del pasado, habréis visto la foto publicada en la Heavy Rock de Coz, glamourosos, con brillantina, pintados... irreconocibles, sobre todo tú.
C.: Sí, aunque dice que es Coz, éramos Kafrú. Ya hubo hace años un concurso en otra revista para reconocerme. El batería era Miguel Jiménez, que fue el primer batería de Rosendo. Estábamos acojonados, el planteamiento era hacer algo así tipo Kiss o New York Dolls, cosas que funcionaban a nivel internacional. No sale en esa foto, pero había una cantante en la onda Janis Joplin, Carmelie Jamison. El grupo funcionaba de dos maneras, con la cantante o sin ella, y en esas fotos seguramente no salía porque andaba muy pedo (risas), porque la niña llevaba una vida un poco fatigosa. Debía de ser el año 72. La primera gala que hicimos fue en Eibar, en el casino. Estábamos acojonados perdidos. Cada uno teníamos un modelo internacional, tampoco éramos muy originales, y de maquillaje tampoco sabíamos mucho. Vi casualmente a Slade en Benidorm, creo que también en el 72, y fue impresionante, pero la gente del pueblo no los soportaba, los querían matar. Ser rockero entonces era la hostia, hoy en día no llama la atención pero en aquella época... En el fondo éramos sólo gente normal que queríamos tocar, pero buscábamos tener un poco de repercusión.

A.: Lástima que no haya nada de documentación audiovisual de aquella época.
C.: Recuerdo hasta a quien hizo las fotos, Manolo Recarte, hizo un reportaje completo de una gran calidad. El vídeo ni existía, claro. Aquél grupo tenía su gracia, éramos dos guitarras, dos bajos y dos baterías, y la cantante, que murió, y es la hermana del guitarra de Cañones y Mantequilla.

A.: El DVD en directo de Aqualung tuvo muy mala calidad, hace falta otro en condiciones que refleje bien al Barón Rojo actual.
C.: Fíjate, que cinco minutos antes de la actuación no habían llegado las cámaras, diciendo eso imagínate lo demás.
AN.: Un desastre total. También pilló un momento en que la compañía había cambiado de dueño, la gente que la cogió llevaba mucho en la industria, pero no como compañía de discos. Musicalmente creo que el DVD suena bien, pero la imagen... bueno, los he visto peores. También la descoordinación entre preguntas y respuestas, los créditos no vienen bien. Un poco desastre.

A.: Este disco invita a un nuevo DVD en directo, es de lo mejor que habéis sacado en los últimos 15 años. Sería buena idea.
C.: Nosotros vamos a promocionarlo los tres próximos años (risas). No tendremos la promoción de una multinacional, pero sí será larga y fructífera, el resultado se verá a ese tiempo vista.

A.: Muchos miles de fans vuestros se creen que Barón Rojo desaparecieron hace muchos años. Si toda esa gente se enterara... las revistas especializadas no las compra un padre de familia de 40 años.
AN.: En los 80 Barón Rojo tuvo muchísima promoción, incluso saliendo de la órbita del rock. Un chaval de catorce años quizá no, pero Barón Rojo le suena a todo el mundo. Al acabar los 80, cayó en picado todo el rock, se sumergió, y hoy en día parece que si no sales en la televisión no existes. Hasta cierto punto es normal que alguien que no está metido en esto crea que ya no funcionas.

A.: Creo que se va a grabar un documental, o algo así, con vuestra historia.
C.: Como la televisión no nos hace nada, lo haremos nosotros, y a ver si les engañamos y se lo vendemos a alguna (risas). Lo va a hacer una productora, pero sólo está en fase de proyecto. Es una cosa que se sale de lo normal, y si funciona, puede tener muy buen color.
AN.: Y van a ir a tomar imágenes a la presentación de Madrid.

A.: Ha habido varios cambios. Ya es definitivo Caracol, pero antes iba a ser en Heineken. Y mejor, porque con 800 personas de capacidad sólo 300 ven el escenario.
AN.: Sí, exacto. Quizá Caracol sea un poco más pequeña de aforo, pero tiene mejor sonido, es mucho más cómoda para la gente y más cómoda para nosotros, y el escenario es más grande. Al caerse Joy se tomó una solución de urgencia sin contar con nosotros, pero cuando lo hablamos decidimos que era mejor Caracol.

A.: Y antes de Heineken iba a ser en Joy.
AN.: Hemos recibido cartas en la página de personas que decían que a la gente del rock la tratan muy mal. Y también lo estamos sabiendo por promotores y mánagers. Y no le vas a dar comer a alguien que no te está tratando bien. Hay muchas discotecas que hacen conciertos y desalojan con cierta rapidez para acondicionar la sala de nuevo como discoteca, pero lo que no puedes hacer es ir dando escobazos a la gente. Yo no lo he vivido tampoco, pero sí hemos recibido quejas. Se cambió sin decirnos nada a Heineken, y cuando nos enteramos, a ninguno nos gustaba esa sala, por eso se cambia de nuevo a Caracol.

A.: ¿Volveréis a llevar sección de metal? Quedaba bastante curiosa.
AN.: No, alguna vez hasta nos han contratado con la condición de llevarles, pero en realidad no ha habido mucha demanda.

A.: Ángel, eres el quinto cantante de la historia de Barón Rojo. Jose Luis Campuzano, Armando De Castro, Carlos De Castro, Maxi González y Ángel Arias. Alguna vez he visto a Armando cantar canciones de Carlos, como “Te Espero en el Infierno” o “Breakthoven”. ¿Habéis pensado en que cantes también tú ocasionalmente alguno de los temas tradicionales?
AN.: El cantante de Barón Rojo es Carlos, y Armando y yo metemos la pifia de vez en cuando. Yo he metido una pincelada en este disco. Si surge volver a hacerlo en otro disco la haremos. Pero en principio Carlos asume todos los temas, y creo que a un fan no le gustaría escuchar un clásico cantado por mí estando allí Carlos. A lo mejor una vez no quedaría mal, pero es algo que ni nos habíamos planteado siquiera. A mí no me parece que cante tan de puta madre como me dice la gente. Sí ha dado color, en ese disco hay tres voces. Pero el cantante es Carlos. Otra cosa es que, si en un momento dado Carlos sufre un catarro o una infección de garganta, y antes que suspender cantamos Armando y yo.
C.: Es tranquilizador que en caso de baja siempre hay alguien que te puede sustituir (risas). Hubo una vez en la que estuve tan mal que yo no pude no ya cantar, no pude ni ir. Y tocaron como trío.
AN.: Cuando se trata de que cante otro o suspender, la gente lo entiende, incluso aprecia el esfuerzo. Pero eso no quiere decir que sin necesidad yo vaya a cantar clásicos, personalmente yo no lo veo.

A.: ¿Estáis tocando muchos temas del nuevo disco?
C.: Se tocan una cantidad importante de temas nuevos, más de los que se suelen tocar otras veces, nos hemos puesto últimamente como los Iron Maiden (risas). Estamos tocando muchos más de los que hemos tocado nunca en ocasiones parecidas.
AN.: Normalmente tocamos tres, ó cuatro como mucho, y a los dos meses hemos quitado dos. Y estamos apostando, además la reacción de la gente es bastante buena. Hay gente que no conoce los temas, pero muchos que sí. Estamos metiendo siete u ocho. Intercalando con temas de diferentes épocas, claro.

A.: Ángel, este año se han reunido Panzer para actuaciones puntuales, también Sobredosis, Bella Bestia también hicieron un Viñarock hace tres años... si te propusieran algún concierto con Niagara, ¿qué dirías?
AN.: Me lo han ofrecido, y he dicho que no.

A.: No teníamos ni idea. ¿Qué hay que hacer para que cambies de opión!!!???
AN.: A lo mejor hacer alguna conmemoración muy puntual... pero lo que nos han ofrecido han sido hacer un Leyendas y un Viña y cosas así. Pero yo soy el bajista de Barón Rojo, y mi dedicación en directo es con Barón Rojo. Hay quien lo hace, y bien por ellos, pero bajo mi punto de vista, yo no veo tocar con Niágara y cuatro horas después con Barón Rojo.
C.: No tenéis en cuenta de que para algo puntual también hay que ensayar, y eso significa echar muchas horas.
AN.: Pero aunque tuviera tiempo, no veo con buenos ojos ir pasando por el escenario con distintos grupos. Es mi opinión, mi hermano no opina como yo, ese día estará con Sobredosis y con Ñu, y con quien le llame (risas). Aparte de que es complicado. El año pasado, antes de tocar en el Leyendas hicimos dos bolos, veníamos desde Extremadura, y llegábamos hechos polvo. Mi dedicación es con Barón Rojo, y no voy a adquirir compromisos que no sepa que no voy a poder cumplir. Igual si en un futuro Barón se vuelven a unir (risas) es el momento de volver a juntar Niágara. Y tampoco fue un grupo lo suficientemente fuerte como para regresar y juntar masas. Hay que ser realistas. Pocos grupos hacen 60 bolos al año como Barón Rojo.

A.: Para finalizar, ¿qué canción del disco consideráis la que debería haber sido single, la más emblemática?
C.: Yo pensé en “El Hombre de las Cavernas”, porque lo veo cierta comercialidad, por la letra sobre todo. Como mínimo es un tema gracioso. Pero ya no se sacan singles.

A: Pues gracias por el tiempo dedicado a esta entrevista. Hasta la próxima.
C. y AN.: Gracias a vosotros.

Carlos Treviño, Nacho Jordán y Ana Ouro

ENTREVISTA TYR

2007-01-25T12:50:00.000+01:00

Tras el lanzamiento de "Hipokrisia", segundo y brillante trabajo de los malagueños TYR nos pusimos en contacto con ellos vía e-mail para saber sus impresiones a cerca del mismo y de sus planes futuros. Esto nos contaron

ALIANZA: ¿Por qué tanto tiempo desde la publicación de vuestro primer disco en 2001? ¿Es cierto que pensasteis en abandonar y que el grupo estuvo a punto de desaparecer?
TYR: No, en absoluto, ni se nos paso por la cabeza abandonar ni estuvimos a punto de desaparecer, todo lo contrario. Este tiempo ha sido un periodo realmente importante para nosotros, de hecho si tuviésemos que volver atrás repetiríamos los pasos sin pensarlo, ha sido un periodo fundamental para definir como queríamos contar las cosas, para formarnos un poco más si cabe como músicos y personas. Cuando nos encontramos en la necesidad de plantear un nuevo disco teníamos claro que quizá lo vivido hasta ese momento había sido muy rápido, queríamos centrarnos en trabajar y vivir otras experiencias desde el local de ensayo, sin ataduras ni presiones por parte de nadie, eso mismo lo extrapolamos a la grabación, de ahí que nos hayamos tomado con mucha calma el proceso de creación de Hiporkisia, tanto en la composición, la grabación, como en su puesta de largo.

A: A pesar de esta larga espera sólo habéis tenido un cambio en vuestra formación con la entrada del teclista Hugo Martín sustituyendo a Manu H., ¿De dónde viene Hugo y que ha aportado al grupo?
T: Hugo se unió a nosotros prácticamente semanas después de terminar el directo de nuestro primer disco, en aquel momento se convertía en parte fundamental en ese proceso de ‘refundación’ de la banda y su concepto, ten en cuenta que él viene directamente de la escena clásica y TYR es la primera banda de la que forma parte, era un reto tan nuevo para él como para nosotros, el hecho de darle forma como teclista y hacerlo participe del nuevo concepto nos ha enriquecido a todos sobremanera.

A: Para la producción de este nuevo disco habéis contado de nuevo con Sergio Cascales, acompañado en esta ocasión por vuestro guitarrista Jon Zalagaz, particularmente creemos que han hecho un trabajo magnífico ¿Estáis contentos con el resultado final, es lo que buscabais desde que os planteasteis hacer este disco?
T: Estamos realmente muy satisfechos, desde el primer momento todos teníamos muy claro como tenía que ser Hipokrisia, un trabajo tan cuidado en su producción como lo había sido en la composición. No queríamos prescindir de un fijo en TYR como es Sergio pero tampoco de la aportación directa que pudiese hacer la propia banda tras el celo puesto en la elaboración, de ahí la aportación de Jon. Queríamos que fuese un disco completo y sin ningún tipo de fisuras, donde los matices contribuyeran al mensaje, algo que se ha conseguido con creces y que seguimos percibiendo cada vez que lo escuchamos.

A: En este tiempo entre disco y disco supongo que habréis elaborado y pensado mucho la línea que queréis seguir a partir de ahora, ¿Lo que encontramos en este “Hipokrisia” es lo que podemos esperar de TYR en el futuro?
T: Si partimos de Hipokrisia como un disco en el que se dejan a un lado los tópicos del metal, donde se recurre a cualquier tipo de recurso musical al servicio de un mensaje crudo y directo, puedes dar por hecho que ese es un buen lenguaje para contar lo que queremos en el futuro. Si algo nos ha gustado en este proceso es no tener que fijarnos en nadie, en experimentar en lo musical para vivir cosas nuevas, algo que esperemos siga en el camino de TYR.

A: Respecto al sonido de este nuevo disco, encontramos unos temas más elaborados y con toques y arreglos de lo más variado respecto a vuestro debut discográfico, aunque en aquel ya teníais arreglos de cuerda y temas con toques poco habituales ¿Qué creéis que puede sorprender más a los que escuchen “Hipokrisia”?
T: Esa es una apreciación que deben hacer los demás, no obstante si algo esperábamos en las composiciones y arreglos era no permitir que el disco cayera en la monotonía, que diese la sensación de sonar igual de principio a fin. Queríamos empezar por divertirnos nosotros llenando de matices y variedad los temas, haciendo un disco en el que la música fuese un juego de sensaciones dispuesto a sorprender a cualquiera, ese es quizá el aspecto que queríamos que el público captase y así está ocurriendo.

A: He leído en algún sitio que “Hipokrisia” es como una mezcla entre Iron Maiden y Dream Theater, ¿Estáis de acuerdo, son estas dos bandas parte de vuestras influencias?
T: Realmente ha sido una comparación halagadora, son dos bandas que ciertamente ha influido en nuestra formación, y siguen haciéndolo.

A: Cuando hablamos con vosotros con motivo de la salida de vuestro primer disco nos comentasteis que teníais la intención de llevarlo al directo con un montaje espectacular con apoyo de músicos invitados y una escenificación teatral en vuestra Málaga natal, ¿lo hicisteis finalmente?
T: Si lo hicimos y fue uno de los mejores momentos que hemos vivido como músicos. Presentamos el disco en un cine de nuestro municipio improvisado como teatro, acompañados por un cuarteto de cuerda, saxo, flauta y guitarra clásica, fue algo que nos ha acompañado hasta hoy en el recuerdo, especialmente por el apoyo de todos los que nos han seguido en este tiempo y que no faltaron a aquella cita que esperemos podamos repetir en el futuro.

A: ¿Tenéis pensado hacerlo de nuevo con este último disco?, además sería propicio con la temática operística de la segunda parte conceptual del álbum, “Sofrosine” y con la numerosa presencia de invitados que habéis tenido.
T: Es una idea que nos acompaña como te digo y estamos convencidos de que Hipokrisia es merecedor de ese esfuerzo también, lo que ocurre es que presentarlo tal y como se merece nos impediría simultanear otras experiencias muy importantes para nosotros y que tienen ahora su momento, eso no implica que en un futuro no muy lejano decidamos trabajar el aspecto ‘más teatral’ de la banda y podamos hacer una presentación similar a la de nuestro primer disco.

A: Hace poco habéis estado tocando en Madrid, ¿Cómo os ha recibido el público madrileño? Supongo que en cualquier caso volveréis por Madrid para presentar el disco en una sala de mayor aforo, ¿Qué perspectivas tenéis para próximas actuaciones en directo?
T: Madrid ha sido una de las experiencias más esperadas en mucho tiempo, era la primera vez que llegábamos a la capital tocando, después de diez años de historia y con dos discos, no sabíamos como iba a responder el público y su reacción fue magnifica, en un sitio pequeño que se nos quedó más pequeño aún, así que tendremos que pensar en volver pronto. Perspectivas, todas, tenemos muchas ganas de tocar en directo, pero somos conscientes que va a depender en gran medida en la acogida que tenga Hipokrisia, no obstante si queremos tocar en los sitios a los que no hemos podido llegar en la gira presentación, es el caso de A Coruña el próximo 3 de marzo o Barcelona, pendiente de fecha, así como Andalucía.

A: ¿Cómo surgió el contacto con los músicos invitados con los que habéis contado en este disco, y por qué les habéis elegido a ellos y no a otros?
T: Fue algo que dio el propio proceso de creación del disco, queríamos abrir la experiencia a otras formas de ver el heavy, sobre todo buscando la aportación de grandes músicos con mucho oficio. En cada uno de los temas en los que participan tanto Carlos, Ángel como Oscar, nos imaginábamos su aportación y nos entusiasmaba la idea, se lo propusimos y accedieron a poner su granito de arena en este disco, creo que ha sido algo muy enriquecedor tanto para Hipokrisia como para nosotros mismos.

A: Volviendo a la temática de las letras del disco, ¿Por qué lo habéis dividido en dos partes, la primera con temas independientes y la segunda basada en el mito de Orfeo y Eurídice? ¿Qué queréis contar en esos siete primeros temas?
T: Hemos querido narrar ante todo un mismo concepto desde la variedad, la primera parte la componen temas basados en una misma idea pero que funcionan de forma autónoma, sin ningún tipo de vínculo musical entre sí, recurriendo a los recursos que el concepto ha requerido en cada momento. Sofrosine ha sido quizá el punto más sinfónico que necesitábamos para completar ese hilo conductor, una pieza que consigue darle al disco una vuelta de tuerca más acabar con esa independencia de los temas del principio, centrándose más en los sentimientos que en la propia narración, de hecho es donde se le da paso a las partes más instrumentales de la obra.

A: De entre estos primeros me quedo con el sentimiento que desprende “Grial III” un precioso tema continuación de las dos primeras partes que aparecían en vuestro primer trabajo y que es una oda a Granada. En él contáis acertadamente con la colaboración de Angel San Juan, vocalista de Tierra Santa, que da su personal toque al tema junto a la voz de Yiyi, ¿Qué habéis querido expresar en este tema?
T: Como dices es la culminación de la trilogía iniciada en el primer disco, si las primeras partes tienen como referencia lírica y musical al cantar del Mio Cid y las obras del Marques de Sade, esta tercera parte queríamos que se desarrollase en un contexto más histórico aún si cabe y sin abandonar la idea general del disco. Eso nos brindó la posibilidad de desarrollar nuestro particular homenaje a las influencias más directas del rock andaluz, centrándonos en la imagen de Boabdil como uno de los grandes atormentados de la historia. Conociendo y siguiendo desde hace mucho la trayectoria y el trabajo de Ángel con Tierra Santa, sabíamos que podría aportar y contribuir a ese acento trágico que la historia requería.

A: Una curiosidad para terminar, ¿Cuál es el significado de la portada, qué representa?
T: La portada representa Hipokrisia, el tormento y la decepción que provoca una mentira constante y que convive con nosotros. Es la imagen de ese hastío constante en la figura de quien intenta luchar contra la mordaza que suponen sus propias normas, es el reflejo de la hipocresía con la que en numerosas ocasiones nos disfrazamos. Una imagen llena de matices como el propio disco y que ha sido la aportación al concepto de un gran artista como Tete Crespo, nuestro lenguaje es la música, necesitábamos a alguien que entendiera la idea y lo expresase visualmente y él lo ha hecho de forma sobresaliente.

A: Muchas gracias y mucha suerte

Mariano Palomo

ENTREVISTA FOOL’S KIN

2007-01-08T14:11:00.000+01:00

Con motivo de la salida de su nuevo disco al mercado, “Healing”, nos ponemos en contacto vía e-mail con el vocalista de Fool’s Kin, Miko Heikkila, que respondió a todas nuestras cuestiones y donde descubrimos algo más a cerca de la actualidad de la banda.

ALIANZA: Ya sois viejos conocidos de los lectores de Alianza, pero por si todavía hay alguno que no os conozca, contar un poco a nuestros lectores como ha sido la historia de Fool’s Kin desde sus inicios hasta ahora
MIKO: Fool’s Kin es un grupo que nació en el año 97, grabando su primer EP, llamado “This blue machine”, en el 98. En 2002 se editó su primer LP, "Manic drama", y ahora acabamos de sacar nuestro nuevo trabajo "...Healing!" Somos un grupo multinacional afincado en Mallorca. El grupo ha sufrido algunos cambios de miembros como de ideas durante este tiempo.

A: Miko y Manolo son los únicos que siguen desde el principio y ha habido varios cambios en la banda que se han hecho patentes en su sonido sobre todo desde la entrada de Miiro a la guitarra, ¿Por qué esa evolución desde un hard rock más melódico a un estilo más duro, progresivo y oscuro?
M: Evidentemente la entrada de Miiro fue un cambio en todos los sentidos y para mí fue un alivio muy grande. Creo que Fool's Kin empezó a ser un grupo a partir de entonces. La música empezó a tener una dirección clara y propia. ¿Hacia dónde?, eso ya es cuestión de los críticos y el público.

A: Las últimas incorporaciones a la formación han sido las de Alexander Mas al bajo y la de Pedro González a los teclados, aunque este último ya ha colaborado muchas veces con vosotros. ¿De donde viene Alexander, que ha hecho anteriormente?
M: Alex había tocado ya con grupos aquí en Mallorca y era un amigo desde hace mucho tiempo, así que su incorporación fue fácil.

A: ¿Es Pedro ya miembro fijo del grupo y ha abandonado su trabajo con Skyline?
M: Sí, Pedro ya es miembro fijo de Fool's Kin. Sus cosas con Skyline están más paradas ahora. Con nosotros tiene un compromiso total.

A: ¿Mantenéis contacto con los anteriores miembros de la banda, como Tolo Grimalt, José Sánchez o Jimmy Torres?
M: La verdad es que no hay mucho contacto con ellos, sólo casualmente.

A: Vamos con el último disco, “...Healing!”. El disco parece suponer un nuevo giro en la carrera del grupo, con temas más clásicos, menos oscuros que en el anterior “Manic Drama”, pero quizá con un toque más barroco y neoclásico en cortes como “Shadows Within’” o “Stampede”, y más progresivo en otros como “Dark Crimson” o “Just Another Bleeding Heart” con más protagonismo de los teclados. Podemos decir que habéis intentado buscar algo original mezclando muchas tendencias dentro del hard o heavy más actual?
M: En realidad este disco creo que es Fool's kin de verdad. Hemos tenido tiempo suficiente para componer todo con paciencia y sacar todo tipo de ideas que queríamos exponer, y creo que se asemeja mejor que ninguno a lo que somos. Creo que no hay nada buscado, las cosas surgen cuando surgen y no hay que buscarlas por obligación.

A: ¿Qué tema o temas destacaríais de este nuevo disco, y de toda vuestra carrera?
M: En todos los discos hay cosas positivas, pero del último me gusta mucho el concepto general, un poco de todo. Así que perdona que no me moje con temas concretos. Cuando nos veáis en directo quizás obtengáis la respuesta al escuchar los temas elegidos.

A: Me llama la atención las frases que incluís cada uno junto a vuestra foto en el libreto del disco, extraídas de las letras de los temas, parece que aunque la música es algo menos oscura seguís con la temática pesimista, ¿por qué esta temática?
M: Yo creo que no es ser pesimista, es expresar sentimientos íntimos o miedos que tiene todo ser humano. Somos bastante optimistas como personas, ¿o hacer este tipo de música, y en inglés, en España no es ser optimista?, ja, ja, ja...

A: Observo que la producción ha sido cosa vuestra, ¿no habéis querido que nadie interfiriera en vuestro trabajo y sacarle vosotros mismos el sonido que buscabais?
M: La verdad es que hemos tenido la colaboración de un gran técnico como es Miguel Ángel Riutort, que ha trabajado, por ejemplo, con Metalium. Pero, en general, teníamos muy claro lo que buscábamos y por eso lo hicimos así.

A: Me gustaría que además de mi apreciación personal, nos dijerais que creéis que tiene de diferente este nuevo trabajo respecto al anterior y por qué le puede gustar a la gente, vamos, que lo vendáis.
M: Simplemente todo ha mejorado: Las composiciones, el grupo está más asentado, tiene un sello más personal... Creo que es un avance más.

A: ¿Consideráis que este es vuestro trabajo definitivo y con el que tenéis que dar el salto definitivo?, ¿Cómo veis el panorama para vuestra música actualmente?
M: En España es difícil. Este trabajo también lo hemos enfocado mucho hacia el mercado internacional, desde donde nos ha venido hasta ahora quizá más respuesta que de aquí.

A: Supongo que vuestros planes más inmediatos serán ofrecer vuestros nuevos temas en directo, donde doy fe de que dais una dimensión aun mayor que en estudio. ¿Qué planes tenéis de presentación o gira para este nuevo disco?
M: Ya fuimos a tocar a Madrid y presentamos el disco aquí, en Mallorca, con la colaboración de Txus de Mago de Oz. Ahora tenemos un par de cosas miradas en Cataluña y Baleares, pero todavía faltan muchas por planificar. Seguro que iremos a todos los sitios donde nos quieran ver.

A: Hablando de giras y directos, ¿cuál es el mejor recuerdo que tenéis de una actuación en directo como Fool’s Kin?
M: Hay muchas cosas muy buenas, pero concretamente uno de los conciertos de Madrid y otro en Palma con Mago de Oz fueron muy especiales. También el concierto con Jeff Scott Soto fue algo que no olvidaré.

A: Para terminar, una curiosidad ¿Con quien y donde os gustaría tocar que todavía no lo hayáis hecho?
M: Hay muchos sitios y grupos con quienes nos gustaría tocar, pero un sueño imposible sería tocar con Rainbow.

A: Muchas gracias por todo, si queréis añadir algo más aquí tenéis vuestro espacio. Nos vemos pronto en directo, un saludo.
M: Sólo añadir que el CD está a vuestra disposición en nuestra web: www.foolskin.com por sólo 10 €; en ella también podéis escuchar algunos temas y conocernos mejor. Muchas gracias por todo y muchas gracias por vuestro apoyo desde hace años. Un saludo y abrazos a todos de parte de Fool’s Kin.

Mariano Palomo

ENTREVISTA STRAVAGANZZA

2006-07-03T12:28:00.000+02:00

La gente de Stravaganzza y Avispa convocaron a los medios afines al rock con el fin de ponernos al día sobre las últimas e importantes novedades del grupo. Allí estábamos dispuestos a sonsacarles toda la información posible... El resultado de dicha cita es lo que a continuación puedes leer...

ALIANZA.- En primer lugar me gustaría que nos aclararais de una vez por todas por qué Edu y Dani han salido de la banda.
PEPE.- Lo cierto es que hay tres versiones. La del jefe de la compañía, la de Edu y Dani, y la de Leo y mía. Yo te puedo contar la mía. Parece ser que ha habido un problema entre Avispa, que es nuestra compañía, y la de Skizoo, que es EMI. Stravaganzza tiene un contrato de exclusividad, por lo que al estar Edu y Dani en las dos bandas, comenzó a generar problemas. Problemas que parecían sin importancia, pero fueron avanzando, cada vez peor, hasta que se vieron obligados a elegir. Ellos estaban muy contentos, y no querían dejarnos, por lo que esta situación ha hecho que estén deprimidos, y sé que aún lo están pasando mal. Es una pena que las compañías rompan los grupos de esta manera.
A.- ¿Como encontrasteis a los nuevos miembros?
Leo.- Cuando se planteó la necesidad de encontrar dos músicos, tuvimos claro que no queríamos gente que llegara a tocar y se fuera. Debían convertirse en miembros estables de Stravaganzza. Desde el comienzo Stravaganzza se planteó como un grupo de amigos. Con esa mentalidad fue que Pepe propuso a Patricio, ya que le conocíamos de haber tocado juntos en varios grupos. En cuanto a Carlos, nos pusimos en contacto con Big Simon, que es el oráculo del metal en esta zona, y él nos habló de un batería muy bueno que estaba tocando con Jorge Salán. Quedamos para tomar algo, y en seguida nos dimos cuenta de que congeniábamos a la perfección... los mismos gustos, las mismas coñas... comprobamos rápidamente que era la persona adecuada.
A.- Carlos, ¿El hecho de convertirte en miembro permanente de Stravaganzza te va a alejar de otros proyectos como lo de Jorge Salán?
CARLOS EXPOSITO.- De hecho, ahora mismo estoy grabando lo nuevo de Jorge. Realmente no voy a alejarme de nada. Simplemente es una cuestión de prioridades.
A.- Como ha sido todo el jaleo de encontrar e incorporar dos nuevos músicos, preparar conciertos, el E.P., etc.
L.- Pues un sin vivir. Teníamos un mes para prepararlo todo. Pero ellos se pusieron al día enseguida. Les pedimos que prepararan cuatro temas para la semana siguiente, lo que no es nada fácil, y a penas probamos a nadie más, porque ellos eran los candidatos desde el principio. Y a partir de ahí, merchandising nuevo, fotos nuevas para la página, toda la información para la prensa, etc. Daros cuenta que es muy difícil hacer una sustitución, porque puedes caer mal a los fans, aunque ellos han caído bien, menos mal.
A.- Por qué se os ocurrió sacar un E.P. en este momento...
P.- Nos parecía que pasaba mucho tiempo entre disco y disco, por lo que queríamos darle algo a nuestros fans, para que se acordaran de nosotros. Pensamos en grabar “Hijo de la Luna”, que cayó muy bien en el Viña. Se propusieron temas para acompañar en este E.P., y pensamos en “Dios”, que no nos gustó como quedó la producción en su momento. En cuanto al tema “Pasión”, es que yo me encargo de hacer las orquestas, y me da mucha pena que hay un trabajo enorme de orquestación en muchas de nuestras canciones, que luego queda tapado por el resto de la música, así se me ocurrió grabarlo con predominio de las orquestas, y me concedieron este capricho personal.
L.- La idea inicial era ofrecer algo barato a la gente, con el mayor contenido posible. Que la gente lo vea y diga, “coño, un maxi de Stravaganzza por 6 euros, y tiene un video”... plas, y te lo llevas. Pensamos que era una buena manera de que nos conociera la gente que no nos sigue habitualmente, y darle algo nuevo a quién si que nos sigue. De ahí que hayamos añadido un par de temas de nuestro último disco.
A.- Habéis pensado en grabar un tema con la nueva formación...
L.- Si, si... ya mismo. Estamos trabajando muy duro en la promoción de este maxi, porque pensamos que “Hijo de la Luna” nos hace llegar a mucha gente que de otro modo no nos conocería. Aunque es una pena que te tengan que conocer con un tema que no es tuyo, pero es una buena manera de comenzar. Quizás luego se interesaran en el resto de nuestro trabajo. Queremos hacer el video-clip del “Hijo de la luna”.
A.- ¿Habéis tenido algún problema de licencias para utilizar el tema de Mecano?
P.- No porque no hemos cambiado nada del tema, ni letra ni música, y el permiso solo es necesario si cambias algo sustancial de la canción.
L.- De hecho hay una anécdota muy graciosa. El otro día me llamó una fan, desconocida para mí, que desde aquí la mando un saludo y mi agradecimiento, y me cuenta que el otro día estaba en una terraza tomando algo y descubrió que allí estaba Nacho Cano. Le asaltaron literalmente, mp3 en mano, y le pusieron el tema. El tío, por lo que se ve, lo flipó, y le gustó tanto que le dio a la chica el teléfono de su agente para que le llamara. Así que la chica me lo dio para que le llamara. Así lo hice, y el tío encantado de conocernos, me dijo que les gustó mucho y que les mandara unas copias, así que lo hice y bueno... esto es lo que pasó.
P.- Llamamos a José Maria Cano para que lo escuchara, pero no le dio la gana.
A.- ¿En qué sentido habéis modificado las canciones para este E.P.?
P.- Pasión es el tema original, pero en Dios si que ha habido modificaciones, sobre todo la batería. La hemos hecho menos progresivo, más directo. Las guitarras son más pesadas, más directas.
A.- Es cierto. Las voces he intentado que se perciba la diferencia entre lo más rudo y lo más lírico... aunque todos estos cambios son muy sutiles. Si volvemos a hacer una versión de “Dios” en el 2020 quizás será muy distinta pero de momento no hemos cambiado tanto...
P.- Los coros nuevos a mí me encantan...
A.- Entonces la evolución para el futuro va en ese sentido, con sonidos más directos y menos progresivos y atmosféricos...
L.- ¡Más temazos...! esta sería una buena definición de lo que buscamos...
P.-... y en cuanto a la producción creo que sería algo entre el primero y el segundo... porque para mí al primero le falta un poco de guitarras, y al segundo le falta algo de orquesta... lo que hemos hecho en el maxi sería la combinación perfecta.
A.- ¿Qué esperáis aportar al grupo los nuevos componentes?
PATRICIO BABASASA.- Bueno... qué puedo aportar yo... a mí es que se me va la olla... yo me pongo a tocar y se me va la olla. Puedo aportar un poco de locura, porque estos chicos son muy sensatos, muy tranquilos. Los chicos del metal son muy tranquilos (n. de. r: lo dice señalando a sus compañeros)...
A.-...si ellos son los chicos del metal, ¿a ti como te consideramos... el chico del funky, del reggae?
P.B.- Yo soy el metal y ellos son mis chicos... (n. de r: las risas estallan en la sala)...
L.-...él es el Black Metal... (En referencia al color de su piel)
P.B.-...no, no... Yo he hecho muchos estilos... yo no he tocado solo metal, ni solo reggae, ni solo funky, ni solo he cantado música del renacimiento. Yo soy un culo de mal asiento...
Carlos Expósito.- Es que, a día de hoy, es difícil decir lo que uno puede aportar. Cuando tú juntas a cuatro tipos, con personalidades tan dispares musicalmente, no puedes saber qué es lo que va a surgir. De entrada seguro que será algo distinto, porque si no cambiara de algún modo, es que algo estamos haciendo mal. Es de sentido común.
A.- ¿Cuando escuchas la música de Stravaganzza, sientes que si tú hubieras estado, eso ó aquello otro sería distinto? ¿Sientes que puedes provocar cambios positivos musicalmente en el grupo?
C.E.- Si, si... Claro. Es un problema de personalidad. Yo vengo de un sitio distinto que Dani. El tiene sus criterios, y yo tengo otros. Es lógico que el sonido de la banda cambie. Pero hasta que nos metamos a trabajar, será difícil saber en qué.
L.- La batería me parece la parte más importante de nuestra música. Me he dado cuenta de que un riff bueno, puede ser mejor ó peor de acuerdo a la percusión que lleve detrás. De hecho es a lo que más tiempo se le dedica. Esperamos que ellos aporten cambios positivos a Stravaganzza.
A.- Y ahora qué ¿tocar en directo, ó componer y grabar?
L- ¡Joder tío! Me encantaría tocar más en directo. Fíjate que hemos hecho tan solo 8 conciertos en la historia del grupo. Somos casi un grupo de culto. Y esto es algo que a mí me jode mucho...
A.- ¿Para el próximo disco compondréis los cuatro?
P.- Si, si...
A.- ¿Habéis pensado en algo conceptual?
P.- Si se nos ocurre alguna idea, por qué no. Pero si no, pues sacaremos un disco de temas independientes. Hemos empezado a componer, pero tenemos poco aún.
A.- ¿A qué dedicáis cada uno de vosotros vuestro tiempo, para tener tan poco tiempo libre? (en varios momentos durante la entrevista, se quejaron del poco tiempo que tenían para dedicarle a Stravaganzza)
L.-... BUENO, BUENO... yo hago mínimo 5 ó 6 llamadas diarias relacionadas con Stravaganzza. Aunque hemos dicho que no tenemos prisa, si que estamos trabajando cada vez más fuerte en el grupo.
C.E.- Yo estoy grabando el nuevo disco con Jorge Salán. Aunque esto ha sido hace nada. Yo en realidad me dedico a la batería como músico de sesión. Bertín, Ángela Carrasco... también doy clases, a la par que estudio... todo el día liao con la música... ¡joder, me voy a comprar un reloj de 26 horas!
P.B.- Bueno, pues yo... a parte de dar clases de guitarra, de batería, así como de derecho laboral, y de informática... Ahora mismo estoy de director coral en la obra “Jesucristo Superstar” que se estrenará a mediados de julio...
P.- Yo trabajo de compositor y arreglista... pero la mayor parte del tiempo la paso estudiando...estudiando música, composición... Voy al Conservatorio Superior de Atocha, para convertirme en un Beethoven... He trabajado en la b.s.o. de una película llamada Ovni, un disco de pop de un chaval que se llama Carlos Martín... es muy difícil sobrevivir como compositor ó arreglista, así que hay que buscarse la vida. Cuando preparábamos el concierto de Caracol, llegaba a casa a las seis de la mañana, completamente muerto...
L.- Pues yo soy comedor de marrones oficial... Mi móvil, que hoy ha muerto, tiene una música que odio, aunque la cambio constantemente, pero la sigo odiando igual. La verdad es que estar en dos grupos es muy difícil, aunque de momento puedo compatibilizarlo, resulta estresante. Los cursos de voz que daba, ahora los dan por mí, porque a mí me resultaba imposible... realmente llegué a estar muy mal. Ahora me dedico de jefe y un poco de secretaria. Quiero ayudar en producción, que no de productor, porque no lo soy. Orientar en el estudio, y con mis criterios ayudar a que suenen mejor las bandas que me inviten a ayudarles.

Carlos Treviño

Mariano Palomo

Sergio Zapata

REPORTAJE CRONÖMETROBUDÚ

2006-06-19T12:53:00.000+02:00

CRONÖMETROBUDÚ de promoción...

El jueves, 15 de junio, tuvimos el placer de ser invitados a las oficinas del sello Avispa con el fin de conocer y mantener una charla con los creadores de “Sincronía”, la opera prima de este joven y multitudinario grupo burgalés. Allí nos esperaban el guitarrista Guillermo Gil, y el cantante Javier Castro. Ellos son de un pueblo llamado Melgar, de lo que además se sienten muy orgullosos, en el que existe una sala de 4000 personas, por la que han pasado multitud de bandas internacionales. Esto, según ellos nos contaban, ha hecho que en la zona haya “un gran ambiente de Rock”, y una de las consecuencias es Cronömetrobudú. Entre otras muchas cosas, nos contaron que el nombre del grupo se le ocurrió a un tio de Javi, sabiendo que buscaban una denominación para la banda que aglutinara los conceptos de tiempo y magia. Él mismo, que confiesa cierta obsesión por los asuntos temporales, explica, de este modo tambien, el título del álbum, “Sincronía”. Desde que en el año 2000 empezaran a trabajar en la idea de Cronömetrobudú, han conseguido grabar cuatro maquetas, que “en su momento parecían tener cierta calidad”, la última de ellas, titulada “Momo”, ya con 11 canciones, grabada en Carabanchel. La banda la forman 7 músicos en total, aparte de un par de “músicos suplentes” (así reza en el propio disco) y 6 colaboraciones varias. Cuando les planteé la dificultad de sacar algún posible beneficio de los bolos, ellos, muy inteligentemente, me dieron la vuelta a la tortilla al contarme que “aquí solo hay gastos, así que cuantos más seamos, a menos tocamos”. Lo cierto es que nunca pretendieron ser tan numerosos, pero diferentes circunstancias les hizo ir aceptando, ó buscando, la incorporación de nuevos músicos, de ahí que llegaran a esta cifra de siete más dos. Nos llamó la atención la activa participación de Juanjo Melero (Sangre Azul, Santa Fé) en las labores de producción sonora y artística, así como metiendo guitarras en tres temas. Parece ser que el contacto fue un poco casual, sobre todo a través de David Santafé, en cuyos “Estudios Santa Fé” se ha grabado el trabajo. Un disco, por cierto, muy variado estilísticamente, pues si bien tiene una base de Metal cercano al Nu ó al Grunge, no pierden la oportunidad de introducir melodías, bien de guitarras, flauta ó violín, que les aproxima en cierto modo, al rock duro más tradicional, y al folk. Ellos sin embargo ven su trabajo bastante homogéneo y equilibrado. Resulta curioso que un primer trabajo de una banda española, salga acompañado de DVD, pues se supone que, si ya es complicado sacar el típico CD, cuanto más este doble digipack CD+DVD. El dvd contiene el video-clip del tema “Ardides de Caballero”, más el making off y galería de fotos, y surgió por una productora de cine burgalesa, que les propuso una económica colaboración con la banda. Tan solo estas facilidades les permitieron poner en la calle por el precio de un disco normal, algo más atractivo comercialmente hablando, que además ayudará a que, a quién le mole su música, deba hacerse con el producto original, cuya presentación es realmente atractiva. Si bien la música no tiene una producción de alto nivel, las composiciones son, cuando menos, originales. El video clip es de una calidad nada despreciable, con apariencia de inversión económica gorda. Tienen intención de visitar Madrid despues del verano, así como algunas otras ciudades, para presentarle al público su música. Pero esto está todavía en proyecto. De este modo terminó la agradable charla que mantuvimos con dos chavales nada acostumbrados a esto de la promoción. Gente tranquila y auténtica, sin los vicios de quién lleva la palabra “negocio” escrita en la frente.

Carlos Treviño Cobo

ENTREVISTA DESCARO

2006-06-12T12:15:00.000+02:00

A continuación os transcribimos la entrevista que mantuvimos con el guitarra y el batería de Descaro. Ellos son Paco Ventura y Manolo Reyes, que, como supondrás por sus nombres, son los hijos del guitarra y el batería de Medina Azahara. Gente muy joven y simpática que nos hizo pasar un espléndido rato. Cuando leáis esto, pensad que las risas fueron constantes, amén de la simpatía que dispensan estos cordobeses.

Alianza.- El comienzo de entrevistas como esta es sencillo. ¿Como empezó Descaro? ¿Por qué os metisteis en esto de la música? ¿Por qué no estáis estudiando?
Paco Ventura.-...ja, ja, ja... Eso mismo me dice mi madre. Pues en un principio estábamos yo y mi guitarra, y un día que estaba muy triste compuse una canción. Esto fue con 15 años. Después llegaron más canciones y me metí en un grupo, porque yo quería tocarlas. Un poco antes ya había estado en un grupo con Manolo. Después me junté con el anterior batería y con el bajista Paco, que es amigo de toda la vida. Después salió el batería y entró Manolo, solo un mes antes de grabar el disco.
Manolo Reyes.- Poco antes de entrar a grabar me llamaron y me dijeron: “chico, vente pa’cá que no tenemos batería”, y les contesté “po vamo”. Una semanita para aprenderme los temas, otra semanita para ensayarlos, y nos metimos al estudio...
P.V.-...de hecho, en el estudio tocaba con los papelitos de la estructura, porque aún le costaba tocar las canciones.
A.- ¿Qué edades tenéis los tres?
P.V.- Yo soy el más pequeño, tengo 18...
M.R.-...y yo soy el más viejo, tengo 21.
P.V.- Luego Paco, el bajista, también tiene 18 años...
M.R.-...y el guitarra nuevo que ha entrao, Javi, tiene 19.
A.- ¿Cómo encaráis tan jóvenes, el meteros en este proyecto discográfico, habiendo fichado por una compañía importante? ¿Quizás haya habido “ayuditas” familiares...?
P.V.- No, no. Esto no ha sido cosa de llegar y besar el santo. Descaro lleva fraguándose ya tres años. Nada más empezar, se les trajo una maqueta. Les gustó y dijeron, “venga pa’lante”. Más tarde se trajo otra maqueta. Quizás si hubiéramos contado con Manolo antes, hubiéramos grabado teniendo yo 16 años. Siempre nos faltaba algo. De hecho hubo un tiempo que estuvo mi padre tocando con nosotros.
A.- ¿Tocando en directo?
P.V.- No, no. Solo ensayando en el local. Ya en marzo de 2005 vinieron a casa a escuchar como habían quedado las canciones, como por ejemplo el single. Nos aconsejaron qué temas sonaban mejor. Mi padre también nos ayudó...
M.R.-...pero vamos. No hubo facilidades por ser hijos de tal. Hubo facilidades para decir: “toma, escucha esto”, pero si no les hubiera gustado, no se hubieran jugado los cuartos...
A.- ¿Alguno de vosotros tiene estudios musicales?
M.R.- Yo estoy empezando con ello, en Jaén. Me gusta evolucionar, aprender. No quiero quedarme estancado en una sola cosa...
P.V.-...pero los demás, yo creo, que todos tocamos de oídas...
A.-...tu padre te habrá ayudado algo con la guitarra...
P.V.-...la verdad es que no. Cada vez que nos hemos puesto con ello, hemos acabado peleados... ge, ge, ge...
A.- Paco, ¿todos los temas están compuestos por ti?
P.V.- Pues si. Aunque yo no cierro que cualquiera traiga canciones.
M.R.- Ahora que el grupo está más asentao, supongo que empezaremos a aportar nuestra cosa... Cuando llegamos, estaba prácticamente todo hecho...
P.V.- Tengo casi 90 temas hechos...
A.- ¿...90...?
P.V.- Imagínate. Un niño que nunca sale de casa. Siempre encerrado con su guitarra. Un día le dejan un programa informático para hacer música... y así surge todo...
A.- ¿Qué tal os lleváis entre vosotros?
P.V.- Ah, fenomenal. Yo suelo acabar tocando desnudo...
A.- ¿...desnudo!!!?
(n. de r: las risas surgen constantemente durante la conversación)
P.V.- Bueno, bueno. Haber que estáis pensando, que es por “la caló”, que sudamos mucho.
M.R.- Es que si no te quitas la camiseta, acabas calado...
P.V.- Manolo es de los que menos se la quita. Es que Manolo suda mucho, porque cuando toca saltan las astillas... de verdad... Y yo, me la quito antes de empezar. Total, si la voy a mojar, mejor lo evito y luego me la pongo seca.
A.- Habladnos de vuestros gustos musicales.
M.R.- Pues yo escucho todo a lo que le pueda sacar partido. Me da igual el estilo. Sea samba, disco ó thrash metal. Yo lo que quiero es aprender...
P.V.- Yo escucho sobre todo rock español. Por supuesto que me gusta el heavy, Stratovarius y eso. Mi padre me ponía a Malmsteen y cosas así. Pero mis grupos favoritos son Extremoduro, Marea, Reincidentes, La polla y Sínkope... Si, por ahí van los tiros.
A.- Que tu padre Paco haya producido el disco es una ayuda importante...
P.V.-Si, claro. El quería producir el disco, para mantener el sonido de la maqueta. El quería que sonáramos igual que lo que habíamos grabado para la compañía.
A.- ¿Como surge hacer dos versiones tan raras?
P.V.- Bueno, “Un velero llamado libertad” es una canción que yo escuchaba, cuando me la ponía mis padres de pequeño. Y “Campanera” es porque la escuché en “Manolito Gafotas”.
A.- Y por qué no hacer algo más en sintonía con vuestra música...
P.V.- Hombre, en directo hacemos “Jesucristo García”, pero eso es algo fácil. Ya está hecho. Lo que buscamos es sorprender.
A.- ¿Te costó mucho elegir qué canciones entrarían en el disco entre esas 90 que tienes compuestas?
P.V.- La verdad es que sí. Exceptuando alguna que mi padre eligió porque le pareció que funcionarían, todo fue escuchar y escuchar hasta decidir. Luego también la compañía nos dijo que le parecían unas y otras.
A.-Uno podría esperar de una banda como descaro cierto grado de implicación social. Sin embargo parece que vuestras letras son más de chicas y fiesta...
P.V.- Había una en la maqueta llamada “Buena vida” que sí hablaba de eso. Pero al final no la cogieron, porque nosotros le presentamos a la discográfica 16 ó 17 temas y ellos eligieron. Excepto “Campanera” que la cogieron sin haberla escuchado. Pero es que a mí no me gusta hablar de protesta social ni de política, porque cada uno tienes sus ideas y...
M.R.-...en el momento que digas algo que a otro no le guste, ya te estás metiendo en un berenjenal que...
P.V.-...los políticos están siempre cambiando. Los problemas están siempre ahí y... es que no... Hablar de guerras, ó de otras cosas... son cosas que pasan. Además pasan lejos. Enciendes el telediario y... ¡qué pena!... que no, que no. Nosotros hablamos de amores, desamores y... a divertirnos.
A.- ¿Como os ha influido esta aventura musical en vuestra vida?
P.V.- Pues yo en cuanto empecé a tocar la guitarra, dejé de estudiar. El bajista también ha tenido problemas, y el guitarrista Javi, dejó el trabajo. Y él no ha dejao de estudiar porque se lo dijo a su madre, pero...
M.R.-...yo dejé el otro grupo. Más que nada porque sabía que esto iba a funcionar. Llevo tocando 3 añitos. Aunque al principio solo tocaba en clase. Pero desde hace un año, toco todo el día... Este sí que vive bien...
P.V.-...yo me levanto y me pongo a tocar. A las siete ó las ocho me voy a buscar a mi novia. Ó me pongo con la consola...
A.- ¿Qué experiencia tenéis en directo?
P.V.- Pues habremos tocado 8 ó 10 veces...
A.- Y qué hay de tocar en Madrid...
P.V.- Pues estamos esperando haber si el disco funciona y nos sale algo. Es que hemos tocado mucho en nuestra ciudad, pero siempre te viene a ver la misma gente y resulta cansado. Por eso preferimos no tener prisa y elegir los conciertos según nos interese.
(n.r.: La conversación, que debió de durar unos 45 minutos, dio para escribir el triple de lo que aquí os presentamos. Sin embargo, debido a lo mucho que hablan estos chicos, lo que os presentamos es lo más importante de lo que nos contaron)

Carlos Treviño Cobo

ESTUDIO REPORT - BARÓN ROJO

2006-06-12T11:29:00.000+02:00

En una sofocante tarde-noche de un martes, tuvimos el honor de ser invitados al estudio de los barones con el fin de enterarnos de como va la grabación de una nueva hornada temas que conformaran su próximo CD. Nacho Jordán y yo mismo, nos acercamos hasta el madrileño estudio Oasis con ese fin. Y este es el resultado de esa conversación. Debido a que les pillamos en pleno proceso de grabación hablamos brevemente con Carlos de Castro, y posteriormente fue Ángel Arias el que se ofreció a responder a nuestras preguntas.

Alianza.- ¿Hemos leído en una publicación pseudo-musical que os han ofrecido un millón de euros por reunir la primera formación?
Carlos de Castro.- De eso no hay nada de nada. Así de simple.
A.- En el festival de Mazarrón “Leyendas del Rock” vais a actuar a distintas horas Sherpa y vosotros. ¿Es posible que pueda haber algún tipo de colaboración, aunque fuera para un tema final de vuestra actuación?
C. de. C.- Qué va, nada. Nadie ha propuesto nada parecido, ni se nos ha pasado por la cabeza. Supongo que puede resultar morboso para algunas personas que toquemos en el mismo festival, pero somos bandas distintas que tocaremos a horas distintas.
(n. de r.: Tras darle las gracias a Carlos por responder, en un diálogo informal, a estas cuestiones, nos sentamos más relajadamente con Ángel para hablar del disco)
A.- Bueno Ángel, háblanos un poco del nuevo disco... como es, qué contiene...
A. A.- Hemos metido 11 temas, más una introducción que hacemos habitualmente en directo. Está quedando bastante correcto, con mucha caña, y pienso que a la gente que sigue a Barón le agradará... Siempre nos compararán con lo de siempre, pero bueno, eso lo tenemos asumido y olvidado.
A.-...te refieres a vosotros mismos...
A. A.-...si claro, la gente se queda con una época determinada, todos los grupos tienen su época determinada, y, eso no puede volver a ser... hay cosas en la vida que se hacen en su momento, en circunstancias especiales... pero vamos, que eso le pasa a todos los grupos. A Purple siempre le pedirán el “Smoke on the water”, a AC/DC el “Highway to hell” y a Barón... el “Volumen brutal”...
A.- Por lo que veo aún os queda mucho por hacer. ¿Para cuando tenéis previsto poner en la calle este nuevo CD?
A. A.-Aún es difícil de saber. Lo primero que tiene que haber es una compañía. Tenemos varias ofertas pero aún no lo tenemos decidido... pero hasta después del verano no creo que esté en las tiendas. De todos modos, calculo que a mediados de mayo estará terminado.
A.- ¿Cuando os metisteis en el estudio?
A. A.- Comenzamos el 8 de mayo...
A.-...mes y medio...
A. A.-...un mes y unos días. Date cuenta que hemos tenido galas y cosas que no podíamos dejar. Ahora mismo hemos estado cuatro días sin hacer nada.
A.- Supongo que vosotros podéis trabajar con cierta tranquilidad. Sin las típicas prisas que tienen otras bandas.
A. A.- Siempre tienes cierta premura, hay alguien que paga la producción y... bueno, siempre hay un límite de tiempo. Es cierto que tal y como están hoy las cosas, tener mes y pico para grabar un disco, pues está bastante bien... No andas muy agobiado, pero debes tener constancia en el trabajo, porque en cuanto te duermas un poquillo, se te va el tiempo a tomar por saco. Además, no solo es grabar, porque después vienen las mezclas, que es un paso muy importante, porque tú puedes grabarlo todo de puta madre, pero luego haces unas malas mezclas y la has cagao. Todo tiene su proceso... A.- Desvélanos alguna sorpresa que vaya a llevar el disco...
A. A.-Bueno... Armando ha cantado dos temas. Uno de ellos es una balada muy bonita, que además la ha hecho él y le ha quedao de puta madre, y yo he cantao un tema también.
A.-...y dicen que lo has hecho muy bien...
A. A.-...ja, ja, ja... las malas lenguas dicen que ha quedao bastante bien, pero bueno... yo no sé. Hombre yo me he oído muchas veces. He grabao maquetas en casa, los temas de barón, previamente me los he cantao, para ver las melodías y eso... en fin, es un tema mío que teníamos ahí. Y al final le ha hecho Carlos la letra y hemos decidido que la cantara yo.
A.- ¿Alguna vez habías grabado algo publicado en algún disco digamos oficial?
A. A.-No, no... Nunca...
A.-...y si se da el caso, ¿la cantarías en directo?
A. A.- Si claro. Por supuesto. No habría problema, pero primero habrá que ver que a la gente le guste...
A.- ¿Habrá invitados en el disco?
A. A.- Nnnnnnnno! (n. de r: aquí parece... dudar?) Es que esas son cosas que hay que hacer con tiempo. Nosotros llevamos trabajando 8 meses en este disco, pero tampoco teníamos fechas concretas. Y de repente dijimos: “O nos metemos a hacerlo, ó no lo hacemos”. Pero tampoco ha habido nadie que haya podido...
A.- ¿Quién hace el trabajo de producción?
A. A.- Sobre todo Carlos... Queríamos contar con Josemi, antiguo cantante de Hiroshima, pero por motivos laborales no pudo ser. Pero Carlos es absolutamente competente... además, si alguien sabe como tiene que sonar Barón, es Carlos...
A.- Se sigue insistiendo desde diferentes medios especializados en esparcir rumores sobre una posible reunión de Barón. La última en una famosa revista pseudo-musical. ¿Como asumes tú, que eres tanto ó más Barón que los que se fueron, ese interés por reunir la antigua formación?
A. A.- Yo entiendo que haya gente que piense así. El tramo más importante de Barón Rojo todos sabemos cual ha sido... “Volumen brutal”; “Metalmorfosis”, el disco en directo... luego ya empezó a decaer la cosa... es lógico y normal que haya gente que le apetezca que la banda se reúna. Otra cosa es que les apetezca a ellos. Ellos son mis compañeros, y si el día de mañana les apetece hacer una reunión, yo lo respetaré... de puta madre... yo he sido fan de esa formación... yo he estado en sus conciertos en el público, con 17 ó 18 años... hombre, llega un momento que se hace pesadita la cosa. Carlos y Armando son amigos míos antes que otra cosa. De todos modos, yo no creo que una reunión aportara nada... no creo que la vuelta de Hermes y José Luis nos devolviera al Barón de su mejor época... los últimos discos de Barón son discos dignos que están ahí... a unos les gustará más, a otros menos... no son el “Volumen brutal”... habrá gente que les guste más ó menos que el “Volumen...”, pero Sherpa también ha puesto un disco en la calle, y tampoco ha sido un superventas de la ostia. No creo que la reunión supusiera lo que ha podido suponer por ejemplo lo de Halford y Judas.
A.- Ya ha pasado más de un año desde que se fue Vale, el batería. ¿Qué pasó?
A. A.-El rollo con Vale es que... se perdió un poco los papeles, a nivel suyo. Vale entró en Barón sin haber pateado mucho lo que es el rock, incluso sin haber pateado mucho lo que es la música. Vale es un tío que entró a un grupo donde tienes trabajo, donde grabas discos, donde sales de gira, donde vas a Sudamérica. Si no te lo has currado un poquito, si no has sufrido esto, no le das el valor a las cosas que realmente tienen. Entonces, el problema de Vale fue ese, desde mi criterio personal. No supo valorar donde estaba, había bastantes desacuerdos, y se decidió que no se podía seguir funcionando juntos.
A.-...y ahora está José Martos...
A. A.- Si. Martos entró en Barón al mismo tiempo que yo, en el 96. Lo que pasa es que tuvo problemas personales, andaba un poco quemadillo, y lo dejó. Siempre hemos estado en contacto, porque es un colega. Cuando ocurrió lo de Vale, le llamamos, no estaba haciendo nada, así que pudo volver con Barón, y de puta madre... es una excelente persona. Un tío que sabe lo que hace. En definitiva, era la pieza que encajaba perfectamente ahí. Una banda se pasa mucho tiempo junta, y Martos es una persona con la que se puede estar...
A.- ¿Estáis tocando, ó vais a tocar en los bolos de este verano temas del nuevo disco?
A. A.- Si, si. De hecho ya lo estamos haciendo. Intentamos dar pinceladas que mantenga un poco el interés por el trabajo actual de la banda. En el Viña tocamos el “Hombre de las Cavernas”. Luego costará hacer el repertorio, porque habrá que intentar que la gente escuche los clásicos de Barón, al tiempo que presentamos el nuevo trabajo.
A.- A la hora de elegir el repertorio para el directo... ¿Os sentáis los cuatro a dialogar?
A. A.- Bueno, Armando es el que se suele encargar de eso. Los demás damos opiniones, siempre para mejorarlo, pero Armando lo hace muy bien así que le dejamos...

Carlos Treviño Cobo
Nacho Jordán

ENTREVISTA FATUM

2006-05-09T12:48:00.000+02:00

A finales de Abril, tuvimos el placer de mantener una amena charla con Enrique y Verónica, batería y cantante respectivamente de Fatum. La realizamos en la sede de Avispa y lo que continúa es la trascripción de lo más importante de lo que allí se dijo. Debo destacar la simpatía de estos gaditanos, que nos ofrecieron una de las entrevistas en las que más me he divertido…

ALIANZA: -Este es vuestro segundo trabajo. Sin embargo, habrá gente que aún no os conozca. Contadnos algo de vuestros comienzos.
ENRIQUE: -Bueno, pues Fatum comienza en 1996, y lo hace con una formación como la de ahora pero con el vocalista Enrique Cáceres, que ha sido parte de Fatum hasta hace poco tiempo. Tuvimos un primer disco con la discográfica Boa, un poco más arriesgado que este, en el sentido de la dureza de sonido. Más compleja y llena de elementos diferentes. Mucho más potente que este, que, en definitiva, era lo que nos apetecía hacer en aquel momento y, así lo hicimos. Sin embargo, y pasado el tiempo, fuimos evolucionando hacia otro tipo de tendencias y gustos que ya no se asimilaban en ese estilo…
A.: -¿…de qué año es ese primer disco?
E.: -Este primer trabajo es de 2002, aunque en 1996 ya teníamos la primera demo que, con lógicos cambios, dio origen a este primer disco. Tras ello, el grupo sufrió diferentes cambios de carácter conceptual, formas de composición, filosofía de creación y, en definitiva, una realineación de ideas con respecto a lo que teníamos en mente antes del primer CD. Si habéis escuchado, ó tenéis la oportunidad de escucharlo, notareis enseguida que ha habido un gran cambio entre ambos trabajos.
A.: -¿Cómo ha sido el proceso de elaboración de este “Roto”?
E.: -Ha sido totalmente auto producido por la banda. Debido ha la cantidad de matices e ideas creativas que teníamos, era complicado dejar que alguien ajeno al grupo metiera mano. Nuestro guitarra, Antonio García, se ha encargado de todo. Yo quería grabar las baterías en un estudio concreto de San Fernando, mientras que el guitarra quería grabar lo suyo en su propio estudio. Por diferentes motivos, hemos estado en Sanlucar, San Fernando, Sevilla… Una vez grabado todo, lo cogió Antonio en su estudio, lo mezcló y lo masterizó.
A.: -Todo esto con el antiguo cantante…
E.: -Efectivamente. En este punto nos encontramos con un disco terminado, y distribuido en las discográficas, con el fin de ver si alguna se interesaba… pero con las voces y las letras de Enrique Cáceres. Entonces se nos presenta la disyuntiva de que Enrique tiene un problema personal que le obliga a dejarnos. Lógicamente no podíamos vender algo que ya no era. Y ahí entra Verónica. Ella es amiga de la banda desde antes de que se formara Fatum. Tenemos gustos musicales coincidentes en algunas cosas. Dentro del disco iban dos temas compuestos por ella…
(n. de r.: según el libreto del CD, todos los temas están compuestos por los tres miembros masculinos del grupo; quizá se refiera a su primer disco ¿?)…
A mí me gustaba mucho su voz, y fue fácil pensar en ella como nueva cantante de Fatum. En seguida nos pusimos manos a la obra. Comenzó a reestructurar las voces, adaptándolas a sus personales características, y así llegamos al día de hoy…
A.: -Lo cierto es que, sobre todo a nivel vocal, abarcáis un abanico muy amplio que va desde el flamenco hasta formas más líricas…
E.: -Bueno eso tiene más que ver con la composición. Ciertamente hemos contado con elementos flamencos, así como sonidos más heavies, otros más industriales…
VERONICA: -…celta también…
E.: -…exacto. Y las voces van un poco en sintonía con estas formas de composición. Ella también tuvo que hacer un gran esfuerzo para adaptarse a estas canciones, lo que hizo con gran mérito, en mi opinión.
A.: -Comentabas que vuestro primer disco era arriesgado. Sin embargo yo, habiendo oído solo el segundo, me parece que este es tremendamente difícil de asimilar. Meter en un CD influencias ó tendencias como flamenco, celta ó hip hop, es un arma de doble filo, ya que le puedes gustar a mucha gente… ó a nadie…
E.: -Es cierto, y eso lo hablamos mucho. Pero pienso que, estando bien hecho, no tiene por qué no gustar. Es un disco de Metal, aunque esté influenciado de forma tan dispar. Todo el que lo escuche puede encontrar algo que le guste, pero no tiene por qué desagradarle lo demás.
A.: -¿Es intencionada esta fusión de estilos, ó surge de forma espontánea al componer?
E.: -Es totalmente espontánea. Todos escuchamos de todo. Incluso ella, cuando nos dice que el Metal no es su estilo favorito, nos hace felices porque ello da más matices a nuestra música.
A.: -Me imagino que, aunque ellos tres firman todos los temas, tu entrada (n. de r.: a Verónica Donna) habrá cambiado cosas en las canciones. Por ejemplo esos toques de flamenco, que quizás no hubieran existido sin tu participación…
V.: -Tú te refieres a la colaboración de Salvadora y Marchena… Cuando yo entré, el disco ya estaba grabado, incluidas las colaboraciones… yo lo que hice fue regrabar todas las partes de Quique Cáceres…
E.: -En cualquier caso, Quique tenía voz de Metal. En este sentido, la personalidad de todos los temas se han visto influidos por Verónica…
A.: -Verónica, ¿Con qué parte del disco te sientes más identificada personalmente?
V.: -Bueno… todo el disco tiene algo mío, pero… quizás con los coros de “Luzbel”. Ese ambiente tipo iglesia, me hicieron sentirme realmente bien… me gusta como quedó…
E.: -Fue gracioso lo de esta canción. Nosotros queríamos unos coros eclesiásticos y pensamos que lo mejor era irnos directamente a una iglesia y grabarlos in situ. Imaginaros lo que nos costó que el coro cantara “…Luzbel, yo te vendo mi alma…”, con lo que ello puede suponer para alguien de creencias cristianas. Unos lo veían con gracia, pero otros decían: “¡estamos locos, ó qué!”. Todo para que al final se sustituyeran por el trabajo de Verónica.
A.: -Verónica, ¿Es este tu primer trabajo como cantante?
V.: -Llevo ya seis años cantando todo lo que me echen. Bandas de todos los estilos, música de iglesia, grupos de verbena…
A.: -¿Tienes estudios musicales?
V.: -Ninguno. Soy absolutamente autodidacta. Todo lo he aprendido sola.
A.: -Las letras también resultan bastante arriesgadas… oscuras… con algo de crítica social…
E.: -Hacemos crítica social, pero desde el punto de vista más interior del ser humano. Tocando la fibra más inocente de la propia persona, la infancia. Donde se origina todo lo demás, lo bueno y lo malo. Nos parece interesante estudiar el tema. Lo hemos empezado reflejando en la portada donde veis a un niño, en su estado más inocente, rodeado de unas máscaras que quieren representar el mal acechante. Esto lo vemos cada día en el maltrato, violaciones ó abusos a la infancia.
A.: -En general son letras oscuras… negativas…
E.: -Yo no lo creo. Por ejemplo, en “Luzbel”, ya nos han dicho que si el diablo, Satán, no sé qué…
V.: -…claro. Es que hay que buscarle el sentido a las letras. Porque en una primera escucha puede parecer satánica. Pero lo que decimos es que el diablo existe, pero que está en cada uno de nosotros, y que está en nuestras manos dejarle que salga ó no… Realmente es lo contrario de lo que la gente interpreta, al principio.
E.: -Pretendemos denunciar lo que está mal, pero criticando que la gente no se mueva. Queremos incitar a la protesta. Nuestra primera crítica es que la gente no se movilice contra todas las injusticias que suceden… intentamos ser positivos.
A.: -¿Como surgen las colaboraciones?
E.: -Verás… de Saurom Lamderth somos vecinos y buenos amigos. Ya desde hace tiempo tenemos una estrecha relación con ellos. Sobre todo Antonio, nuestro guitarra, que ha sido su técnico de sonido y produjo “Sombras del este”, por lo que nos hacía mucha ilusión que participaran de algún modo en nuestro proyecto. Después está Vikingo, el vocal de Narco. Le conocimos en un bolo de Sevilla, donde nos fuimos de copas juntos, y se lo propusimos. A parte, Verónica ya les conocía de antes, pues había coincidido con ellos varias veces, así que todo vino rodado.
A.: -¿Cómo se presenta la presentación del disco en los escenarios?
E.: -Pues, estamos en ello… Hay algunas cosas ya cerradas y otras casi. Sobre todo, allí en Andalucía. Después esperaremos a ver qué tal va el disco. Aquí en Madrid, yo quisiera que fuera Ritmo y Compás, que es una sala que me gusta mucho, para nosotros… pero será para después del verano. También estamos trabajando para ir a Valencia y Barcelona, pero hay que mover contactos y no hay nada cerrado.
A.: -Si tenéis algo más que contarnos, algo que le queráis decir a nuestros lectores…
E.: -…pues sí. Hemos grabado un video muy guapo. Además resultó anecdótica la grabación. Encontramos un cine abandonado en Sevilla, un lugar que era ideal para nosotros, sucio, roto, hacía innecesaria cualquier escenografía…
V.: -…lo grabamos en semana santa y, como sabréis, allí la gente se toma esos días como los más importantes del año. De hecho, el domingo, prácticamente no se puede salir a la calle si no es “de punta en blanco”. El caso es que había que ir a comer… pero no era cosa de andar cambiándose de ropa ó desmaquillándose… total, pa’ luego seguir la grabación. Así que yo fui a comer, con el resto del equipo, pero con un pedazo de traje de época… la falda sujeta con aros de lo menos un metro de diámetro… la cara blanca del maquillaje….
E.: -…imagina cuarenta hippies desaliñados, capitaneados por esta aparición del pasado…
V.: -…cuando salimos del cine, abriendo esas puertas que se caían a cachos, no veas como nos miraban. De hecho, tuve que ir al baño y, otra mujer que había… ¡salió corriendo!
E.: -Podéis ver fotos de la grabación en la página web. Y por supuesto, cuando esté definitivamente terminado, lo colgaremos para que la gente pueda verlo.

Carlos Treviño Cobo

ENTREVISTA DRAGONFLY

2006-04-12T11:10:00.000+02:00

Esta es la entrevista que mantuvimos, en las oficinas de Avispa, con la joven banda hispano-argentina, tras la edición de su ópera prima, “Domine”. Allí nos encontramos con el guitarrista argentino Ariel Mittica, con el vocalista Pablo y con Juanba, bajista.

Alianza: Quizás, para ir entrando en materia, lo primero sería que nos contarais como han sido los comienzos del grupo.
Ariel Mittica: -Bueno… pues fue en Buenos Aires. Allí estuve buscando un baterista… encontré a “El Vikingo”… tocamos dos años por diversas salas… y al final decidimos venirnos para España.

(N. de R.: Durante toda la entrevista, encontramos a Ariel bastante tímido, o nervioso, no así a sus compañeros)

A.: Pero qué motivó que decidierais hacer el viaje hasta aquí… ¿Quizá la situación por la que pasa el país en los últimos años?
A.M.: No, no… nada de eso… nosotros allí habíamos tocado un techo… debido a la situación socio-económica no daba para más, y un día, en casa de Barilari, nos dijo… “chicos, este proyecto que está haciendo acá, lo hacen en otro país. Por ejemplo España…”. Lo pensé, lo analicé, lo hablé con la familia… me dijeron “¡Dale!”. Se lo comenté al Vikingo, que decidió venirse conmigo, y caímos en Valencia. Ahí comenzó la historia.

A.: …y qué opinaron los compañeros de la banda que se quedaron en Argentina… como asumieron esta ruptura… Por ejemplo Marcelo Arenas, cantante de Brokenheart…
A.M.: En principio pensamos en venirnos todos, pero el vikingo y yo tenemos nacionalidad italiana. Sin embargo ellos hubieran tenido problemas, pasados unos meses, por el tema de los papeles, etc. Entonces decidieron quedarse allí, cada uno con sus proyectos, y el vikingo y yo nos vinimos para acá.

A.: Os formasteis en el año 2000, sin embargo no ha sido hasta seis años después, que habéis grabado vuestro primer disco. A parte del cambio de país, me imagino que habrá habido otros motivos para esta tardanza. Quizá… ¿Buscabais algún sonido en concreto?
A.M.: En lo que más tardamos fue en encontrar a los músicos. Vikingo y yo probamos a muchos músicos, hasta que los conocimos a ellos. Una vez los encontramos… grabamos una maqueta… ellos tenían otros grupos, y no sabían bien donde iban a seguir… si funcionaba la maqueta. Pero vimos que sí gustó, por lo que ya se fue consolidando la banda. Aunque al principio no era una banda, banda… Pablo cantaba en dos grupos, Juanba igual… con él… Hasta que se decidieron a venir con nosotros… entonces ya sí era una banda.

A.: ¿Os costó mucho definir el estilo? Quizás vosotros, en Argentina tocabais de una manera, y aquí encontráis gente con ideas propias…
Juanba: Lo que pasa es que cada uno tiene gustos muy diferentes… Desde Queen, E.L.O., Supertramp, hasta lo más agresivo que puedas imaginarte. Entonces, sobre lo que ellos traían de Argentina, cada uno ha ido metiendo sus cosillas, sus arreglos…

A.: ¿Ha cambiado mucho el sonido del grupo, de lo que hacíais en Argentina, a lo que hacéis ahora?
A.M.: No… más o menos es lo mismo. Lo único que aquí lo pulimos un poco más.

A.: ¿Cómo os convencieron para uniros al proyecto?
J.: Pablo, Isauro y yo estábamos en un grupo que se llamaba Outer Heaven. Isauro tocaba los teclados, Pablo cantaba y yo hacía bajo y coros. En un concierto en Xátiva, nos vieron actuar, y les gustó como cantaba yo, por lo que me propusieron unirme a ellos. Me pareció una oportunidad probar como cantante solista y acepté. Luego le propusimos a Isaura que se viniera a tocar los teclados. Pero a la hora de buscar bajista, probamos a muchos, pero ninguno nos cuadró. Por otra parte, los ensayos fueron avanzando, y no me veía preparado como para cantar bien en directo. Por ello llamamos a Pablo, y yo volví al bajo, aunque sin dejar los coros.

A.: Lamento que no esté aquí el vikingo, porque es él el que ha compuesto casi todos los temas…
A.M.: Bueno, el vikingo lo que trae es la melodía. Él no tiene conocimientos musicales… entonces el llega al estudio con una melodía que casi siempre tararea con la voz. Y ahí entramos los demás, para convertir eso en una canción…

A.: …pues entonces le tenéis mucho cariño al vikingo, porque yo conozco más de un grupo en que compone uno, y firman todos, mientras que vosotros dejáis que sea él quien firme los temas en solitario…
Pablo: Bueno… una cosa es arreglar una melodía, y otra muy distinta inventarla. El toca la guitarra, y con algunos acordes, nos indica por donde debe ir la canción. Aunque luego nosotros la arreglemos… metamos coros ó un solo de guitarra… la autoría es de él.

A.: ¿Como ha sido el proceso de grabación?, y ¿por qué os habéis ido a masterizar a Argentina?
P.: La grabación fue larga y penosa (N. de R.: momento de risas). Hemos estado más de un año. La verdad es que tuvimos la suerte de contar con la ayuda de un buen amigo nuestro, allí en Valencia. El tiene un pequeño estudio de grabación… y con pocos medios es capaz de sacar una gran calidad. Optamos por grabar con él por motivos de comodidad, de economía, y porque nos daba una flexibilidad de tiempo, imprescindible para gente como nosotros, que tenemos nuestros trabajos, etc. Íbamos dos horitas un día, otro tres, otro ninguna… Esto nos permitió perfeccionar cosas, y dejarlo todo, realmente a nuestro gusto. Luego, por consejo de Adrián (Barilari), fuimos al estudio de Martín Toledo, para darle el último toque al trabajo…

A.: Buscabais el sonido de Rata Blanca…
A.M.: Más que por Rata Blanca, fuimos por Barilari como solista. Nos encanta como suena su trabajo, y queríamos algo así… muy europeo…

A.: A pesar de ser vuestro primer disco, suena cojonudo…
J.: Estamos contentos, aunque hemos pagado un montón de novatadas que nos han enseñado cosas. Esperamos que en el próximo no cometamos los mismos errores.

A.: ¿Como surgieron las colaboraciones…?
A.M.: En un viaje a Argentina, le propusimos a Adrian que colaborara en nuestro disco. Al principio iba a ser solo uno, pero escuchó la maqueta, y comenzó a tener ideas que quería aportarnos… por lo que al final nos hizo dos... y nosotros recontentos.
J.: Lo de Leo surgió porque yo le conocía, incluso antes de presentar nuestro trabajo a Avispa, de la playa de Gandia donde yo curraba en un pub y él iba por allí. A Johnny (Dyonnisus) le conocía de lo mismo. Les propuse el trabajo, aceptaron, y así fue todo.

A.: ¿Habéis aprendido algo de ellos?
P.: La verdad es que para mí, la experiencia ha sido estremecedora. Cuando tú escuchas un disco terminado, la voz ha sido tratada a través de una mesa de sonido y la informática, pero yo he tenido la oportunidad de escuchar la voz de Adrián en crudo. Ahí he podido escuchar y aprender formas de calentar la voz, de aprovechar mi posible potencial… he oído aspectos técnicos que, en una grabación terminada, no puedes apreciar. Y con Leo fue increíble, vino hasta el estudio de nuestro amigo, y pude ver lo realmente buen vocalista que es. Hay quien dice que es muy chillón, pero viéndole grabar puedes comprobar la increíble calidad que tiene.

A.: El concepto del disco… las hadas, mujeres aladas, etc. ¿De quién es?
P.: Nosotros tenemos un buen amigo dibujante, que es artista fallero. Recién llegado a Valencia, fue el vikingo quién le conoció, pues es argentino también. Le dimos un CD, para ver que se le ocurría, nos vino con la idea de la mujer con alas de libélula, nos gustó y, a partir de ahí, desarrolló lo demás.

A.: Por la presentación de disco, yo esperaba letras de hadas, elfos ó dragones… sin embargo es todo más real…
P.: Nos gusta hablar de cosas más cercanas. El vikingo habla de cosas que le han pasado a él, o a un vecino suyo. Pero siempre de cosas reales.

A.: Habladnos de cuales son vuestros gustos musicales…
P.: Ariel tira por los guitar héroes tipo Malmsteen ó Blackmore, el vikingo escucha mucho metal escandinavo.
J.: Yo escucho prácticamente de todo, y Isauro es de otro planeta. Escucha a Dream theater, pero también bandas rarísimas chinas, cosas así.
P.: Yo tiro más hacia el power metal. Hoy por hoy, la banda que más me gusta es Edguy. El “Rocket ride” es increíble. Al final creo que hemos conseguido lo que queríamos, que era que cada tema tuviera un poco de todos, para crear nuestro propio estilo.

A.: Se puede apreciar, escuchando el disco, una gran cohesión en la banda…
A.M.: Nosotros somos ante todo un grupo de amigos… después una banda musical… y al final, pero muy al final, está el negocio, al cual no nos cerramos, pero que no es nuestra prioridad.
P.: …esto se puede apreciar en nuestros directos. Nos divertimos… se crea un feeling muy especial… auténtico…

A.: …Y cuando podremos disfrutar de esto que nos contáis…

P.: pues si os acercáis por Valencia, pronto. Después iremos a Barcelona a tocar con Opera Magna. Estamos en conversaciones para tocar en Albacete, y otros sitios… pero nada definitivo todavía.

Carlos Treviño Cobo

Mariano Palomo

ENTREVISTA AXXIS

2006-03-23T11:10:00.000+01:00

A continuación podéis leer la entrevista que mantuvimos con Bernard Weiss, el carismático y parlanchín líder de la banda alemana Axxis en las madrileñas oficinas de Avispa, la compañía distribuidora de su nuevo trabajo, "Paradise in Flames", en España. Un saludo especial para nuestro colega Raúl, del programa “En la Frontera del Silencio”, con el que compartimos esta agradable experiencia.
Alianza: -A pesar de vuestra prolífica carrera, habéis visitado poco nuestro país. De hecho, esta es la primera vez que venís de promoción… ¿Por qué?
Bernhard: -Realmente esto no es elección nuestra. Cuando obtuvimos tanto éxito con nuestro primer disco, “Kingdom of the night”, EMI pedía demasiado por nosotros, y eso nos impidió salir hacia países como Italia ó España. Más tarde, con Massacre Records, si pudimos dar este paso, por fin. Incluso vinimos a tocar al Rock Machina, hace algunos años, pero efectivamente, esta es la primera vez que venimos para hablar con los medios

A.: -Nos encontramos en este “Paradise in flames” con la sorpresa de una voz femenina. Se trata de Lakonia, quien incluso tiene momentos de voz principal. ¿A qué es debida la inclusión de este cambio en vuestra música?
B.: -Cuando nos pusimos a trabajar en nuevos temas, comprobamos que algunos no terminaban de sonarnos bien. Resultaban imitaciones de nosotros mismos, cosa que yo odio que ocurra. Lakonia resultó ese nuevo aire que esos temas necesitaban. Ya estuvo ayudándonos en los coros de nuestro anterior trabajo, y de allí surgió la idea de producir su primer trabajo. De este modo, ella nos aporta esa ayuda inestimable para Axxis, y a su vez la sirve de plataforma de lanzamiento, de cara a su propia carrera. Además, vendrá de tour con nosotros, por lo que todos los fans de Axxis la podrán conocer más de cerca.

A.: -¿Nos podrías hablar sobre el pasado de Lakonia y como contactasteis con ella?
B.: -Bueno… la conocí de una forma más bien privada. Acudí a la boda de la hija de un vecino mío, y Lakonia cantó en la iglesia el “Ave María”. Fue en ese momento cuando se me ocurrió ofrecerle participar en los coros de “Time Machine”. Ella antes no había tenido ningún tipo de experiencia en ninguna grabación, ni nunca había salido de gira con nadie.

A.: -¿Es posible que quizás hayáis recuperado un poco el sonido de vuestros primeros trabajos, por ejemplo el tema “Lady Moon”? ¿Era esa la intención?
B.: -No pensamos en eso al hacer un CD. Quizás al tener mismo cantante, mismos instrumentos, misma producción, pueda dar esta sensación. La mezcla es distinta, puesto que ahora metemos los teclados un poco más altos.

A.: -El hecho de que destaquen los teclados más que antes, y la inclusión de Lakonia, me hace pensar que quizás tenéis pensado modernizar vuestro sonido, y seguir un poco la estela de Nightwish, After Forever o Within Temptation.
B.: -Pero… ¿qué es moderno? ¿Mezclar música clásica con moderna? Quizás sonamos un poco más clásicos, aunque, si que es cierto que este tipo de mezclas son modernas, en el sentido de que últimamente hay más bandas haciendo esto.

A.: -Os ha ayudado Dennis Ward, de Pink Cream 69, para hacer las mezclas. Últimamente este hombre está metido en todos los “fregaos”. Realmente es tan bueno, o acaso es una especie de mafioso con el que todo el mundo debe contar… ¡para que te vaya bien…! (aquí se produce un momento de carcajadas varias)
B.: (entre risas) –Bernhard es ante todo un buen amigo. Axxis y Pink Cream siempre han estado enfrentadas. Nosotros estábamos con EMI y ellos con Sony. Nosotros vendíamos más discos en Alemania, pero ellos vendían más en el resto del mundo. Finalmente, cuando nos conocimos, nos hicimos grandes amigos. De hecho su batería también está en “Time Machine”, Dennis en las mezclas, tenemos la misma oficina de management y también la de contratación. Quizás para ser un mafioso tendría que tener un poco más de dinero… (Nuevas risas)…

A.: - Me gustaría saber de que hablan tus letras. En el disco anterior teníais un par de temas de contenido político, sobre el conflicto palestino y la guerra del golfo, aunque vuestra música no parece que invite a la reflexión sino más bien a la fiesta. ¿Sucede en este disco lo mismo?
B.: - Bueno… pienso que Axxis tiene un gran abanico de posibilidades musicales. El cincuenta por ciento del nuevo disco habla de fantasía. Primero compongo la música, y luego miramos qué tipo de letra nos inspira. Vamos a tocar, en Tel-Aviv, un tema titulado “Don’t leave me now”, en el que una chica palestina se enamora de un chico judío. Imaginaros, ¡un grupo alemán, tocando en Israel esta temática!, para mí es genial participar en esto. También tocaremos este tema en España, aunque sin los artistas.

A.: - Conoces la censura del tema “Crusader”, de Saxon, en Dubai…
B.: -Oh, sí…

A.: - ¿Qué piensas sobre esto?
B.: - Es muy triste que pasen estas cosas. La cultura no debería coartarse nunca, como ha sucedido, por ejemplo, con el tema de las imágenes de Alá en los medios daneses. Es nuestro sistema. En nuestra sociedad se puede criticar, incluso aunque la crítica esté mal, y no se debe censurar…

A.: - ¿Hay algo sobre lo que nunca escribirías?
B.: - Por supuesto, todo el mundo tiene sus propias barreras personales. Yo nunca escribiría sobre el Islam. No me gusta, pero creo que debemos respetar todas las culturas. Aunque si otros lo hacen, yo lo veo bien… pero yo nunca lo haría.

A.: - ¿Te has planteado hacer covers en directo?
B.: - Sí, por supuesto. Ya lo hemos hecho con “The four horsemen”, de un grupo griego, y con “Na, na, na, hey Goodbye”.

A.: - A pesar de los cambios de formación en Axxis, la sensación de banda cohesionada, es sorprendente. ¿Cómo consigues que un nuevo miembro de Axxis muestre tanta unión con la banda?
B.: - Yo escuchaba de pequeño bandas como Judas ó Maiden, que sin Halford ó Dickinson no son nadie. Cuando perdimos a nuestro guitarrista Waters pensé que eso nos podría pasar a nosotros, que la gente quizás no nos aceptaría. Sorprendentemente esto no fue así, la gente asume los cambios en Axxis muy bien, y, la verdad, es que no se el motivo. Ahora tenemos el caso del bajista Kuno Niemeyer, que ha recibido una oferta laboral de diez mil euros al mes, y que hemos sustituido por Rob Shoemaker (Cyberia), ó Andre, que es también batería de Silent Force, aunque con ellos toca menos.

A.: - Para terminar, ¿Qué les puedes contar a nuestros lectores, para animarles a que no se pierdan vuestros conciertos?

B.: - Bueno, la primera sorpresa podría ser que nosotros lo vamos a tocar todo. Ahora que se ponen de moda el uso de samplers, o música pregrabada, nosotros no vamos con eso, aunque sí lo hacen gente como Kamelot. Pero esto no es una verdadera sorpresa. Sí que lo es que Lakonia va a estar con nosotros en directo, tanto haciendo coros como cantando sus partes… y algo más. Haremos un juego como Meat Loaf, en el que yo seré el feo y ella la guapa… je, je, je… Vamos a tocar el nuevo disco casi entero, y hemos preparado un “popurrí” de todos nuestros clásicos, para interpretarlos seguidos y enlazados unos a otros. Además, en nuestra página web, www.axxis.de, todo el que quiera puede votar sus canciones preferidas, y así ayudarnos a formar el set-list.

Carlos Treviño Cobo

ENTREVISTA DORO

2006-03-07T12:09:00.000+01:00

La Reina del Metal volvía a pasarse por Madrid, en esta ocasión para presentarnos su nueva creación “Warrior Soul”. Además de charlar sobre este disco, aprovechamos nuestra charla con la simpatiquísima y amabilísima Doro para conocer de cerca su experiencia como actriz, su implicación en asociaciones de defensa de los animales, e incluso para recordar algún que otro capítulo del pasado de la rubia de oro.

ALIANZA: De tu nuevo trabajo “Warrior Soul” lo primero que llama la atención antes de escucharlo es su espectacular portada, ¿realmente interiormente te sientes así, como refleja la portada, como una guerrera?
DORO: En cierta forma sí, pero la portada viene sobre todo por el título del disco y por mi participación en una película de temática guerrera que tiene que ver con el título “Warrior Soul” (Alma de Guerrero). Cuando vi el resultado final me gustó mucho, aunque no pensaba que iba a aparecer casi desnuda en la portada. Y sí, siempre me he sentido como una luchadora, por las cosas buenas, contra las malas, por la música, por la gente. Siempre hay que luchar para sacar adelante lo que realmente nos importa.

A: Entonces la imagen de la portada tiene más relación con la historia de la película en la que participas, son proyectos paralelos.
D: Sí, tienen mucho en común, pero más la música que la imagen. El tema “Warrior Soul” forma parte de la banda sonora de la película, del que hemos hecho también un video clip, y la película ha influido en el contenido del disco.

A: ¿Te has sentido siempre un poco actriz para llevar adelante tus proyectos musicales, o realmente te apetecía aparecer actuando en una película?, ¿cómo te has sentido haciéndolo?
D: Ya había actuado antes en un par de películas como secundaria hace tiempo, pero no fue nada destacable. Luke Gasser me propuso hacer la banda sonora de la película y luego me dejó el guión para que lo viera y me gustó mucho, es una historia con dos mujeres protagonistas y me dijo que cual quería ser, y no dude que el personaje de Miha era perfecto para mí. Es la hija del jefe de una tribu que tiene que dejar de ser cazadora para convertirse en guerrera, ya que su pueblo fue arrasado por un ataque de enemigos que matan a su padre y tiene que luchar contra ellos, incluso acaba luchando con Anuk que es el personaje principal. A partir de esta experiencia me he hecho muy amiga de Luke, aunque el rodaje fue realmente duro, madrugando mucho, con muchísimo frío, en fin mucho más duro que hacer diez conciertos seguidos, pero me ha llenado mucho y me ha motivado mucho para el disco. No se si habrá continuidad en esta faceta de actriz, espero que sí, en cualquier caso Luke y yo nos dimos la mano y acordamos seguir en contacto para próximas películas.

A: ¿Es la primera vez que pones temas tuyos en una banda sonora de una película?
D: Sí, así es, siempre he tenido ganas de hacerlo y por fin ahora he podido.

A: ¿Crees que es una buena forma de llegar a un público que quizá no escucharían tu música de otra manera?
D: La verdad es que no lo se, porque en este caso se trata de una película independiente y no se a la cantidad de público que podrá llegar, pero sería genial que lo viera mucha gente.

A: Hablando del nuevo disco, de los temas, vemos que hay variedad, con medios tiempos, baladas y sobre todo uno que se sale de la línea habitual de Doro, “Ungerbrochen”. Todo el sentimiento que reflejas en este disco ¿viene de muy atrás o es algo más actual?
D: Sí, siempre he querido hacer discos con sentimiento, con muchos himnos y temas que la gente pueda cantar en directo. Sobre “Ungerbrochen” la escribí para una emisora de televisión por cable en Alemania que se dedica al heavy metal, en principio era una sintonía y ha terminado siendo un tema. Es un tema muy punk, con mucha energía, parecido a “Ich Will Alles” que aparecía en el “Calling The Wild”, es algo que me gusta hacer de vez en cuando, aunque se salga de lo habitual. Para el conjunto del disco he querido volver a las raíces, sin grabaciones electrónicas, con lo básico y sonando más directo y real.

A: Además es curioso que un tema tan impactante como “Ungerbrochen” aparezca en el disco entre dos baladas, algo realmente curioso ya que estás escuchando un disco más o menos relajado y de repente estalla este tema, ¿ha sido decisión tuya o de la compañía?, ¿por qué esta situación de los temas?
D: Lo pensé yo, aunque realmente la compañía lo que quería era dejarla fuera del disco, y tuvimos que discutir bastante hasta que les convencí para que la incluyeran en la edición normal del disco. Aunque no esté dentro de la línea del resto creo que viene muy bien para romper un poco entre las baladas.

A: En general el disco lo observamos más pausado, con riffs menos duros que en tus últimos trabajos, quizá en este trabajo ¿has querido tirar por un lado más intimista y sentimental que en los anteriores?
D: Cuando escribo cada canción estoy concentrada en ella, y no pienso en como serán las demás, cuando veo que un tema está bien y me gusta no me importa si es un medio tiempo o una balada, si está bien debe salir en el disco. Me gustan mucho los medios tiempos, me encanta “Strangers Yesterday” creo que es uno de los mejores temas que he hecho, pero cada uno de los temas del disco tienen su propia historia y su porque para aparecer en él, todos tienen algo especial, y salen así.

A: Entonces estás en una etapa más tranquila, más relajada
D: No necesariamente, también he escrito temas más heavies y más rápidos, pero tenían menos calidad que los que han entrado en el disco y era incapaz de desechar ninguno de los del disco para incluir estos otros, no me parecían tan especiales. Supongo que alguno de ellos aparecerá en la edición limitada del disco, o en algún single o EP, sencillamente sentía que los que han entrado eran los mejores para el disco. En “Calling The Wild” había cinco baladas, pero eso no importa, si es una balada, un medio tiempo o un tema rápido si es un buen tema debe entrar en el disco.

A: Encontramos el sonido de guitarras es más a lo Warlock, más ochentero, y tu voz más suave, menos rasgada que en otras ocasiones, ¿lo percibes tú así también, has estado trabajando en ello, o crees que suenas como siempre?
D: Simplemente he hecho lo que me salía de dentro, por instinto, no es nada demasiado premeditado, a veces la voz sale más agresiva y otras sale más suave. Además quería concentrarme más en las guitarras de este disco que en los anteriores, he trabajado mucho en ellas en cada tema, y hasta que no podía irme a dormir con un tema terminado no pasaba al siguiente.

A: Suponemos que cuando compusiste “You’re My Family” este tema iba a ser un himno que va a durar toda tu carrera y que la gente va a corear siempre en tus conciertos, un tema absolutamente pegadizo y cantable.
D: Realmente sí, además está dedicada a los fans, a mi familia del heavy metal de la que estoy muy feliz y orgullosa de pertenecer a ella y que tanto me ha dado en todos estos años, podía haberla compuesto hace diez años porque es un sentimiento que siempre he tenido con toda esta gran familia del heavy metal, realmente mi familia ya que no tengo familia cercana, y espero que todos la cantemos en directo.

A: Además tu amor por los miembros de esta familia se ve en la cantidad de colaboraciones que has tenido y en las que has participado, ¿hay alguna en este disco?
D: En esta ocasión sólo ha habido una con alguien que participa también en la película, Mark Storance de Krokus, en el tema “On My Own” que aparecerá sólo en la banda sonora de la película y que no ha entrado en el disco, la banda sonora saldrá en octubre o noviembre. Para este disco no se ha dado el caso de otras veces de encontrarme con alguien y proponerle colaborar en algún tema, esta vez he estado más concentrada en hacerlo yo sola con mi grupo y también he estado muy metida con la película y no ha habido hueco para las colaboraciones, pero me encanta hacer cosas con otros músicos y siempre que he podido lo he hecho. Al final del disco hice un tema que se titula “Beautiful Is Lost” que creo que quizá podía funcionar muy bien en dueto con Cristina de Lacuna Coil, pero la gente de la compañía pensó que era mejor no meter duetos en este disco, ya que estaba terminado, y quizá la grabemos en el futuro, para algún EP o algo así.

A: Saliéndonos del disco, vamos a recordar un asunto un poco escabroso que sucedió hace muchos años cuando durante una actuación se te salió un pecho y una revista sacó la foto y la publicó en uno de sus números, ¿realmente llegaste a demandar al fotógrafo y tuviste tanto lío legal como se comentó entonces?
D: Sí, era la revista Kerrang. Fue durante un concierto de Warlock en una gira con Judas Priest en Ámsterdam, en Holanda, salí al escenario a toda prisa, casi poniéndome la ropa, y en uno de los movimientos con las manos hacía arriba dejé al descubierto uno de mis pechos, el fotógrafo del Kerrang captó justo ese instante, y aunque nos prometió que no iba a publicar la foto acabó saliendo y todo el mundo lo vio. En todo caso no demandé al fotógrafo ni a Kerrang. Fue una pena porque mucha gente creyó que era una forma de aprovecharme, y no quería algunos no me valoraban como una cantante de heavy metal, y sólo me vieran como una mujer desnuda. Ahora esto no tendría demasiada importancia, porque hay un montón de gente que sale desnuda y no pasa nada, pero los ochenta, aunque la gente saliera muy provocadora al escenario y marcando mucho, lo de quedarse desnudo o enseñar algo era muy poco usual.

A: Hemos leído en algún sitio que has iniciado una asociación de defensa de los animales (Peta), ¿cuánto tiempo llevas colaborando con ellos y en que sentido lo haces?
D: Llevo un par de semanas con ellos, es una nueva organización que se preocupa por la defensa de los animales, pero esto lleva interesándome mucho tiempo. Con el anterior disco hicimos un concierto con la Classic Metal Orchestra en el que recogimos fondos para otra organización de este tipo, Animals In Need. No se como surgió exactamente el contacto con Peta, pero siempre he sido una gran amante de los animales, y aunque es una organización recientemente creada creo que puede hacernos pensar a todos un poco y yo intentaré ayudarles en lo que pueda, creo que hay que hacer saber a la gente que por desgracia no todo está bien por ahí fuera y que debemos hacer algo para arreglarlo. Creo que este tipo de organizaciones son algo realmente bueno y quiero ser parte del apoyo a ellos. Además siendo mujer y gustándome el maquillaje y los cosméticos he descubierto que muchos laboratorios experimentan con animales para hacer sus productos y ahora siempre miro la composición y procuro enterarme de cuales son los que no experimentan con animales, es algo realmente increíble, no creo que ningún ser vivo tenga que morir para hacer un cosmético.

A: Además por lo que sabemos esta organización, Peta, rechaza incluso la utilización del cuero para la ropa, y tú siempre has estado asociada a las vestimentas de cuero durante tu carrera, a partir de ahora ¿esto va a cambiar o has estado utilizando otros tejidos que no fueran cuero aunque lo parecieran?
D: Desde hace diez años no utilizo cuero en mi vestuario, sigo teniendo algunas cosas de cuero de antes, pero realmente estos últimos años he estado utilizando ropa sintética, muy parecida al cuero pero que era mucho más cómoda y fácil de lavar en la lavadora y más manejable para las giras; me siento igual de atractiva en los shows, y no tienen que matar a ningún animal para que yo me vista.

A: Para ir finalizando, sin duda eres un icono dentro del metal, sobre todo para las mujeres, con tu gran experiencia después de tantos años ¿qué consejo le darías a una chica que quiere empezar ahora en el mundo de la música?
D: Ve a por ello, cualquier cosa que hagas hazla al 120%, haz lo que te salga de dentro, encuentra tu propio estilo y si realmente quieres dedicarte a esto hazlo a tope, sigue a tu corazón y podrás llegar a conseguir lo que te propongas. Es un camino difícil, te lo puedo asegurar, pero si finalmente lo consigues te sentirás en la cima del mundo, es lo mejor que te puede pasar, es el mejor trabajo del mundo, hacer música y tocar delante de la gente. Cree siempre en ti mismo.

A: La última. Hace unos meses estuvieron tocando en Madrid Casanova, y te

pasaste por su concierto, suponemos que por tu amistad con la gente del grupo, pero echamos de menos que Michael Voss no te sacara a cantar con ellos.
D: Sí, hablamos de tocar juntos, pero el resto de la banda no sabían el tema que queríamos tocar y no pudo ser, la verdad que fue una lástima, pero es algo que, como he dicho antes, siempre me ha gustado mucho, colaborar con otros músicos y amigos como es el caso de Casanova.

A: Muchas gracias por tu amabilidad y mucha suerte.
D: Muchas gracias a vosotros.

Carlos Treviño

Mariano Palomo

ENTREVISTA JADED HEART

2006-03-07T11:11:00.000+01:00

Tras un fallido intento de entrevista personal con los alemanes Jaded Heart cuando estuvieron por Madrid tocando junto a Helloween el pasado diciembre, nos pusimos en contacto con ellos vía e-mail hace unas fechas. Estas son sus respuestas.

ALIANZA: Primero de todo, felicidades por vuestro nuevo álbum “Helluva Time”. Qué nos puedes contar acerca de este nuevo trabajo?
JADED HEART: Gracias! Tras dar con Johan comenzamos a trabajar en las nuevas canciones hacia noviembre/diciembre 2004. Yo ya tenía algunos temas acabados en forma de maqueta, para las que Johan sólamente tuvo que escribir las letras. Arreglamos un poco dichas demos y escribimos algunos temas más. Tras lo cual nos fuimos a Rosenheim/Bavaria para hacer la pre-producción. Todo salió bien y comenzamos a grabar la partes de batería para el álbum a finales de marzo del 2005, aquí en Rosenheim. Las guitarras, bajo y teclados fueron grabadas en mi estudio casero, y Johan hizo sus partes vocales en Estocolmo. La mezcla y la edición fue hecha por Chris Lausmann (ex-teclista/guitarra de Bonfire) en Munich. Estamos todos muy contentos con el disco.

A: Tenéis ahora un nuevo cantante, Johan Fahlberg. Cómo os pusisteis en contacto con él y porqué le escogisteis?
JH: De algún modo, nuestro bajista Mülli estaba en contacto con Mikael Rosengren (teclista de la banda sueca Token). Él es muy amigo de Johan y le comentó que andabamos buscando un nuevo vocalista. Le mandamos las maquetas de “Anymore” y “Feels like home”, pero sin la voz. Tras escuchar las versiones de Johan lo supimos: es nuestro hombre!

A: ¿Por qué dejó la banda Michael Boorman?
JH: De hecho no la dejó, le expulsamos. Como sabrás, estar en una banda es algo parecido a tener una relación de pareja. Tras unos años, ya no nos llevábamos muy bien. De algún modo, la chispa se apagó y nos dimos cuenta de ello. Era mejor para ambos tomar caminos separados. Podrías definirlo como: diferencias personales y musicales.

A: ¿Fue difícil para el grupo sobrellevar estos cambios “tan traumáticos”? ¿Y crees que este hecho ayudó, de algún modo, a hacer un disco mejor? ¿Quizá sea éste vuestro mejor álbum?
JH: No fue en absoluto difícil. No sentimos ninguna presión durante el proceso de composición. Era la primera vez en que nos sentimos libres para hacer lo que quisiéramos. Creo que con Johan, la chispa y el entusiasmo volvió a nosotros. Queríamos impulsar al grupo hacia un nivel superior y en nuestra opinión “Helluva Time” es el mejor disco de Jaded Heart.

A: Boorman y Barish Kepic (guitarrista) solían ser los principales compositores tanto de la música como de las letras en los últimos trabajos. Qué ocurre ahora? Es Kepic ahora el único compositor en la banda o todos tomáis parte en la composición?
JH: Bueno, quizá yo sea el principal compositor ahora mismo, pero no el único. Todos estuvimos implicados de algún modo en la composición. Nuestro próximo trabajo será más en equipo que ningún otro.

A: También habéis firmado para un nuevo sello, Frontiers Records, muy especializado en Rock Melódico. Crees que ha sido la opción correcta? Me refiero a que estáis contentos trabajando con ellos? Habéis firmado para un álbum o dos?
JH: Estamos muy felices de trabajar con Frontiers. Me refiero a que es el mayor sello para este tipo de música. Saben cómo promocionar a una banda como nosostros. Por el momento, el sello se ocupará sólamente de “Helluva Time”. Pero veremos qué nos depara el futuro.

A: En la mayoría de vuestros discos, habéis incluido grandes versiones de la música pop (“Easy Lover” de Phil Collins o “Larger Than Life” de Backstreet Boys). En el nuevo álbum habéis metido “Paid My Dudes” de Anastacia. Porqué escogéis habitualmente artistas del mundillo pop?
JH: Porque es muy divertido para nosotros reconvertir estas melodías poppy en sus versiones hard/heavy. No tendría sentido coger un gran tema de rocky copiarlo nota por nota. Creo que es un desafío mayor versionear un tema de pop... y mucho más divertido ;-))

A: Habéis estado de gira como teloneros de Helloween, banda de heavy también de Alemania. Preferirías hacer giras con bandas más melódicas? Por ejemplo, Millenium o Pink Cream 69?
JH: Nos encanta ir de gira. Con Helloween hemos tenido la oportunidad de tocar ante público nuevo. Estos fans están más metidos en el heavy metal tradicional, por lo que probablemente no irían a un concierto de Jaded Heart. Quizá porque piensen que somos demasiado blandos o lo que sea. Ahora podemos ponernos a prueba y demostrales que Jaded heart patean culos! De hecho tenemos un montón de fans que sólamente vinieron a vernos a nosotros.

A: Desde vuestro primer álbum, el sonido ha ido endureciéndose. Quiero decir, más guitarras y menos teclados. Opinas igual?
JH: Sí, es cierto. Si comparas nuestro primer disco “Inside Out” con “Helluva Time” hay una gran diferencia. Pero no te olvides: hay 11 años de diferencia entre estos álbumes, en los cuales ha habido diferentes guitarristas, teclistas y productores. Y con los años creces como músico y compositor. No me gustaría hacer siempre el mismo disco, ya sabes qué quiero decir.
A: No hace mucho tocasteis en España. Satisfecho con la reacción de la audiencia? Cuál de lso conciertos os gustó más? Preferías tocar en locales pequeños o en grandes auditorios?
JH: Sí, verdaderamente quedamos muy contentos con el público. Nos encantaron todos los conciertos, muy buena gente en España. Nos gusta tanto tocar en clubes como en grandes recintos.

A: Si no estoy equivocado, casi tocáis en España en 2004. Pero finalmente, no pudo ser Podrías explicarnos qué ocurrió?
JH: Sí, recuerdo que algo pasó en 2004. Creo que era ir de gira con TNT. Desafortunadamente no te puedo explicar qué pasó... algunas veces este negocio es realmente extraño.

A: ¿Cómo ves la escena del Rock Melódico hoy en día?
JH: Creo que incluso si no estuviese tan de actualidad, estaría yendo bastante bien. Los fans del Rock son siempre los mejores del mundo. Todavía hay un gran interés en este tipo de música, tal y como puedes ver en festivales como Sweden Rock, en el que 25.000 personas de todo el mundo se divierten juntos.

A: Qué tipo de bandas sueles escuchar hoy en día? Hay alguna formación que te haya impresionado recientemente?
JH: Bueno, me gustan un montón de diferentes estilos. En mi opnión sólo hay buena y mala música. Por ejemplos: me gustan The Eagles pero escucho a Pantera, o a Disturbed también. Hay montones de bandas y artistas que me gustan... demasiados para enumerarlos.

A: Muy bien, eso es todo. Te gustaría decirle algo a vuestros fans españoles? Muchas gracias por vuestro tiempo y buena suerte :-)
JH: Gracias! Volveremos a España en mayo. Mirate nuestras fechas del tour en nuestra web. Nos vemos, cuidate!

Rafa Carrillo
Sergio Zapata

ENTREVISTA STEVE LUKATHER (TOTO)

2006-01-31T13:06:00.000+01:00

Unos días antes de la salida al mercado de "Falling In Between" último trabajo de los geniales Toto, tuvimos la oportunidad de mantener una jugosa charla teléfonica con el alma de la banda, Steve Lukather. Esto fue lo que nos contó.

ALIANZA: “Falling in Between” es vuestro primer disco con temas propios desde 1999 cuando sacasteis “Mindfields”, ¿por qué tanto tiempo entre estos dos discos?
STEVE LUKATHER.: Bueno, la verdad que durante estos años no hemos parado, hemos estado de gira tres años, presentando “Mindfields” y luego con “Through The Looking Glass” el disco de versiones que también le tuvimos que grabar, y no hemos dejado de componer. Además todo los componentes de la banda hemos estado colaborando en otros proyectos. Cuando hemos tenido un hueco nos hemos volcado de lleno con este nuevo disco y aquí está ahora el resultado.
A.: ¿Cómo ha sido el proceso de grabación y composición de este nuevo disco?
S.L.: Realmente ha sido un trabajo de equipo, es totalmente un disco de una banda, cada uno ha aportado sus ideas, hay un poco de cada uno de nosotros en este trabajo, hemos dado el máximo y queremos que sea uno de los mejores discos de Toto. Lo hemos grabado en Los Angeles y nos ha llevado nueve meses todo el proceso incluida producción, mezclas y demás. Estamos muy contentos y muy excitados con el resultado.
A.: ¿Qué novedades podemos encontrar en “Falling In Between” respecto a vuestros discos anteriores?
S.L.: Bueno, para empezar hay un nuevo miembro en el grupo, Greg Phillinganes que se ha integrado perfectamente en la banda encargándose de voces y teclados, a pesar de venir de otros tipos de música, más cercanas al funky y al soul, pero realmente es un gran músico y está aportando mucho al grupo con su enorme experiencia. Además era necesario ya que David Paich aunque ha participado como uno más en la grabación de este disco ya no saldrá de gira con nosotros, tiene que atender a su familia, tiene que cuidar de los suyos, y evidentemente si está de gira no podrá hacerlo. Siempre será un miembro importante en Toto, no sabemos si en el futuro seguirá grabando con nosotros, esperamos que sí, pero en cualquier caso, haga lo que haga siempre estaremos con él, es una decisión personal y la respetamos totalmente. Y sobre el sonido del disco quizá sea de lo más rockero y experimental que hemos grabado, con mucha presencia de teclados, pero no de la forma que lo veníamos haciendo hasta ahora
A.: ¿Quizá más progresivo?
S.L.: Sí, es una buena forma de definirlo, pero por supuesto respetando la esencia de Toto, y con temas que suenan a Toto, creo que en cierta manera refleja lo que somos ahora mismo, las influencias y gustos actuales de cada uno de nosotros quedan impresas en este disco, de alguna forma es una especie de resumen de Toto. Lo que sí te aseguro es que estamos muy contentos con él. A.: Entonces, ¿qué queda de los Toto que empezaron en 1978?
S.L.: Yo, soy el único que he grabado todos los discos de Toto. Evidentemente no podemos renunciar a nada de lo que hemos hecho antes y estamos muy orgullosos de todo lo que hemos hecho, pero no podemos perder tiempo en mirar hacia atrás, tenemos que mirar hacia delante y seguir creciendo, una banda siempre tiene cosas por hacer y por descubrir.
A.: Entre ellas España
S.L.: Sí, seguro, tenemos unas ganas enormes de ir a tocar a vuestro país, tenemos todos los días un montón de e-mails pidiéndonos que vayamos, ha habido varias veces que hemos estado a punto de ir, pero los sitios que nos ofrecían para tocar eran demasiado pequeños para el equipo que llevamos en directo, y ya que llevamos veintiocho años sin ir a tocar a España queremos que cuando lo hagamos sea en condiciones, no podemos meternos en clubs pequeños. Además mi mujer ha estado en Marbella y me ha hablado muy bien de la gente, el clima, la comida, ¡dice que la gente está siempre en la calle hasta la madrugada!, eso en Estados Unidos es casi imposible, estoy deseando ir y verlo y vivirlo personalmente. En esta primera parte de la gira que empieza en Londres el veinticinco de febrero estaremos tocando en bastantes países europeos y luego iremos a Asia, después volveremos a Estados Unidos y en veranos haremos algunos festivales, quizá también en Europa; queremos volver para otoño a Europa y tocar en los sitios que nos dejemos fuera en esta primera parte, y por supuesto intentaremos que España esté en la gira. Os aseguro que si finalmente podemos ir a tocar a España vamos a dar todo lo que tenemos dentro y que la espera seguro que os habrá merecido la pena.
A.: Como yo no podía esperar más, estuve en vuestro concierto de Londres de hacer tres años dentro de la gira de “Through The Looking Glass”, me pareció fantástico, ¿qué novedades habrá en esta gira respecto a aquella?
S.L.: Habrá bastantes temas del nuevo disco, obviamente, para eso vamos presentándolo, un set quizá más rockero y sorprendente, aunque por supuesto no olvidaremos los clásicos, tocaremos más tiempo, el montaje será mayor, con muchos medios de producción, luces, escenario, etc., y sobre todo con muchas ganas y entusiasmo. A.: Volviendo al disco, habéis contado con varias colaboraciones, como las de Ian Anderson de Jethro Tull o las de Jason Scheff y la sección de viento de Chicago, ¿cómo surgen estas colaboraciones?
S.L.: Soy un gran fan de Jethro Tull desde pequeño, compraba sus discos y con el tiempo he tenido la ocasión de conocer a Ian Anderson, es un gran tipo, le propuse participar en el disco y estuvo encantado de hacerlo, al igual que pasó con la gente de Chicago, además teníamos un algunos temas que ideales para incluir la sección viento y qué mejor que ellos que ya les conocíamos. Jason pone coros en tres temas, y en “Bottom Of Your Soul” volvemos a contar con Joseph Williams a la voz compartiendo esta faceta conmigo, ha sido una alegría para todos volver a trabajar juntos.
A.: Hablando de “Bottom Of Your Soul”, ¿por qué le habéis elegido como primer single del disco?
S.L.: Ha sido complicado elegir un tema como single, pero realmente dentro del disco quizá era el que más nos encajaba como tal, en el trabajo hay material más duro, e incluso más comercial, “Bottom Of Your Soul” puede que no sea el tema más comercial del disco pero entre la compañía y nosotros decidimos que era el idóneo.
A.: En una nota de vuestra compañía David Paich definía el tema como una oración dedicada a las victimas de la guerra del Sudán, ¿aparece aquí la vena espiritual de la banda?
S.L.: Por desgracia estamos en un mundo en el que pasan muchas cosas malas, hay guerras, hambre, injusticias, y aunque no seamos un grupo político no podemos estar de espaldas a la realidad. Para nosotros sería mucho más fácil hablar de chicas, de juergas, coches, y demás, quizá siendo quinceañeros eso tenía más sentido, pero ahora con nuestra edad no creo que fuera lo más apropiado, aunque tampoco vamos a hacer algo oscuro y pesimista, queremos hablar de cosas que pasan y dedicar parte de nuestra música a la gente que lo pasa mal.
A.: Aparte del mensaje, musicalmente “Bottom Of Your Soul” ¿podría considerarse una segunda parte de vuestro clásico “Africa”?
S.L.: ¡Ojalá! Eso sería fantástico si pudiéramos obtener la misma respuesta que obtuvimos con “Africa” en su momento. Pero no, no creo que tenga mucho que ver, quizá algunos pasajes de las percusiones, pero son temas completamente distintos, y si en algún momento recuerdan el uno al otro es por pura casualidad, en ningún momento se hizo pensando en esto.
A.: ¿Es tu tema favorito del disco?
S.L.: Es uno de ellos, es realmente difícil elegir un tema, cada uno tiene su historia y su encanto, no sería bueno destacar ninguno sobre el resto, es un disco total y en su conjunto creo que todos los temas tienen algo bueno. En cualquier caso este no es un disco sólo de Steve Lukather, todos tenemos nuestra participación. Hay veces que destacan más las voces, en otras los solos, en otras los teclados, es todo un conjunto y no se puede resaltar nada por encima del resto. A estas altura no me voy a poner a hacer solos muy rápidos o a tocar más alto que el resto, no creo que la gente espere eso de mí o del resto del grupo, supongo que lo que querrán tener son buenas canciones, y eso es lo que hay en este nuevo disco. A.: Hay gente que opina que este nuevo disco de Toto en algunas partes tiene similitudes con Dream Theater, ¿qué te parece?
S.L.: Bueno, un amigo me comento algo parecido, no está mal que suene a Dream Theater son una gran banda y además conozco a John Petrucci y es un excelente guitarrista, además de una gran persona. De toda maneras el hecho de sonar parecido a Dream Theater o cualquier otra cosa no ha sido nada premeditado, simplemente ha salido lo que teníamos dentro en el momento de hacer el disco.
A.: Esta entrevista es para una revista llamada “Metals” y quizá Toto nunca ha estado demasiado cerca del heavy metal, pero sí ha influenciado ha algunas formaciones dentro del estilo.
S.L.: Dentro de Toto el único que tira más de este tipo de sonido más duro y metálico soy yo, al resto del grupo no les gusta demasiado, pero como decía antes es una mezcla de los gustos de cada uno, y en esta ocasión parece que han salido más a relucir los míos. La gente nos conoce más por los clásicos “Hold The Line”, “Africa”, “Rosanna”, “I’ll Be Over You”, “I Won’t Hold You Back”, son los temas más accesibles para todos los públicos y que siempre han sonado en las emisoras de radio, cuando la gente escucha esto luego va a nuestros conciertos y se llevan grandes sorpresas, porque en directo somos mucho más rockeros y la gente disfruta de nuestras actuaciones de forma más intensa que cuando escucha nuestras canciones en casa.
A.: Hablando un poco de ti personalmente, ¿todavía estas motivado después de tantos años en la música, qué lo que te incita a seguir adelante todos los días?
S.L.: Siempre hay cosas nuevas que hacer y que aprender. Un músico nunca pude dejar de aprender si quiere crecer, la música es mi vida, no puedo dejar de componer, de tocar, siempre hay algo que me motiva para hacer cosas nuevas, no puedo estar parado. Ahora mismo son las diez y media de la mañana en California, me he levantado a las seis, he desayunado, he hecho un poco de ejercicio y hasta hace un rato he estado tocando la guitarra. Ahora estoy con las entrevistas de promoción del nuevo disco, tengo la agenda repleta y es lo que me gusta. Nunca puedes pensar, OK, ya lo se todo no tengo nada nuevo que aprender, es un gran error, acabas estancándote y no llegas a ninguna parte, la gente acaba aburriéndose de ti y tú no te sientes bien contigo mismo.
A.: Pero, ¿no estás cansado del negocio de la música?
S.L.: De la música nunca me podré cansar, quizá del negocio que la rodea sí estoy un poco más saturado, . Nunca me cansaré de tocar, de componer, de descubrir, incluso me gusta el hecho de promocionar los discos o hacer entrevistas, pero he visto demasiadas cosas alrededor de los músicos, como algunas compañías o promotores. Parece increíble, pero ahora con una compañía independiente como Frontiers nos sentimos mucho más queridos y valorados, respetan totalmente nuestro trabajo y se están volcando con nosotros, mucho más de lo que lo llevaba haciendo Sony mucho tiempo. .: Algo que demuestra tu continua pasión por la música es que has colaborado en cientos de discos, últimamente me ha llamado mucho la atención tu colaboración con Tommy Denander en su proyecto Radioactive, ¿qué nos puedes contar de Tommy?
S.L.: Es un muy buen músico y compositor. Siempre ha sido un gran seguidor de Toto y nuestra música ha influido mucho en él. Tuve la ocasión de conocerle hace ya algún tiempo y me parece un buen tío, además sus discos son muy interesantes, y cuando me ha propuesto trabajar con él me ha parecido magnífico.
A.: Hay también otra colaboración, en este caso mutua, con Phil Soussan, prácticamente todos los miembros de Toto habéis participado en su primer disco en solitario, “Vibrate”, y él os ha ayudado con las mezclas de vuestro nuevo disco, ¿cómo surge esta colaboración?
S.L.: Conocemos a Phil hace tiempo y siempre nos ha parecido un magnífico músico, nos propuso participar en su primer disco, por cierto, muy bueno, y estuvimos encantado en hacerlo, luego seguimos hablando y saliendo y surgió la posibilidad de participar en las mezclas de nuestro disco y ha hecho un gran trabajo.
A.: Voy a pasar una curiosidad personal, ¿Cuál es tu disco favorito de Toto?
S.L.: Uffffffff, que complicado. Todos tienen su lugar y su momento. Ahora viendo lo que hicimos hay cosas que parece mentira que salieran tan bien con los medios que teníamos en su momento, que incluso suenan mucho peor de lo que podrían sonar si se grabaran con las posibilidades técnicas de ahora. Pero si tuviera que elegir me quedaría con “The Seventh One” porque fue un disco muy especial para mi, y sobre todo con “Kingdom of Desire” en el que más me pude explayar con mi faceta más rockera, seguramente el disco más guitarrero de Toto.
A.: Otra de tus facetas ha sido la de incluir tu música en muchas bandas sonoras de películas, ¿crees que es una buena manera de dar a conocer tu trabajo al gran público?
S.L.: Seguro, porque mucha gente que va al cine no sabe de quien es la música, pero al escucharla si realmente le llama la atención trata de enterarse de quien ese tema que suena en tal o cual escena. Sin duda es una forma de llegar a un tipo de público que no te conoce.
A.: ¿Y para cuando un nuevo de disco de Steve Lukather en solitario?
S.L.: Ja, ja, buena pregunta. Por ahora no tengo tiempo, voy a centrarme completamente en Toto, en este nuevo disco y en la gira, no se cuando podré dedicarme a hacer un nuevo disco completamente mío. Por lo menos hasta dentro de un par de años no creo que sea posible.
A.: ¿Y como sonaría?
S.L.: Depende del momento en que me pille, no se, supongo que sería bastante rockero, pero también experimental. Pero dentro de dos años quién sabe lo que tendré en la cabeza.
A.: Entonces, cuales son tus proyectos para el futuro.
S.L.: Como te comentaba sobre todo centrarme en Toto, es lo más importante ahora mismo. Pero lo más inmediato será en febrero, participaré en una fiesta homenaje a Les Paul, el fabricante de guitarras, tocaré junto a Joe Satriani, Neal Schon y un montón de músicos más. Ese es mi proyecto más inmediato. A.: Para cerrar esta entrevista, me gustaría proponerte unos cuantos nombres y que brevemente me dieras tu opinión, a modo de test, El primero, Jeff Porcaro
S.L.: ¡Oh Dios!, él era el ritmo, era excelente, uno de mis mejores amigos, no hay un solo día que no me acuerde de él. Una gran perdida para mí personalmente y para la música, uno de los mejores baterías de la historia.
A.: Steve Porcaro
S.L.: Un gran apoyo para la banda, es un gran músico y buen tipo.
A.: Mike Porcaro
S.L.: Una de las mejores personas que conozco, siempre tiene una palabra amable, y además es muy divertido. Sigue teniendo el ritmo de su hermano Jeff
A.: Bobby Kimball
S.L.: Un gran tío, está cantando como nunca, mucho más alto. Es una suerte tenerle de vuelta.
A.: Simon Philips
S.L.: Es una máquina, busca siempre la perfección. Es el músico absoluto, se encarga de todo, no deja nada a la improvisación.
A.: David Paich
S.L.: Es mi mentor, me ha ayudado mucho y me ha enseñado a componer y a producir. Siempre estamos de cachondeo jodiéndonos el uno al otro, pero le quiero un montón.
A.: Fergie Frederiksen
S.L.: No hablo sobre él
A.: David Hungate
S.L.: Un gran bajista y un buen colega. Ahora se dedica a exclusivamente a hacer trabajos como músico de sesión y no quiere saber nada de la carretera.
A.:Jean Michel Byron
S.L.: Realmente creo que fue un error, fue una imposición de la compañía y nunca llegó a encajar en el grupo.
A.: Eddie Van Halen
S.L.: Un gran amigo y un enorme músico. Hemos tocado juntos y hemos estado de fiesta muchas veces, y hemos aprendido mucho el uno del otro.
A.: Jimi Hendrix
S.L.: Ufff. Que puedo decir, una de las razones por las que toco la guitarra.
A.: Michael Jackson
S.L.: Afortunadamente no tengo nada que ver con él, lo que hice cuando grabé en “Thriller” fue simplemente un trabajo pagado. Nunca saldría con él a tomar una copa.
A.: George Bush
S.L.: Realmente no le entiendo, me parece lamentable utilizar el poder para hacer guerras en lugar de para mejorar el mundo. Afortunadamente mucha gente en Estados ya no está con él y la gente de aquí es mucho mejor de lo que proyecta su imagen al exterior. Hay mucha más gente que quiere la paz que la guerra, pero hay mucho poder en juego. Mucha gente de Estados Unidos no es como él.
A.: OK Luke, esto es todo, muchas gracias por tu atención.
S.L.: Gracias a ti, espero poder veros pronto por España, un saludo
A.: Ojalá.

Mariano Palomo

Fotos: www.toto99.com

ENTREVISTA EDGUY

2005-12-28T09:42:00.000+01:00

Un genio andaba suelto por Madrid y no podíamos dejar pasar la ocasión de compartir un buen rato con él hablando de su última creación “Rocket Ride”. Hablamos por supuesto del alma de Edguy Mr. Tobi Sammet, un chico que según pasa el tiempo sigue ganando en amabilidad y soltura, además de tener un contagioso y envidiable sentido del humor, algo que se refleja en sus últimos discos. Esto es lo que nos contó acerca de su inminente nuevo lanzamiento además de alguna que otra curiosidad.

ALIANZA: Antes de entrar directamente a hablar del nuevo álbum, “Rocket Ride”, vamos a hablar del single previo, “Superheroes”, ¿por qué un EP antes de la salida del disco?
TOBIAS SAMMET: En primer lugar es una cuestión de la compañía. Todas las compañías necesitan tener un single para promocionar el disco y hacer un video clip y demás. Y sacar un EP no era ningún problema, porque teníamos material suficiente y de sobra para incluirlo en esas “Caras B” y completar el EP. Así que teniendo ese material, decidimos hacerlo y le dijimos a la compañía que queríamos que fuera asequible para los fans, porque además es material que no va ir en el disco completo.
A: Esto ya lo hicisteis con el anterior disco, “Hellfire Club”
T.S.: Sí, con “King Of Fools”. La verdad es que funcionó bastante bien, y ya que invertimos un montón de tiempo en grabar las canciones queremos que queden reflejadas en algún sitio. Y el caso es que la compañía pierde dinero, nosotros perdemos dinero, pero es parte de la promoción, y como os decía es una buena manera de que esos temas que no entran en el álbum lleguen a la gente. Los fans hacen mucho por la banda, van a los conciertos, compran camisetas, nos apoyan, y a nosotros también nos gusta hacer algo por ellos, y creo que los fans lo aprecian.
A: Todavía no hemos escuchado el álbum, sólo el EP, ¿las canciones del disco completo van a ir en la línea de las del EP, quizá más hard rockeras?
T.S.: Es difícil de decir. Personalmente no creo para nada en las etiquetas. Hace veinte años que pasaba, Iron Maiden no tenían doble bombo, ni dragones, ni espadas, sólo a Charlot The Harlot, así que ¿qué es metal o que es hard rock?, para mí es lo mismo. En el disco y en el EP hay temas de todo, desde “Judas at the Opera” hasta “Out Of Vogue”, creo que es una mezcla de lo que nos gusta. Quizá los fans lo vean de manera distinta, porque “Hellfire Club” tenían canciones muy rápidas, muy heavies, pero también tenía “Lavatory Love Machine”, aunque seguramente sea el disco más duro que hayamos hecho, y este “Rocket Ride” está más cerca de discos como “Vain Glory Opera” y la gente pueda pensar al ser tan rápido el anterior que este es más hard rock.
A: El primer single, “Superheroes”, para ser un tema comercial y accesible, tiene muchos arreglos y detalles, sin llegar a ser progresivo, pero lo roza, ¿cómo conseguís esto?
T.S.: Es sobre todo debido a la producción, con los arreglos de teclado, el efecto inicial, eso es todo cosa de Sasha Paeth, el productor. Pero el tema en sí es una buena canción de rock, quizá la gente diga que es comercial, que es pop, pero un single, una canción tiene que ser comercial. Es como en el disco anterior, no íbamos a elegir “Mysteria” como single, escogimos “King Of Fools”, es lógico, no vamos a meter un tema de speed metal con el doble bombo a toda caña como primer single.
A: El vídeo de “Superheroes” además es muy divertido, ¿lleva algún tipo de mensaje en contra del militarismo o es simplemente una divertida “cacería de conejos”?
T.S.: No, para nada, está totalmente fuera de la política. No tiene nada que ver con el ejército, vamos vestidos como cazadores buscando conejitas, no como militares, además les disparamos con ventosas inofensivas de juguete, no es más que un video divertido de un tema divertido, hay que desdramatizar un poco. Todo el mundo parece que quiere decir, somos fuertes, somos duros. Nosotros nos somos los reyes del metal, somos sólo un grupo de colegas que tratamos de pasárnoslo bien haciendo buena música. A: Hablando de autenticidad, en uno de los temas del EP, “Judas At The Opera”, colabora el controvertido Michael Kiske, ¿os ha resultado difícil contar con él para este tema?
T.S.: Se me ocurrió cuando estaba escribiendo el tema. Tiene muchas reminiscencias de Avantasia, con la orquestación, los arreglos y demás. Al ser un tema para el EP pensé que Michael Kiske podría colaborar con su voz, ya que también participó en Avantasia. Se lo comenté al resto de la banda, les pareció bien y le llamé, aceptó, igual que podía no haberlo hecho, y aquí está el resultado. Pero sobre Michael se están creando muchas historias, que si está fuera del metal, que si está desvariando, pero con nosotros no hubo ningún problema. Se que es un tío raro, pero es un buen tío, desde que le conozco no he tenido problemas con él, lo que pasa que se niega a que le marquen dentro del heavy como los malos, los que tienen que estar enfadados siempre y que nunca son positivos, él prefiere ver las cosas más positivas, como nosotros. Imagínate lo malo que tienes que ser para disparar a una mujer con una ventosa (risas).
A: Empezáis la gira en enero presentando “Rocket Ride”. ¿A cuantos sitios vais a ir y cuanto tiempo vais a estar en la carretera?
T.S.: La verdad es que la gira se está alargando más y más, no paramos de añadir fechas. Empezamos en Europa, tocaremos un montón de fechas por todo el continente, luego iremos a Japón, Taiwán, China, Tailandia, Corea, vaya casi todo el sudeste asiático. Luego seguramente iremos a Sudamérica, y ya que estamos allí llegaremos a Norteamérica, y claro tendremos que pasar por Centroamérica (risas), realmente va a ser muy largo, una auténtica gira mundial.
A: Parece que tenéis una buena base de fans en Sudamérica, de hecho en el DVD de “Superheroes” se incluye una actuación vuestra en Brasil y la respuesta de la gente es excelente
T.S.: Si, lo grabamos allí porque sabíamos que había mucha gente en Brasil que quería vernos, realmente no sabemos porqué, pero hay veces que las cosas surgen y parece que a los brasileños les hemos hecho gracia, a los fans sudamericanos en general parece que les gustamos, y a nosotros nos gusta Sudamérica, la gente está realmente entregada, muy loca, algo muy parecido a España, la gente del sur de Europa de y de Sudamérica es muy parecida. En Alemania son más tranquilos, están esperando ver que les puedes ofrecer, si les gusta te premian por ello, sino pasan de ti, en cualquier caso también me gusta tocar en Alemania, y aunque también disfrutan a su manera el público es mucho más frío y exigente.
A: Después de todo es vuestra casa
T.S.: Que sea tu casa no te garantiza que sea lo mejor. Pero en Sudamérica o aquí en España, ves a la gente dos horas antes show gritando, con la predisposición correcta para un concierto de rock, en Alemania es algo así, como “OK, ahora convénceme”. Está bien porque te lo curras duro y quieres convencerles a todos, pero no se. En Japón pasa lo mismo, parece que están esperando a que pase algo, cuando haces algo bien, ellos gritan y aplauden y de repente se vuelven a quedar parados, es como cuando pegas un subidón con la voz, es como si aplaudieran una buena jugada de un equipo de fútbol, como si hubieras hecho una buena parada o un buen pase. Es realmente divertido. A: ¿De que habláis en las letras de este nuevo disco?
T.S.: Hablo de todo, de lo que se me viene a la cabeza en es momento, muchas veces son cosas divertidas y estúpidas, y otras veces son cosas serias, es como escribir un diario o una carta, a veces son cosas muy serias, otras muy emocionales como lo que me está ocurriendo a mí por dentro. Por ejemplo el tema “Catch Of The Century” es un tema del que estoy muy orgulloso porque tiene mucha energía, y habla de un hombre que quiere conseguir a una mujer, pero ella no le considera suficiente, y él se lo echa en cara como diciendo, “No me quieres, pues no sabes lo que te pierdes, te pierdes el trofeo del siglo”. Es un tema enérgico, agresivo, pero no negativo, el protagonista siempre le busca la vuelta a la situación para ponerla a su favor. He remarcado “Cath Of The Century” porque estoy muy orgulloso de ella, tenéis que leer la letra porque creo que es una letra muy inteligente.
A: ¿Habrá un nuevo single antes de la salida del disco el 20 de enero, o haréis como con “Lavatory Love Machine” en el anterior trabajo que ya salió cuando estaba publicado?
T.S.: No lo sabemos todavía, es una decisión de Nuclear Blast, como os decía antes sacar un single supone perder dinero a todos, cuesta lo mismo sacar el mismo trozo de plástico con un tema que con veinte, y además los gastos de promoción, fabricación y demás son los mismos.
A: ¿Si tuvieras que elegir un segundo single, cual sería?
T.S.: Sería un tema titulado “Trinidad”, es realmente divertido, es totalmente atípica para Edguy. Habla sobre un hombre bastante bajito, de altura no de miembro, (risas), y su chica siempre se está riendo de él diciéndole lo pequeño que es, hasta que un día sale de casa diciendo que va a la compra y se escapa a la Isla de Trinidad, desde donde la escribe y la cuenta lo bien que se lo está pasando sin ella. Así que tenía que ser un tema quizá más para un bonus track, pero decidimos incluirla, es un buen tema divertido, inusual, pero creo que os va a gustar, es como una mezcla entre Aerosmith y Bob Marley, pero es un tema de Edguy, no es reggae pero tiene ese feeling. Otra que podría ser un buen single es “Save Me”, la balada del disco, es la típica balada de rock, pero con un toque moderno, Sasha la produjo muy bien. OK, estás son las dos canciones que podría imaginar como futuros singles.
A: ¿Es la primera vez que trabajas con Sasha?
T.S.: No, ya trabajó con las bases de “Hellfire Club” y ya trabajamos juntos en Avantasia, en otro proyecto suyo que se llama Aina, una ópera rock parecida a Avantasia, también con Shaman con Adré Matos, así que nos conocemos hace mucho tiempo. Quería tener un productor externo a la banda, para que diera otro punto de vista, y además Sasha es muy bueno en su trabajo, y queríamos, aunque la base siga siendo Edguy, tener cosas nuevas en nuestro disco, sin cambiar nada drásticamente.
A: ¿Quizá la portada? Me recuerda al Alien de Tankard
T.S.: Sí, ahora que lo dices sí se parece. Queríamos hacer algo diferente, no queremos que se nos encasille en los estereotipos del heavy metal, queríamos provocar una reacción en la gente, y mucha gente nos ha dicho, ¿vosotros sois serios? ¡No, no somos nada serios! (risas) A: ¿Tienes previsto algún proyecto paralelo al margen de Edguy?
T.S.: Por ahora no, pero ahora mismo tengo 28 años y tengo un montón de cosas por hacer, si alguien me ofrece subir el Everest seguramente lo haría, cualquier cosa que sea excitante e interesante para mi creo que la haría, seguro que acabaré haciendo mi propio proyecto.
A: En la entrevista que tuvimos el año pasado con motivo del lanzamiento de “Hellfire Club” nos dijiste que el capítulo de Avantasia ya estaba acabado
T.S.: La historia de Avantasia está terminada, pero siempre está ahí, no tienes más que escuchar “Judas at the Opera”, es Avantasia 100%, tiene el mismo feeling. Estoy seguro que algún día volveré a hacer algo en esa onda, porque es parte de mí, aunque no sea la continuación de Avantasia tal cual. La vida es demasiado corta para no aprovecharla y hacer todo lo que puedas.
A: Una curiosidad personal, el nombre de la banda Edguy, hemos leído en internet que viene de un asesino en serie llamado Ed Gaine, ¿es cierto?
T.S.: No, no tiene nada que ver con eso. Es un rumor de internet, como que yo estoy muerto, ¿lo estoy? (risas) o que me he cambiado de sexo, me siguen gustando mucho las mujeres. El nombre viene de un profesor que teníamos en el colegio que se llamaba Edgar, no me preguntes por qué pero cogimos el nombre de ahí, es un nombre estúpido, pero ya es demasiado tarde para cambiarlo; pero no es más estúpido que Deep Purple o Led Zeppelín.
A: Hablando de otros proyectos, ¿con quién te gustaría tocar con él que todavía no lo hayas hecho?
T.S.: Freddy Mercury, pero creo ya no va a poder ser; me gustaría mucho tocar con Paul Stanley, es uno de mis ídolos de juventud, también con Bruce Dickinson
A.: Quizá sería más fácil con Bruce que con Paul, más que nada por la distancia
T.S.: No, no creo que eso fuera un problema, estamos en la era de los vuelos y prácticamente no hay distancias, sería más cuestión de convencerle. Bruce ya me conoce, y quizá sería más fácil. Pero sí, hay mucha gente con la que me gustaría tocar, Eddie Van Halen, un chico con mucho talento, llegará lejos (risas).
A.: Después de esta gira de presentación de “Rocket Ride” os tomaréis un descanso, seguiréis componiendo...
T.S.: Nunca paro de escribir y de componer, es algo que nadie puede hacer por mi, y que no puedo dejar de hacer, es como una necesidad, como un vicio; si tengo una buena idea tengo que escribirla o grabarla inmediatamente.
A: Y por si no llega la inspiración tiras de versiones como las de Mágnum, Europe o Ultravox que habéis incluido en vuestros discos, ¿Por qué estas y no otras?
T.S.: Soy un gran fan de Magnum, conozco a Bob Catley y viendo un concierto suyo a principios de año no tocaron “The Spirit”, es uno de mis temas favoritos del grupo con elementos folk y que con nuestro toque creo que ha quedado muy bien, se lo dije a Bob después de aquel concierto, ya que vosotros no la habéis tocado nosotros vamos a hacer una versión, él no se lo creía, pero ahí está.
A.: Y la de Alphaville, y “I’ll Cry For You” de Europe?
T.S.: Escuché el tema de Ultravox, “Hymn”, en la radio y pensé, este es un tema heavy, lo que pasa que se han equivocado, lo han grabado de la manera errónea y no han sabido orientarlo bien, y alguien tenía que arreglarlo y fuimos nosotros. Y sobre “I’ll Cry For You” la idea vino en un show acústico que teníamos que hacer, nos gustó bastante como quedó en directo y dijimos, ¿por qué no la grabamos para el EP? Y así fue la cosa. Creo que es un gran tema, tanto la versión original como la acústica.
A.: Esto se acaba, si quieres añadir algo más
T.S.: Sólo decir a los fans que sigan interesados en Edguy, creo que este nuevo disco os va a gustar mucho, creo que si le dais una oportunidad os va a encantar, y por supuesto espero que nos veamos todos en febrero cuando vengamos a tocar a España con Dragonforce, va a ser un gran concierto y espero que todo el mundo vaya el show y montemos una buena fiesta juntos (risas).
A.: Seguro que así será. Muchas gracias

Mariano Palomo

Sergio Zapata

ENTREVISTA DANGER DANGER

2005-12-27T09:49:00.000+01:00

Un par de días antes de su buenísima actuación en Madrid, tuvimos la oportunidad de dialogar un buen rato con los cuatro componentes de Danger Danger. Entre risas y cafés hablamos del pasado, presente y futuro de esta formación puntera del hard melódico de los primeros 90’s y que ahora parece querer recuperar el terreno y el tiempo perdidos.

ALIANZA: Vamos desde el principio, ¿Cómo empezó a fraguarse Danger Danger?
STEVE WEST: Bruno y yo nos conocemos desde muchos años, siempre nos ha gustado la misma música, Aerosmith, Kiss, y teníamos la idea de hacer una banda que fuera más o menos por ese camino; la historia se paró un tiempo porque Bruno estaba en White Lion. Luego lo volvimos a retomar, y luego llegó Ted que estaba en Prophet, pero de batería.
BRUNO RAVEL: Sí, escuché a Ted cantando en una prueba de sonido en un concierto en el que iban de teloneros de Guns n’ Roses en el Ritz de New York, me llamó mucho la atención, le di mi número, hablamos y desde entonces entró en la banda.
ALIANZA: A partir de aquí la cosa ya iba en serio, ya os planteabais grabar temas pero os faltaba un guitarrista, ¿como lo encontrasteis?
S.W.: Al principio nos tiramos un montón de tiempo escribiendo temas, antes de tocar o de registrarlos y en ese tiempo empezamos a buscar guitarristas, el primero fue Al Pitrelli de Megadeth, Savatage, etc., pero al poco tiempo dejó la banda y seguimos buscando y probando hasta que alguien nos recomendó a Tony Bruno, que empezó a grabar las guitarras del primer disco, pero lo dejó a medias porque se quiso centrar en su trabajo con Saraya. Luego entró Andy Timmons con el que grabamos los dos primeros discos y todo empezó a rodar.
TED POLEY: Pero ahora tenemos a Rob, el es el más grande, es el nuevo Andy Timmons, pero es muy tímido (risas)
ALIANZA: Siguiendo con la trayectoria del grupo, ¿por qué hubo tanto tiempo entre el segundo disco “Screw It” y el tercero “Crockroach”?
T.P.: ¡Queremos hablar del presente!, hemos vuelto y queremos daros mucha caña, Danger Danger ha vuelto
S.W.: Fue un periodo oscuro, preferimos olvidarlo, todos nos volvimos locos, no sólo con la música, en general, tuvimos algunas peleas y la cosa estaba bastante mal; no era el momento de sacar discos inmediatamente. Ahora volvemos a ser buenos amigos, queremos hacer rock & roll por todo el mundo y ofrecer todo lo que llevamos dentro.
ALIANZA: La cuestión estaba más orientada por la actitud de las compañías discográficas en esa época que por la vuestra personal
S.W.: La verdad es que en aquella época Sony ya no apostaba por nosotros como lo hizo al principio, y el mercado estaba muy mal para bandas como la nuestra, y decidimos que lo mejor era dejarlo un tiempo y dedicarnos a otras cosas. Mejor dejarlo pasar y no tocarlo más.
ALIANZA: Obviando el periodo con Paul Laine, al no estar presente él, ¿Cómo surge la posibilidad de volveros a juntar con Ted?
B.R.: Después de los discos que grabamos con Paul, y después de que él dejara la banda porque se había agotado el crédito con nosotros, teníamos que plantearnos si queríamos hacer algo nuevo, buscando a un cantante desconocido, o si hacíamos lo que siempre hemos hecho mejor que ha sido con Ted. Y para hacer lo que hacíamos con Ted, quién mejor que él para estar en la voz. Paul quería hacer otras cosas, nada que ver con Danger Danger, hizo el disco de Swaggezer que es completamente distinto, tenía otras inquietudes musicales y además personalmente la cosa tampoco iba muy bien, no era feliz con nosotros. Además muchos fans nos pedían que Ted volviera al grupo.
ALIANZA: Para que la reunión hubiera sido completa, falta, además de Andy Timons, el teclista Kassey Smith
S.W.: Kassey sigue siendo buen amigo nuestro, aunque hace mucho que no le vemos, está completamente apartado de la música, se casó, y creo que tiene un negocio. No quiere saber nada de este rollo.
ALIANZA: ¿Y no habéis pensado en otro teclista?
B.R.: Por desgracia, incluir un teclista en el grupo supone otra habitación de hotel, otro billete de avión, y ahora mismo no estamos tan fuertes económicamente como para permitírnoslo. Llevamos los teclados secuenciados y creemos que no quedan mal en directo, no os preocupéis que en directo vais a escuchar los temas como son, teclados incluidos.
ALIANZA: Pues vamos con el nuevo miembro del grupo, Rob, ¿cómo entró en la banda?
B.R.: Estaba en una convención de música en Los Angeles que se hace todos los meses de enero, estaba dando una vuelta por allí, se me acercó Rob y me dijo “Oh, Bruno, de Danger Danger, sois mi banda favorita, no puedo creerlo!, se que estáis buscando un guitarrista, dejarme ser vuestro guitarrista. Le dije, vale, venga, para que se callara, (risas), le di mi dirección de e-mail. Me envió una maqueta con cosas suyas y era todo como muy rápido, me sorprendió mucho, pero la dejamos ahí como una más. Entonces volvía la duda cuando estábamos preparando la gira un par de años después, buscábamos a alguien conocido, que quizá no se involucraría en el grupo lo suficiente y estaría liado con otros proyectos, o cogíamos a alguien nuevo y desconocido para meterse de lleno. Evidentemente elegimos la segunda opción, recuperé la maqueta de Rob, volví a escucharla, se la enseñé a Steve y decidimos llamarle para probar, nos convenció, y hasta ahora.
ROB MACELLO: Para mi fue un sueño cuando me llamaron, no lo podía creer, y a había perdido casi la esperanza después de dos años, pero ha sido y está siendo increíble. ALIANZA: Y ahora, después de tantos años sin estar juntos de gira los tres miembros originales, ¿cómo os habéis sentido en el escenario?
S.W.: Es fantástico, estoy tocando mis temas favoritos, con mi banda favorita, es como si no hubiera pasado el tiempo, estamos realmente felices, aunque nos miremos y digamos ¿dónde vamos con estas pintas?, no somos los mismos de hace quince años, pero seguimos disfrutando un montón juntos y el espíritu sigue joven.
ALIANZA: ¿Cómo está resultando esta gira hasta ahora?
T.P.: Bien, muy bien, muy loca, la respuesta de la gente está siendo magnífica y nosotros nos encontramos muy bien, además ahora en España tiene que ser aun más loca.
S.W.: Sí, como el show de hace dos años en Ritmo & Compás, ha sido uno de los mejores que hemos hecho en años, y el público estuvo espectacular, nunca olvidaré ese concierto, Gracias.
ALIANZA: Ahora con esta formación, ¿tenéis pensado grabar material para un nuevo CD?
S.W.: Por ahora estamos ocupados en otros proyectos, yo estoy preparando un disco de una banda más moderna, Wasted Superheroes, todos tenemos otros proyectos. Cuando acabemos con ellos, volvamos a casa y descansemos quizá nos plantearemos hacer nuevo material para Danger Danger, pero por ahora no lo tenemos previsto.
ALIANZA: Hablando de proyectos paralelos, Bruno, ¿vas a seguir con Westworld?
B.R.: No lo se, es cosa de Tony Harnell, por ahora el grupo está parado.
ALIANZA: Y tú Ted, vas a seguir con Melodica, ¿o tienes alguna cosa entre manos, quizá con Vic Rivera?
T.P.: No, lo de Melódica está completamente terminado, Gerard Pischler está por su lado y yo por el mío. Y, sí estoy preparando algo muy bueno con Vic Rivera, será un cruce entre Danger Danger y Adriangale, seguro que os va a encantar, está casi listo.
ALIANZA: ¿Qué nos vais a ofrecer en vuestros shows en directo?
T.P.: Vais a ver a un montón de saltimbanquis, tragafuegos, malabaristas, bailarinas, je, je... No en serio, vais a ver un concierto de rock, con todo lo que tiene que tener, canciones pegadizas, un grupo entregado. Queremos que tocar con la gente, no sólo para la gente, queremos que todo el público participe y sea parte del concierto, que sea un concierto de la gente. Además todo el mundo va a tener pase de backstage, porque cuando termine el concierto vamos a bajar a veros a todos, a hacernos fotos con vosotros y saludaros.
S.W.: Vamos a tocar temas de los dos primeros discos, y alguno del “Cockroach”. ¿Qué canción os gustaría escuchar, “Don’t Blame It On Love”, quizá? (risas)
B.R.: La última vez que vimos a España aprendimos que teníamos que tocarla siempre aquí, y eso que llevábamos un montón de tiempo sin hacerla en directo y nos costó, pero ahora es ineludible, y gracias a los fans salió bien.

(n.r.: Y en esto Ted se pone a cantarla con el lógico cachondeo en la mesa)
ALIANZA: Tras el concierto de Madrid, que es el último de la gira europea, ¿vais a seguir girando por el resto del mundo o ya paráis?
B.R.: Por ahora tenemos un concierto de fin de año en Estados Unidos, seguramente luego iremos a Japón a primeros de año, y queremos volver a Europa para primavera, en mayo o junio, quizá en algún festival. ALIANZA: Esta oportunidad de volver a girar, quizá venga por el resurgimiento que está habiendo del hard rock, de bandas como Firehouse o Tyketto que nunca habíamos visto por aquí ahora vienen, como vosotros, ¿cómo lo veis?
B.R.: Más que de un resurgimiento, creo que la gente que nos apoyaba desde antes ahora quieren recuperar su juventud, su época de instituto, sus primeros ligues, es como una vuelta al pasado para revivirlo de alguna manera con la música que se hacía en esa época y que les gustaba, y quieren volver a escucharla para sentirse más jóvenes. Ahora muchos ya tienen su trabajo, están casados, con niños, y muchas veces buscan la música como vía de escape de una vida más aburrida que la que tenían antes, y les apetece salir y divertirse como entonces.
ALIANZA: ¿Quizá esto pase también en España porque muchos de estos grupos no habían venido hasta ahora?
S.W.: Seguramente, pero es que además la gente latina es mucho más apasionada para todo, para la música, el fútbol, el amor, para todo, y entre el hambre de ver a los grupos y la pasión se forma una reacción increíble. Y aunque muchos fans son los de antes, también hemos visto fans muy jóvenes en nuestros conciertos, que conocían los temas de siempre, seguramente algunos serán los hijos o los hermanos pequeños de nuestros antiguos fans (risas), es está muy bien, porque aunque no hayan crecido con nuestra música, sí se han preocupado de escucharla y de seguirla. Hay mucha gente joven a la que les gusta Guns n’ Roses o Motley Crue, pero quizá hasta que no aparezca una banda nueva con el nivel de popularidad de estas bandas no se podrá hablar de resurgimiento total.
ALIANZA: OK, muchas gracias por vuestra atención, y si queréis añadir algo más
S.W.: Sólo deciros que nos encanta España, nos encantan los fans españoles, y que cada vez que estemos de gira pasaremos por aquí, ya estamos deseando empezar a tocar. Muchas gracias.

Mariano Palomo
Sergio Zapata

ENTREVISTA GOTTHARD

2005-11-10T10:34:00.000+01:00

Unas horas antes de su gloriosa actuación en Madrid (ver crónica en nuestra sección de conciertos), tuvimos la ocasión de pasar un buen rato cambiando impresiones con uno de los pilares básicos de Gotthard, su guitarrista Leo Leoni. A pesar de lo temprano de la hora y de haber tocado la noche antes en Barcelona el simpático Leo nos atendió comentándonos sus impresiones sobre la gira y adelantándonos algunos de los proyectos futuros de la banda.

ALIANZA: Lo primero, ¿cómo van hasta ahora vuestras actuaciones en España de esta gira de presentación de “Lipservice”?
LEO LEONI: Todo muy bien, la verdad es que estamos encantados. En Bilbao un gran local, muy cómodo con muy buenos medios y una gran respuesta de la gente; y en Barcelona, Mephisto es más pequeño, pasamos mucho calor, más de 50 grados en el escenario, pero también la respuesta de la gente fue muy buena.
A: ¿Esperabais esta respuesta de la gente española, o estáis sorprendidos?
L.L.: Estamos totalmente sorprendidos, teniendo en cuenta que somos una banda que nunca habíamos tocado aquí, siendo la primera vez que veníamos y prácticamente desconocidos, la verdad es que para nosotros ha sido algo increíble. Pero lo más sorprendente de todo es que la gente cantaba enteras todas las canciones, no sólo las del último disco, que podría ser más normal; en hemos tocado en esta gira en otros sitios donde ya habíamos estado antes y no hemos tenido ni mucho menos la misma reacción que en España.
A: Y sobre esos otros sitios de la gira europea, ¿que tal ha ido hasta ahora?
L.L.: Perfecto, hemos vuelto para rockear y patear culos, os guste o no; y la gente parece que le ha gustado.
A: ¿Cuál ha sido el mejor sitio donde habéis tocado además de en España?
L.L.: Creo que cada noche es una noche especial. En Inglaterra quizá no esperábamos tanto, era la segunda vez que tocábamos por allí, y es un sitio muy especial para tocar, porque de allí han salido grandes bandas de rock, seguramente las mejores, y se creen los dueños del invento y muchos creen que están por encima del bien y del mal, y para los grupos de fuera muchas veces es difícil entrar allí, los periodistas y todo el mundo allí creen que son los mejores y son muy críticos con los de fuera. Pero a pesar de todo la reacción del público fue muy buena.
A: Hablando sobre el último disco “Lipservice”, ¿Cómo está siendo la respuesta del público, se está vendiendo bien, tenéis buenas críticas?
L.L.: Las ventas están siendo muy buenas, las críticas también, todo va de maravilla.
A: ¿No hay nada malo, ni siquiera estar lejos de casa?
L.L.: No eso no es problema (risas). Pero en serio, sí ha pasado algo triste, y es que uno de nuestros roadies murió cuando íbamos camino a Holanda y la verdad es que ha sido una gran pérdida porque llevaba un montón de años con nosotros y estamos muy tristes por ello. Esta es la cara mala de la moneda, la cara buena es todo lo demás, está yendo muy bien, lo damos todo cada noche y la gente está reaccionando muy bien.
A: Creo que no lleváis teloneros en esta gira, ¿es cierto?
L.L.: Sí, así es. No queremos llevar teloneros, ya que esta es una gira por clubes, y nosotros normalmente no tocamos en clubes, sino en sitios más grandes tipo pabellón o arena. En los sitios pequeños queremos ser totalmente nosotros y dar todo lo que tenemos, además con más de un grupo en un sitio pequeño el equipo y la P.A. es muy difícil de poner en buenas condiciones y no queríamos salir a tocar con el equipo desajustado ni nada de eso, queríamos que todo sonara y se viera perfecto. No es lo mismo preparar todo para dos grupos que para uno, incluso eso lleva a tener retrasos como nos ha pasado alguna vez y haber tenido que cortar alguno de lo grupos su actuación antes de tiempo, y para evitar todo eso preferimos tocar solos.
A: Hace un par de semanas estuvimos viendo al grupo inglés Shy, y nos comentaron que España les parecía actualmente un mercado muy interesante para el hard rock melódico, ¿qué te parece a ti?
L.L.: Totalmente de acuerdo. Creo que la gente española le gusta mucho la fiesta, y el rock melódico es una música festiva y optimista por naturaleza, así que creo que la unión es perfecta. Creo que una cuestión de sintonía entre el grupo y el público, si el grupo se siente bien en el escenario, normalmente la gente disfrutará más y se involucrará más en el show; muy distinto que en Estados Unidos que se mueven por modas y por la MTV, España es más tradicional en cuanto al rock se refiere y más fiel a los grupos de los 80 y 90.
A: Hablando del set list que interpretáis en esta gira, evidentemente os centráis en vuestro último disco, pero también tenéis hueco para casi todos los anteriores
L.L.: Los temas están 50 – 50, la mitad de este nuevo disco y la otra mitad antiguos
A: Sobre todo del álbum “G”, ¿quizá porque es el más parecido a “Lipservice”?
L.L.: No del todo, se parece pero no tanto. “G” es un disco perfecto de rock, tiene todos los elementos rockeros de un disco, tiene la fuerza, la melodía, etc., “Lipservice” es la continuación lógica de “G”, es como el primer capítulo y el segundo capítulo. Entre medias nos relajamos un poco con “Homerun” y “Human Zoo”
A: Además hay una pequeña sorpresa para el final del concierto, ¿no es así?
L.L.: Quizá, esperemos que sí, pero es una sorpresa (risas)
A: Cuando charlamos por el mes de mayo, antes de que sacarais “Lipservice”, nos comentaste que este título, podía tener dos significados, uno obvio de trabajos orales, y otro relacionado con la gente que habla mucho sin sentido y no dice nada, ¿habéis encontrado algún otro significado por Europa?
L.L.: Los significados son esos dos, pero hemos llegado a la conclusión de que el próximo disco habría que llamarlo “Blow You Up Alive”, o “Chupa, Chupa”, ¿no? (risas)
A: Volviendo al set que nos desviamos. ¿incluiréis alguna parte acústica en el set, o simplemente tocaréis algún tema acústico suelto?
L.L.: No habrá parte acústica como tal, haremos un tema acústico. Ya hemos hecho sets acústicos durante muchos años y ahora queremos volver con más fuerza y más rockeros, queremos recuperar nuestra faceta más cañera, queríamos darle descanso a las guitarras acústicas.
A: Quizá porque el disco ha salido con Nuclear Blast que es una compañía con bandas más cañeras, ¿Creéis que ha sido la compañía apropiada para lanzar vuestro disco, qué tal están trabajando con vosotros?
L.L.: Creo que están haciendo las cosas muy bien con nosotros, pero lo sabremos mejor después de la gira. Hay un cierto número de ventas del disco nada más salir antes de los conciertos, y ahora hay que esperar una segunda oleada de ventas tras nuestras actuaciones. Quizá haya gente que no tenga nuestro disco y después de vernos les convenzamos y vayan a comprarlo a la tienda. Ahora es la segunda parte del trabajo, a partir del día siguiente del concierto en cada sitio hay que ver la segunda reacción del público.
A: Sabemos que el disco se está vendiendo muy bien en España
L.L.: Sí, eso nos han dicho, sabemos que ahora mismo no se pueden vender millones de copias, pero que está funcionando muy bien. De hecho nos ha llegado gente diciendo que iban a comprar el disco a las tiendas y lo tenían agotado. Esta es la segunda parte del trabajo de la compañía.
A: Además la gente tenía ganas de tenerlos, porque vuestros discos anteriores apenas tenían distribución en España, y la gente os ha conocido en gran medida gracias a “Lipservice”, es como un punto de partida, ¿no?
L.L.: Sí, de alguna manera es un poco volver a empezar en algunos sitios como España y estamos muy felices con las expectativas que hemos creado.
A: ¿Aprovechando está gira tenéis pensado grabar algún DVD o disco en directo?
L.L.: Sacaremos un DVD el año que viene, pero será un DVD histórico, no simplemente un concierto en directo tal cual. Contendrá tomas de distintos años con distintas fases de la carrera de Gotthard, no será como lo que hicimos con “Homerun”, creemos que es demasiado frío, y que para disfrutar de un concierto hay que estar en el sitio, es como ver un partido de fútbol por la tele o en el estadio, no es comparable, queremos ir donde está la acción. Queremos ofrecer a la gente una visión total de lo que es Gotthard, tanto en el escenario como fuera de él, con escenas de varias actuaciones, video clips, etc. Y de esta gira grabaremos el concierto de Zurich que es el más grande de la gira con doce mil personas para incluir algo en el DVD.
A: ¿Y fuera de Europa iréis a otros sitios como Japón, Australia o Sudamérica?
L.L.: Paso a paso, estamos estudiándolo, queremos a Rusia, Asia y Sudamérica, además nos han dicho que en Sudamérica es público es muy parecido al español, en Brasil por ejemplo sabemos que el disco se está vendiendo bien. En Japón la gente también es muy tradicional en cuanto a la música, y nos han apoyado siempre mucho, han elegido a “Lipservice” disco del mes en la revista “Burn”, la más importante de Japón, y nos siguen desde hace dieciséis años, así que les estamos muy agradecidos.

A: ¿Qué tipo de grupos escuchas actualmente?
L.L.: De lo que ha salido últimamente me han llamado la atención The Rasmus, me gusta la mezcla que hacen de la melodía pop, pero con muchas guitarras rockeras, para mí es la respuesta a los Europe en el 2005. Pero sigo escuchando mucha música de los clásicos de los 80, y además si algo me gusta no me importa de donde venga ni el tipo de artista que sea, aunque siempre acabo escuchando a los Beatles, definitivamente son mi mayor influencia, y también me gustan mucho Thunder, creo que se parecen bastante a nosotros.
A: ¿Os importa que os comparen con otras bandas, como los mismos Thunder, Whitesnake o Def Leppard?
L.L.: Cuando sacas tu primer disco es normal que la gente, los periodistas, busquen compararte con otras bandas conocidas, pero después del montón de años que llevamos ya en activo creo que tenemos nuestra propia identidad y nuestro propio sonido, incluso ahora habrá bandas nuevas de las que se diga que suenan a Gotthard.
A: Quizá en España hayan surgido estas comparaciones porque para muchos “Lipservice” es el primer disco que conocen del grupo, y por eso se os ha comparado con Whitesnake o Def Leppard
L.L.: Sí, puede que sea normal, y seguramente la gente que dice esto no haya escuchado nada de lo que hemos hecho anteriormente, pero el hecho de que nos comparen con este tipo de bandas está bien, porque son artistas que han hecho historia en la música, y seguramente a la gente que les gusten Whitesnake o Def Leppard también les guste Gotthard.
A: Cambiando otra vez de tercio, ¿estás preocupado por las descargas de música en internet, crees que os está afectando mucho?
L.L: Para la música en general el problema es mucho más grande de lo que la gente piensa, no sólo por los grupos, sino por todo lo que hay alrededor de la industria musical. Quizá no haya que llegar hasta los extremos que llegó Lars Ulrich, pero tampoco me pareció mal. Porque el problema es que la mayoría de la gente que se baja ahora música de internet es gente muy joven, y si en el futuro se quieren dedicar a la música en todos sus aspectos lo van a tener muy difícil, porque todo esto afecta desde la gente de las compañías, pasando por los que hacen las portadas, los libretos, los que están en las oficinas de promoción, los distribuidores, las tiendas, en fin, que si esto sigue así la gente joven no va a tener futuro en el mundo de la música, y no sólo como músicos. Creo que esto es lo que deberían saber y comprender todos estos chicos que ahora se descargan música en la red. Porque al final los artistas o las compañías encontraran alguna forma de ganarse la vida, y si no es sacando discos, será componiendo o haciendo arreglos o tocando en directo, o lo que sea, pero el resto de la gente lo tiene muy difícil. Por supuesto también es malo para las bandas que venden menos, pero yo soy músico profesional y creo que me dedicaré toda la vida a la música, si no es haciendo una cosa, haré otra, pero un chico de quince años seguramente ya no vea futuro en esto. Tú no puedes bajarte le pan, puedes ver donde está más barato e ir allí a comprarlo, tú no puedes descargarte un coche, puedes consultar cual te gusta más pero tienes que ir a comprarlo al concesionario, pero con la música, los libros, o las películas es distinto, puedes tenerlo todo, con su portada, su libreto y su caja, ese es el problema. Además se pierde la comunicación, ni siquiera vas a ver al de la tienda para que te aconseje o para ver lo último que ha salido, se está deshumanizando. Es como el fútbol, ahora los niños juegan al fútbol, se ponen uno a cada lado del ordenador con un mando y no salen a la calle; a este paso ni siquiera tendremos sexo real, habrá que tener un juego para relacionarse y poder hacer el amor vía internet, es horrible, pensar sobre ello. (risas).
A: Acabando con esta gira, ¿cuántas fechas os quedan?
L.L.: Buf, no lo se, tendría que mirar el planning en internet (risas). Mañana tocamos en Oporto.
A: ¿Os gusta descubrir nuevos sitios, como estáis haciendo en esta gira?
L.L.: Nos gusta ir donde le gustemos a la gente, iremos donde nos digan que quieren que vayamos
A.: ¿Tenéis un feeling especial con la gente del sur de Europa, España, Portugal, Italia?
L.L.: Sí, es posible. Quizá la gente del sur de Europa está muy centrada en la grandes bandas que tocan muchas veces en sus países en sitios grandes, y le historia es que cuando descubren nuevos grupos como Gotthard ven que hay buena comunicación en sitios más pequeños y responden perfectamente a esa comunicación y ese feeling mutuo.
A.: Vosotros habéis tocado en los dos tipos de sitios, ¿dónde estáis más nerviosos, tocando en sitios grandes o en sitios pequeños?.
L.L.: Me siento cómodo cuando el equipo está bien y todo está en su sitio, da igual que sea un sitio grande o pequeño, me pongo nervioso cuando veo que empieza a fallar algo técnico, cuando no suena un monitor o la guitarra se acopla, eso me pone bastante nervioso; pero con el público en absoluto me gusta verles y hacer juntos el concierto.
A.: Ya sólo nos queda desearos suerte para la actuación de esta noche, y esperar que para la próxima vez toquéis en un sitio más grande, quizá en un gran festival de verano
L.L.: Es posible, no lo descartéis, quizá en una plaza de toros, nosotros volveremos a llevar al toro a la plaza y esta vez ganará (risas)
A.: Muchas gracias por tu amabilidad y nos vemos esta noche
L.L.: Muchas gracias a vosotros por la entrevista

Rafa Carrillo
Mariano Palomo

ENTREVISTA EDEN LOST

2005-10-26T11:33:00.000+02:00

Tras la publicación de su primer y brillante trabajo, "Road Of Desire", tuvimos la ocasión de conversar un buen rato con tres de los intengrantes de Eden Lost, en concreto su guitarrista y fundador Javi Nieto, su vocalista Ignacio Prieto y su nuevo batería Jorge. Esto es lo que nos contaron sobre su pasado, presente y futuro, en una animada charla en nuestros estudios de Radio Vallekas en el programa La Ciudad Sin Nombre.

ALIANZA: Por fin podemos estar hablando con vosotros con vuestro primer disco en la calle. Cuéntale a la gente por qué un grupo que empezó a trabajar duro como vosotros en el 99, habéis tenido que esperar hasta el 2005 para sacar este disco.
JAVI NIETO: Bueno, en teoría empezamos en el 99, pero ya sabes como es esto, cambios de formación, fase de rodaje hasta que los músicos encajemos, adaptarnos a los cambios, en fin. Pero sí es cierto que el disco no tenía que haberse retrasado tanto, lo grabamos en el 2002, así que fíjate si podía haber salido hace tiempo, en principio iba a haber salido ese mismo año, pero por distintos motivos ajenos a nosotros se ha retrasado hasta ahora.
A: Entonces vamos a hacer un poquito de historia desde el principio para que la gente se ubique, cambios de formación y demás incluidos.
JN: Del principio, del 99, quedamos Jesús Laso, el otro guitarrista, Javi Gallego, el teclista, y yo. Y en este tiempo hemos tenido varios cantantes, varios baterías, varios bajistas, hasta que conocimos a Ignacio con el que parece que la cosa va bien.
A: ¿Va bien Ignacio?
IGNACIO PRIETO: Yo soy el único que ha conseguido soportarlos (risas). No en serio, bien, yo les conocí por unas amigas comunes cuando ellos tenían que hacer un concierto teloneando a Mitch Malloy, yo estaba con otro grupo con contrato y era sólo una colaboración para ese día; pero hubo muy buena comunicación y además la onda cuando empezamos a tocar juntos salió muy bien y era lo que yo quería hacer. El concierto recibió muy buenas críticas, se interesó por nosotros una compañía discográfica que además organizó un festival en el que también tocamos, y surgió la idea de grabar un disco con ellos, pero al final ahí se quedo la idea, y la pena es que han ido pasando algunos músicos que no han ido cuajando. Pero vamos, de momento bien, lo que es núcleo duro del grupo se ha mantenido, y ahora con los nuevos elementos, aquí tenemos a la última incorporación, por ahora en periodo de prueba (risas)
A: Preséntate por favor
JORGE: Yo soy Jorge, soy el nuevo batería, como bien ha dicho Ignacio soy la última incorporación, estoy en el grupo desde junio de este año, y por ahora contento, trabajando y poniendo todo para el grupo.
A: Una vez hechas las presentaciones, centrémonos en el disco. Me imagino que el título “Road Of Desire” tendrá mucho que ver con esas ganas y ese deseo que teníais de por fin poder ver publicado vuestro disco.
JN: Sí, efectivamente. Además de ser el título de uno de los temas, es realmente el sentido de esa carretera que todos seguimos para lograr un fin, en nuestro caso este disco, conseguir un poco de estabilidad en el grupo y empezar a ser un poco más conocidos y sacar un poco la cabeza.
A: Comentabais antes que teníais un contacto con una discográfica de España y al final a salido con AOR Heaven que es alemana, ¿por qué habéis tenido que buscar fuera para sacar vuestro disco, tan sordas están las compañías de aquí?
IP: No, no hay ningún problema, y además podemos dar nombres porque no hubo ningún tipo de problema con Vicente (Vinny Records), de hecho ya se fijó en ellos cuando estaba el anterior cantante con la posibilidad de grabar un disco para que el grupo saliese para adelante. Pero el asunto es que decidieron partir peras con su anterior cantante, fue cuando yo entré con ellos en el concierto de Mitch Malloy, participamos en el festival que organizaba Vinny Records junto a 91 Suite y Ice Blue. Y a partir de ahí parece que se decidió a hacer el disco, pero el problema es que Vicente era una compañía pequeña, independiente, tenía que hacerse con todos los gastos, y empezaron los problemas; hubo muchas tiranteces durante la grabación, nosotros queríamos tirar para un lado, el quería imponernos otro productor, y demás... y fue pasando el tiempo y tuvimos la inmensa suerte, también gracias a Vicente, todo hay que decirlo, de entrar en AOR Heaven. Ya que él no podía hacerse cargo de nosotros ni de la compañía, que ya ni siquiera existe, y ofreció el disco a varias compañías, entre ellas AOR Heaven, se interesó Jorg, le vio posibilidades y tiró para delante con él; en realidad fue eso, Vinny no pudo hacerse cargo del disco, teniendo en cuenta que era un disco que tenía que tener una cierta difusión y él no podía hacerse cargo de ella, ni apoyarlo en condiciones.
A: Respecto a los que estáis ahora en la banda, hay dos integrantes de la formación que grabaron este disco y ya no están, como son el bajista Quique Moreno y el batería Carlos Luján, luego estuvo Javi otro batería, y entró ya el nuevo bajista, otro Javi más, sois el grupo de los Javis, y en los conciertos en directo os ha estado ayudando Antonio Alcoba de Beethoven R. ¿Ha sido muy complicado encontrar nuevos músicos para el grupo, a nadie le gusta este estilo, todos quieren tocar power metal?
JN: Efectivamente todos quieren tocar power metal, de hecho Jorge viene de una banda de power metal (risas). Sí, la verdad es que muy complicado encontrar gente, lo primero que les guste este estilo, y luego que toquen batería y bajo, porque guitarristas hay a patadas; pero además luego tienen que cuajar en la dinámica del grupo, de cómo trabajamos y demás.
A: Ya que tenemos a uno de los nuevos con nosotros, Jorge, cuéntanos, ¿qué hacias antes de entrar en Eden Lost?
J: Yo tocaba power metal (risas). En serio, casi todo lo que he hecho hasta ahora ha sido en esa onda, pero mis gustos musicales son muy amplios y no estoy cerrado para nada, desde Police o Pink Floyd a música muy bestia, Death Metal y cosas así, y por supuesto hard rock. Así que no me cierro en un estilo de música único y específico. Dentro del rock me gusta de todo, y de todo lo que tenga calidad.
A: ¿Te ha costado mucho adaptarte a los temas de la banda?
J: Hombre, los temas hay que trabajarlos, evidentemente, y para que los temas suenen como suenan en el disco es un trabajo constante día a día, y no perder el tiempo en el local y hacer que la cosa vaya fluida.
A: ¿Habéis tocado ya juntos con esta formación?
IP: Todavía no, pero lo haremos para la presentación del disco que será en breve, tenemos una fecha apalabrada pero todavía no nos la han confirmado. El problema es que hemos estado buscando salas y ya sabemos como está el tema de las salas en Madrid, más queriéndolo hacer un sábado que no coincida con ningún otro concierto, ni con el fútbol con un Madrid – Barça o Madrid – Atleti, ni nada de eso. Pero sí hay un fecha por ahí que esperamos confirmar pronto, y ahora nos estamos machacando en el local preparándolo todo para que salga bien, y de hecho ya tenemos preparado hasta el set list, con temas propios, con sorpresas y las típicas versiones que siempre nos gusta interpretar.
A: Ya que hablamos de versiones, en el disco se ve lo que habéis escuchado siempre, se notan las indudables influencias de las buenas bandas de hard rock, como Bon Jovi, se ve que os lo habéis trabajado bien, y hasta las letras reflejan vivencias del día a día, cosas reales, ¿lo habéis querido enfocar así, tanto en lo que se refiere a letras como a influencias?
IP: La verdad es que cuando yo entré en el grupo todos los temas, menos dos, estaban muy avanzados, pero las letras en muchos casos eran provisionales; y al ser en inglés había una idea, pero ni había rimas, ni métrica conseguida. Pero se respetó totalmente la idea principal y a partir de ahí las empezamos a pulir. Si te fijas por ejemplo, en la letra de “Road Of Desire”, el primer tema, es una letra que habla de las vivencias propias, de las relaciones personales, sentimentales, de intentar llegar a lo más alto en lo que te propongas, en nuestro caso la música. Luego hay temas simplemente de diversión, que es lo típico y lo tópico, como el “Saturday Night”; otro como “No Way Out”, que no tiene nada que ver con los otros y que va contra la mentira, la gente que basa su historia en engañar a los demás. En ese aspecto las letras si que tienen un poco del estado de ánimo en el que te pille cuando la estás componiendo. Y luego las influencias, pues bueno, Bon Jovi no es una de las influencias principales, el asunto es que sonar suena a Bon Jovi, porque cuando yo empecé a educar un poco mi voz con mis catorce añitos, igual que todos cogemos la raqueta para puntear, pues me cogió en la época en la que pegó el bombazo el “Slippery When Whet”, el “Final Countdown” de Europe, y me empezó a salir la voz así por ahí. Es una de mis influencias, pero por delante de Bon Jovi que me gusta mucho, me gustan más cantantes mucho más clásicos tipo Joe Lynn Turner, Graham Bonnet o Bruce Dickinson que sin lugar a dudas es mi mayor influencia, o David Coverdale. Yo creo que eso es lo bueno, que suena a todo eso el disco.
A: Y aparte de las letras, no has tenido demasiado problema con el acento con el inglés al ser profesor de este idioma, ya que no se nota nada en el disco.
IP: Afortunadamente las críticas de fuera no hacen referencia al acento, se han centrado más en la supuesta falta de originalidad del grupo, pero es que nosotros no queremos ser originales, y queremos hacer hard rock y no queremos hacer otros estilos de música más originales o modernos. Pero sí, una de las cosas que más me alegró de las críticas desde Inglaterra es que en ningún momento menciona el acento a la hora de cantar, ni sobre la letras. Pero aun así es complicado, porque a la hora de la métrica tienes que hacer que las letras sean gramatical y sintácticametne correctas, y no es nada fácil, y tienes que expresar en inglés las ideas que tienes en castellano.
A: Hablando de más cosas del disco, hay que gente que se pregunta por qué no habéis metido ninguna versión cuando las hacéis tan bien en directo. ¿No lo pensasteis?
IP: No, queríamos meter todos temas propios, además como os comentaba antes íbamos justitos, de hecho teníamos once temas y al final metimos diez, y el que se quedó fuera fue porque era más flojito.
A: Pero hay otro “Straight To Your Heart” que sí está muy bien y no lo habéis incluido en el disco.
IP: Ese ni siquiera hubo opción de grabarlo, tiene su historia, por cierto os lo podéis descargar desde la página web. Es el primer tema que conocí del grupo, que me pusieron en un cassette guarrindongo en el local, y el primero que hice con ellos, nos pusimos a trabajar con él, lo grabamos en plan demo y suena muy bien, y fue el primero que grabamos juntos. Y el asunto es que ese tema se grabó para convencer al de la compañía, a Vicente, para firmar el contrato, y nos dijo que no era lo que esperaba ni lo que quería, y entonces quedó aparcado. Y luego la gente nos dice que por qué no ha entrado en el disco cuando es posiblemente de los tres mejores que tenemos, y ya ves, curiosidades, la compañía lo vetó y lo abandonamos, pero ahora en directo no falla nunca, la tocamos siempre, es imprescindible.
A: En cuanto a la calidad musical, compositiva, de trabajo y demás, quizá la producción podría haber sido un poco mejor.
JN: La verdad es que sí, pero teniendo en cuenta el poco tiempo que tuvimos, que cuando Ignacio entró ni siquiera era parte del grupo, sólo una colaboración, se acabaron temas estando incluso ya dentro del estudio de grabación, y sí quizá se podría haber hecho mejor. Pero estamos contentos con el resultado dentro de las posibilidades que hemos tenido, pero todo es mejorable.
A: Además todo lo habéis hecho vosotros.
JN: Sí, sí, todo; mezclado, producido, diseñado, el libreto, la galleta del CD, todo; y porque no sabemos hacer CDs, que si no (risas)
A: Por otra parte siempre os habéis preocupado bastante de los directos, ya que aun sin disco habéis tocado bastante
IP: Siempre nos ha gustado tocar, pero con cierta distancia entre las actuaciones, porque con la saturación de conciertos que hay, y más en nuestra ciudad como Madrid, si tocas cada dos meses la gente se acaba cansando y lo único novedoso que les puedes ofrecer es cambiar las versiones. Pero sí hemos procurado las oportunidades que amablemente nos han dado otros grupos para telonearles, siempre es una oportunidad y siempre aprendes un montón.
A: ¿Cómo está funcionando el disco a nivel de distribución y promoción por parte de vuestra compañía AOR Heaven, y en cuanto a respuesta del público fundamentalmente europeo?
JN: La verdad es que AOR Heaven está trabajando fenomenal, estamos distribuidos prácticamente en toda Europa, no sabemos en otros países. Y nos han dicho que para el poco tiempo que lleva el disco en la calle, las primeras mil copias ya se han vendido, y según está la cosa no está nada mal.
IP: Mil copias, vendidas, descargadas del e-mule también tenemos unas cuantas (risas)
A: Para ir cerrando, y volviendo a vuestra presentación del disco en Madrid, ¿cómo la queréis plantear, vosotros solos, con teloneros?
IP: En principio queremos hacerlo nosotros solos, y por ejemplo la última vez que teloneamos a Jorge Salán estuvo muy bien y se lo agradecemos un montón, pero creemos que tocar con más gente desvía un poco la atención. Este tipo de grupos, como Jorge o Cuatro Gatos, ya tienen su público, y nosotros queremos ganárnoslo desde la base y dándoles todo lo que podamos, y quien les caliente desde el principio tenemos que ser nosotros. Eso sí, va a haber sorpresas, por supuesto, estamos poniéndonos en contacto con una serie de amiguetes para que suban a colaborar en temas.
A: Ya estamos deseando verlo cuanto antes en directo. Gracias por todo y mucha suerte.

Mariano Palomo
Jesús “Nono” García

ENTREVISTA MICHAEL KISKE

2005-09-30T13:16:00.000+02:00

Jugosa y altamente reveladora media hora de charla la que mantuvimos vía teléfono con Michael Kiske. Uno de los iconos del heavy metal ochentero, que como podéis comprobar a continuación ha cambiado y mucho respecto a su época gloriosa con Helloween. La llamada era básicamente para hablar de su nueva aventura en Place Vendome, de la que hablamos, pero también de la nueva filosofía musical de Kiske. Seguro que no dejará indiferente a nadie.

ALIANZA: Háblanos un poco de tu último proyecto, Place Vendome
MICHAEL KISKE: Es una de las cosas que le gusta hacer a Serafino, el dueño de Frontiers Records, le encanta juntar a gente de distintas bandas para hacer proyectos paralelos, con músicos, productores, y todo el mundo que pueda involucrar para hacer cosas nuevas; y la verdad que por lo que he visto con Place Vendome lo hace y lo lleva realmente bien. Me envió un e-mail al finales del verano del año pasado diciéndome si estaba interesado en un proyecto de A.O.R., y yo le pregunté, ¿qué quieres decir con A.O.R.?, y me explicó algo que suene como Foreigner, Journey, y todo ese tipo de grupos melódicos americanos. Yo le dije que si el material era bueno, ¿por qué no?. Tuvimos un par de semanas de vacaciones, y en ese tiempo contactó con Dennis Ward para que produjera el disco, empezaron a enviarme mp3 con la música para que viera que me parecían, me enviaban prácticamente una por semana, y cuando tuvimos las necesarias lo suficientemente buenas, empecé a hacer las voces, y mientras tanto Dennis empezó a producir la música con los músicos que aparecen en el disco, que son sus compañeros en Pink Cream 69, y que se nota mucho lo acoplados que están ya, porque no les hace falta estar tocando juntos para hacer buenos temas y para sonar realmente bien y compactos como suenan en el disco. Entonces metimos mis voces, y fue algo que nos llevó bastante tiempo, porque parte del material era algo que yo no había hecho nunca y me costó encontrarle el punto, pero al final salió, Dennis lo mezcló y hasta el resultado final no he escuchado nada, quizá yo lo hubiera mezclado de otra forma pero no estaba en mis manos, eso era labor de Dennis, pero en general creo que el resultado es bastante positivo.

A: Entonces, ¿Estas satisfecho con el resultado final del disco?
MK: Sí, en general sí. Pero lo que no puedo soportar es la música demasiado heavy, no es lo mío ahora, me hiere escuchar algo demasiado heavy ahora. Quizá es porque llevo mucho tiempo sin escucharla, y porque ahora prácticamente sólo escucho música clásica, Mozart, Bach, es un mundo completamente distinto dentro de la música. Me duele la cabeza cuando escucho algo demasiado fuerte. Pero sobre el disco, hay dos o tres temas un poco heavies para mí, pero en general sí es lo que yo haría, pero a veces es un poco heavy para mi gusto.

A: ¿Cuál es tu tema favorito del disco?
MK: Me gusta mucho “I Will Be Waiting”, me encanta el sonido de guitarra, de la vieja escuela, sin saturaciones ni efectos raros. Me gusta mucho también el tema “Place Vendome”, en general me gustan todas, pero sobre todo estas dos, y una que no aparece en la edición europea y que sólo saldrá como tema extra en Japón, que se llama “Photograph”, los japoneses siempre quieren temas extras y por desgracia Serafino no nos dijo nada de que hiciéramos un tema extra y la verdad es que creo que este tema, que es un tema acústico muy bien trabajado, funcionaría mejor entre el público europeo, Italiano y del sur de Europa, que en el mercado japonés, no creo que lo aprecien tanto, no es la típica canción para ellos.

A: Por lo que me comentas, en este disco de Place Vendome, te has limitado a poner la voz sin involucrarte en la composición de los temas
MK: Realmente no he compuesto nada, tampoco me lo pidieron, y además no soy el tipo de compositor que puede hacer temas de un día para otro con un patrón marcado, tengo que hacer lo que sienta en el momento. Tiene que ser algo real. En los 80 no había más remedio, me decían, tienes que hacer otro “Future World” y lo hacía sin problemas, pero ahora ya no. Quizá por eso no me lo pidieron. Pero les mostré algún material que tengo para mi próximo disco en solitario y les gustó bastante, y quizá ese tipo de material si pueda ser utilizado en el futuro. Es algo muy personal. Sin embargo Dennis es una máquina de producir en dos semanas te puede hacer un muy buen disco, sin demasiado esfuerzo, yo no tengo esa capacidad, en mi no funciona así.

A: Entonces ¿sacarás pronto un nuevo disco en solitario?
MK: Quiero ir tranquilo, quiero que sea lo mejor que pueda dar en este momento y quiero estar seguro de que así será. Quizá por eso he cerrado el capítulo del hard rock en mi vida, he decidido que no quiero chillar por encima de guitarras saturadas ni nada de eso, quiero hacer algo que sea simplemente rock, más básico y más tranquilo. Los temas que tengo no tienen que ser tocados a toda caña reventando los bafles, los puedo hacer perfectamente con el piano o con la guitarra acústica, y es lo que realmente me gusta. No quiero contar lo que cuento sobre guitarras saturadas. Es algo parecido a lo que intenté hacer en el disco de Supared, estaba intentando encontrar el camino a seguir, aunque había algunos temas realmente heavies, y no salió demasiado bien, pero es algo que me ayudó a aprender y a corregir cosas para mi próximo disco, siempre hay que aprender algo para mejorar en lo siguiente. Desde luego lo que haga no será hard rock, no tendrá un montón de guitarras eléctricas, será más básico, con una instrumentacióm muy a lo Beatles.

A: ¿Has estado siempre interesado en estos sonidos melódicos o es algo nuevo?
MK: Sí, de hecho mucho del material que escuchado siempre si le quitáramos algunas guitarras heavies sería prácticamente lo que me gusta hacer ahora, los sonidos ochenteros, la música que no pasa de moda, como Bon Jovi que más o menos sigue sonando como en los 80s, el A.O.R. no pasa de moda siempre sigue ahí, no como el grunge que estuvo de moda y desapareció, Metallica estuvo de moda y ahora no tienen nada que ver, la música que se pone de moda no me interesa para nada, cosas como el A.O.R. son intemporales y eso sí me interesa.

A: ¿Cuáles son tus badas favoritas dentro del A.O.R.?
MK: U2 se han convertido en una gran banda de rock, quizá no es un grupo de A.O.R.. pero su música en un disco como “All That You Can’t Leave Behind” tiene todos los elementos musicales que me gustan, es una banda increíble; creo que Bono es uno de los mejores cantantes de la actualidad, y no tanto por su calidad, sino por su carisma y su capacidad para transmitir a la gente, tiene un gran rango de matices, no creo que suene como Rob Halford (risas), pero tiene esa voz tan característica que con apenas escuchar cinco segundos ya sabes que es él.

A: Últimamente también has colaborado en otros proyectos con gente como Edguy, Aina o Tribuzy, ¿no es esto demasiado heavy para ti actualmente?
MK: Estoy abierto a escuchar de todo, por ejemplo esta última canción que hecho con Edguy, creo que es más un tema de rock tradicional que más metalero como el resto de los de Edguy, quizá haya gente que lo considere heavy metal, cada uno llama a las cosas de una forma y cada uno entiende el rock de una manera; pero lo que más me atrajo de este tema fue la letra. Algunos críticos dicen que tenía que haber subido más o creen que porque sea un tema de Edguy tiene que ser más heavy, pero yo soy un músico de la vieja escuela y creo que lo importa es el sentirse a gusto cantando el tema, no lo alto que lo cantes. Creo que esto está un poco en el medio del rock tradicional y del heavy metal, y la industria tiene que tratar de encontrar un mercado para este tipo de música. Si los músicos son creativos y se les deja desarrollar sus ideas el mercado será mucho más amplio e interesante, si la industria se limita a sacar productos de laboratorio, salidos de concursos de televisión, a los que les dicen lo que tienen que hacer en cada momento, le escriben los temas y demás, la cosa no prosperará. Y algo así está pasando con el heavy metal, todavía hay muchos que creen que el heavy metal es la ley, que hay que ser satánico, y todas esas historias raras, y así las cosas se estancan, creo que es algo muy malo para los músicos y para los fans... pero, ¿cuál era la pregunta? (risas)

A: Tus últimas colaboraciones con Aina y Tribuzy
MK: OK, perdona, un proyecto como Aina no creo que fuera metal, era más rock clásico y realmente me gustó mucho participar en él, es una música realmente bonita y una de las cosas más positivas en las que he participado. Lo de este chico brasileño, Tribuzy, es algo que me propuso hace tres años y medio, entonces lo hice, es realmente heavy metal, así que creo que ahora mismo no lo volvería hacer, pero en el momento si me pareció bien. No me importaría hacer temas lentos o baladas para bandas de heavy metal si me lo propusieran, pero por ahora sólo eso, si son lo suficientemente buenas, por qué no.

A: Por lo tanto ¿crees que está mejor actualmente la escena del rock melódico que la del heavy metal?
MK: Sí, seguro, creo que es más abierta ahora mismo. Aunque el heavy era totalmente distinto en los 80s, el heavy rock copaba gran parte de las listas éxitos, había grandes festivales, Iron Maiden eran el nº 1 en las listas oficiales, la escena estaba realmente viva, era muy creativa, cada semana aparecían diez nuevas bandas buenas, de América, de Inglaterra, de Escandinavia. Todo era mucho más creativo que hoy en día.

A: Después de salir de Helloween hiciste dos discos en solitario, ¿no es así?
MK: Realmente hice tres, pero el segundo no llegó a salir en Europa, sólo en Japón, y la compañía se fue a la quiebra y las cosas no se hicieron bien y no funcionó

A: Centrándonos entonces en los dos que conocemos, su sonido estaba muy lejos del de Helloween, ¿cómo decidiste cambiar de esa manera?
MK: Cuando estás en una banda como Helloween tienes que adaptarte a su sonido, es lo que hay, cuando hice un tema como “A Little Time” no tenía mucho que ver con lo que salió luego, se lo entregué y lo cambiaron completamente, era algo inevitable. Así que mi forma de componer no es tan distinta, cambia y evoluciona, seguro, pero no tanto. Hago las cosas como van saliendo y no las encasillo tanto. Por ejemplo un tema como “Be True To Yourself “ de “Instant Clarity” si lo hubiera hecho para Helloween hubiera sonado completamente distinto.

A: Después de tus discos en solitario vino Supared, y nuevo cambio de sonido
MK: Es mi forma de ser, no me repito, no me gusta repetirme, es muy aburrido.

A: Y actualmente esta colaboración en Place Vendome, ¿se quedará simplemente en eso, en una colaboración para un disco, o tendrá continuidad?
MK: Hay otro disco de Place Vendome en proyecto, Serafino quiere que hagamos otro, en la misma línea y con la misma gente.

A: Entonces sus próximos proyectos son este segundo disco de Place Vendome y otro tuyo en solitario, ¿no?
MK: Lo siguiente que haré será primero mi disco en solitario, y luego lo segundo de Place Vendome.

A: Una curiosidad, ¿cuánto tiempo llevas sin actuar en directo?
MK: Hace que no piso un escenario desde hace casi trece años, fue en 1993.

A: ¿No lo echas de menos?
MK: Estoy empezando a echarlo de menos. Pero no del mismo modo que hace años, que nadie espere que vuelva a ser el típico frontman de hard rock con las poses y demás como era antes, he cambiado y también mi forma de actuar. Sigue siendo excitante actuar delante de la gente. El disco es una cosa, pero el directo es realmente algo vivo. Y me gustaría hacerlo de nuevo con mi música, y con los músicos adecuados y con gente que realmente aprecie lo que haga en ese momento, quizá gente nueva que le interese lo nuevo que esté haciendo.

A: Para ir terminando, la pregunta inevitable, ¿Qué piensas de que Helloween hayan titulado “Keeper of the Seven Keys – The Legacy” a su nuevo disco?
MK: No lo he escuchado. Y sobre el título, bueno, es su decisión, han hecho lo que han creído oportuno y yo no tengo que decirles a los músicos lo que tienen que hacer. Pero los “Keeper” fueron hechos por cinco personas, ahora tres ya no estamos, fuimos los que creamos ese sonido y ahora Helloween son otra gente; aunque hubieran tratado de utilizarme como reclamo, yo nunca lo hubiera hecho. Creo que si es gente nueva, debería hacer algo nuevo, por mucho que quieran nunca va a ser lo que hicimos los cinco con los primeros “Keeper”. Cuando una banda hace algo así, mirando dieciséis años atrás es que algo falla, y que falta creatividad; deberían seguir evolucionando, parece que ya no tienen hambre. Ni siquiera la producción puede ser la misma que la de entonces, nunca sonará igual

A: Quizá hayan usado el título de manera comercial para atraer a los fans
MK: Es la única explicación que le encuentro, quizá hayan tratado de llamar la atención de parte del mercado. No es la misma banda. Si yo hiciera algo junto a Kai Hansen, seguramente sonaría mucho más a los “Keeper”, alguien que ha compuesto “Future World”, “I Want Out”, “Save Us”... no tendría ninguna dificultad para volver hacer algo así, estaríamos el compositor principal y guitarrista y el cantante, creo que no habría duda sobre la posibilidad de conseguir ese sonido, no tendríamos ningún problema para hacerlo, sonaría mucho más a Helloween; pero creo que no sería real, no sería honesto. Por lo demás Kai y yo seguimos siendo buenos amigos, también Roland y Markus con el que estuve hace un par de semanas; con el que no he vuelto a tratar y con el que las cosas no fueron tan bien ha sido con Weiki. Si hiciera alguna vez algo así desde luego no sería un mal disco, ni algo rancio, tendría que ser algo fresco.

A: Después de esto creo que hay poco que añadir
MK: Sólo decir a los fans, sobre todo a lo metaleros, que sean abiertos a la música, que no se encasillen. Libertad musical, si algo no os gusta simplemente no lo critiquéis, pasar de ello, a mí no me gusta el jazz, no gusta el jazz y no lo critico. Ante todo tener la mente abierta.

A: Muchas gracias por tu tiempo
MK: Nos vemos, adiós

Mariano Palomo

ENTREVISTA JORN LANDE

2005-09-28T11:23:00.000+02:00

Sin duda una de las mejores voces del panorama hard rockero y metalero mundial es la de Jorn Lande. Y la verdad es que además de ser un gran cantante, nos demostró en esta extensa charla ser un gran comunicador y uno de los músicos más inquietos y habladores con los que hemos estado hablando últimamente. En casi una hora de charla dimos un buen repaso por toda su trayectoria, su más rabiosa actualidad y sus numerosos proyectos futuros. Yo que vosotros no perdería detalle.

ALIANZA: Antes de nada, ¿cómo se da la posibilidad de grabar este gran disco, “The Battle” junto a Russel Allen?
JORN LANDE: Recibí una llamada de mi compañía, Frontiers, preguntándome si estaría abierto a participar en una colaboración junto a otro cantante, y básicamente ese fue el principio. Empezamos a trabajar en el proyecto y Russel es uno de los pocos vocalistas que actualmente posee esas cualidades de voz melódica y potente para poder llevar a cabo este disco juntos. Creo que era la elección lógica, ya que encajamos perfectamente, y en las nuevas generaciones no conozco demasiados vocalistas que puedan tener las cualidades necesarias para poder afrontar un proyecto de estas características. Hay muchos dentro del metal extremo, muy agresivos, pero sin tanta capacidad melódica, tienen voces muy agudas, pero no tienen tanto sentimiento. Quizá Russell y yo estamos en el medio, con la fuerza y energía suficientes, pero también con la melodía necesaria en nuestras voces. Realmente es con lo que hemos crecido, escuchando cosas clásicas, como Ronnie James Dio, David Coverdale, Brian Connelly, Paul Rodgers, Freddie Mercury, y cosas así. Realmente me siento mucho más identificado con el rock británico, me ha influenciado mucho más en mi desarrollo musical, no solamente dentro del hard rock, o el blues, también dentro de otras áreas; muy buenas bandas han salido del Reino Unido, y han sido un punto de referencia, y aunque en la escena escandinava las bandas más duras son las que han dominado, haciendo una visión general de la música en la historia, las bandas británicas son las que más han influido, en todos los estilos, y a mí particularmente dentro del hard rock que es donde estoy. Pero también hay bandas americanas de A.O.R. como Kansas, Styx, Journey, Foreigner, que me han influenciado, y otras con elementos progresivos, y sobre todos por sus grandes voces melódicas. Ahora tengo mi propia carrera, este nuevo disco “The Battle”, pero siempre me han inspirado. A pesar de la época de dominio del grunge y el metal extremo en los 90, había cosas interesantes como Guns n’ Roses o Alice In Chains, que estaban a medio camino, pero no acaban de llenarme, eran demasiado sleazy para mi, prefiero cosas más elaboradas y más grandiosas, o con toques de blues, tienen que ser algo más que puro rock’n’roll, aunque sigan teniendo su esencia.

A: Volvemos al disco, que te enrollas, ¿El álbum es un proyecto de Magnus Karlsson, o tenéis todos la misma participación?
JL: El álbum es de todos (risas), pero todo comenzó con la idea de Serafino Perugino, el presidente de Frontiers, el no es sólo el jefe la compañía, es un auténtico apasionado de la música, y él conocía mi trabajo anterior, había escuchado algunos ideas de temas que no entraron en los discos, y Magnus era un buen contacto para poder arreglarlos y componerlos. Y la verdad es conseguimos juntar unos buenos ingredientes, con un buen grupo de gente, con el mismo objetivo, y lo que pasó es que este disco fue como una especie de traje a medida, y pusimos toda nuestra atención en él, con alguna cosa de uno por aquí, otra de otro por allí y llegando al resultado final, colaborando todos. Lo que está claro es que no hubiera aceptado seguir con esta colaboración si no hubiera sentido nada al hacerla. He sentido un gran placer al tener la posibilidad de llevar a cabo estos temas, con ese aire A.O.R. de las bandas con las que crecí pero con la producción y el sonido actuales, algo que hubiera sido muy complicado hacer de otra manera. Realmente creo que el disco no es revolucionario dentro de la historia del rock, pero sí puede serlo dentro de la escena actual. “The Battle” no es una batalla entre dos cantantes, ni mucho menos, el concepto gira en torno a la batalla de la vida, como salimos adelante cotidianamente, como hay que levantarse cuando tienes un problema, y en cualquier caso tienes que buscarte la vida diariamente y encontrar tu propio camino. Las letras no tienen nada de mitológico o de fantástico, son reales como la vida misma.

A: No es la primera vez que participas en discos haciendo duetos, ya lo hiciste por ejemplo en la ópera rock “Nostradamus” de Nikolo Kotzev, ¿te sientes cómodo compartiendo tu voz con otras?
JL: Sí, es algo que gusta bastante. Además este disco me encanta, y lo que más me gustó fue poder cantar con Joe Lynn Turner, me parece un excelente vocalista, y es otro con los crecí. Me acuerdo cuando salió el “Straight Between The Eyes” de Rainbow me impactó muchísimo, aunque parece que actualmente ese disco está algo infravalorado y se habla sólo de la época con Dio del “Long Live Rock’n’Roll” o “Rising”, por supuesto esos discos son fantásticos con temas como “Tarot Woman” o “Stargazer”, pero creo que los discos con Joe Lynn Turner son igual de genuinos, discos como “Difficult To Cure”, “Straight Between The Eyes” e incluso “Bent Out Of Shape” es un gran disco. Así que Joe Lynn Turner siempre me ha parecido tan brillante que cuando tuve la posibilidad de cantar con él me tocó el corazón. Además sigue manteniendo una actitud muy rockera y poder trabajar con él fue algo muy especial para mí. Por ejemplo no tuve el mismo rollo con Glenn Hughes, no pude coincidir con él, me encantaría hacer algo en el futuro, pero tendría que ser algo muy clásico, muy a lo Purple, y espero poder hacerlo en algún momento. Por supuesto me parece un gran cantante, pero no me llenan tanto sus discos como otros, son buenos, pero al final me quedo con tres o cuatro canciones de cada uno y se me hacen un poco planos, por ejemplo “Dance With The Devil” de Phenomena me encanta.

A: Y en concreto en “The Battle”, ¿cómo te has sentido cantando con Russel?
JL: Ha sido muy fácil. Me encanta su nuevo disco en solitario “Atomic Soul”, hay un tema que se llama “Voodoo Han” que es buenísimo, todos los temas son buenos, pero ese especialmente. Creo que es un gran cantante, y ha sido muy valiente haciendo un disco así, alejado de lo que la gente pudiera esperar conociéndole sólo de Symphony X, sonando a soul, a blues y rock setentero, es realmente arriesgado, pero creo que ha hecho un gran trabajo y que es algo bueno para él y para la música, recuperando el feeling. Creo que es un soplo de aire fresco en el mercado. Y en nuestro disco, “The Battle”, hemos tratado de combinar buenas melodías, compartiendo las partes apropiadas para el cantante apropiado, y creo que la voz de cada uno encaja perfectamente en cada canción.

A: Viendo el reparto de temas en el álbum, cantáis cada uno en tres temas y los dos juntos en los seis restantes, ¿esto ha sido por algún tipo de acuerdo para que cantarais los dos lo mismo?
JL: Lo estuvimos hablando tras escuchar el material en demo, y vimos los temas que eran más apropiados para la voz de cada uno y como nos sentíamos más a gusto haciéndolos y creo que eso es lo que se refleja en el disco, y también en los temas compartidos, creo que hemos podido hacer los dos que tuviera sentimiento. Algunos tienen mi identidad, otros la suya, pero creo que además hay partes en las que las voces son bastante parecidas. Creo que está bien que la gente pueda decidir que voz le gusta más, o que tema, los de Russel o los míos, está bien es una especie de juego para la gente.

A: Hay temas en los que es muy complicado distinguiros
JL: Creo que en este disco muy voz es un poco más alta y más melódica, hay gente que dice que le recuerdo a Steve Walsh (Kansas) quizá utilice alguno de sus elementos, mientras que Russel pone un tono algo más grave y rasgado, pero también melódico. Por ejemplo en “The Forgotten Ones” yo pongo la voz más bluessy y Russel más oscura.

A: Musicalmente el disco está más cerca de Masterplan que de Symphony X, ¿no crees?
JL: Definitivamente, sí. Pero los temas en Masterplan son algo distintos, la forma de hacerlos es más individual, cada uno por separado son grandes instrumentistas y siempre quieren dejarse ver en cada tema, Uli Kusch siempre quiere tener una gran actuación con su batería, quiere contribuir con algo especial a la música, al igual que Roland Grapow, quiere ser innovador y no quiere sonar a nada clásico anterior. Mientras que en “The Battle” los temas son más simples, y aunque quites algún detalle técnico siempre puedes tener buenas canciones. Masterplan es un grupo con cinco miembros con una fuerte identidad propia, con una fuerte personalidad, y eso es lo que hace que funcione la banda. Si fueras un batería y quisieras escuchar cosas nuevas que escucharías, Masterplan o “The Battle”, seguramente Masterplan, porque Uli Kusch ha aportado cosas nuevas en su instrumento. Creo que “The Battle” supone más por los temas en conjunto, es un concepto más colectivo, más simple.

A: ¿Va a ser posible ver a la formación de “The Battle” presentando sus temas en directo, o todo quedará como un proyecto en estudio?
JL: No se lo que pasará en el futuro. Estamos muy sorprendidos por las buenas críticas que hemos recibido, no lo se si tendremos el suficiente tiempo para prestarle la atención que se merece, pero en cualquier caso estoy abierto a cualquier posibilidad.

A: ¿Quizá ahora estés demasiado ocupado con tu próximo disco en solitario, y con el siguiente de Masterplan?
JL: Sí, estamos mirando muchas cosas, y estoy bastante liado, pero veremos si en el futuro podemos hacer más cosas juntos o no. De momento creo que no podemos hacerlo en directo, no tenemos suficiente material, creo que deberíamos tener un par de discos más para poder tocar en directo.

A: Hablando de tus otros múltiples proyectos, estas participando en la tercera parte de “Genius” la ópera rock de Daniele Liverani, ¿no es así?
JL: Sí es cierto, he hecho tres temas para el disco, y espero poder escucharlo entero cuanto antes. Es algo que me gusta bastante, es hard rock, con otros músicos, siempre está bien.

A: Se nota que te gusta, no es en la primera ópera rock que participas
JL: Sí y me han llamado varios músicos para hacer más. Además Nikolo Kotzev me ha vuelto a ofrecer volver a colaborar con el en su próximo proyecto parecido a Nostradamus. Es bueno estar ocupado y aparecer en otros proyectos, mientras llega mi nuevo disco en solitario y el nuevo de Masterplan.

A: ¿Cuáles son los próximos proyectos para Masterplan?
JL: Lo primero estamos planeando escribir nuevos temas para el disco, luego tenemos un montón de material grabado, más de cincuenta horas, para poder hacer un DVD, hay cosas recogidas en todos los formatos y con distinta calidad, así que habrá que seleccionar cuidadosamente, así que no creo que veáis publicado nada en DVD antes de final de año.

A: ¿Y cuándo saldrá el nuevo disco de Masterplan?
JL: A principios o mediados del año que viene.

A: ¿En el tiempo que estéis componiendo y grabando el nuevo material pararéis de tocar en directo?
JL: Es algo que todavía no tenemos claro y que estamos hablando, por ahora tenemos una actuación en Noruega, la última en principio de este año, pero nos gustaría tocar algo de material nuevo para ver como suena en directo antes de grabarlo. De todas maneras los chicos vienen mañana a Noruega y estaremos unos cuantos días juntos planificándolo todo.

A: Cambiando de tema, la primera vez que tocaste en España fue en una gira con Millenium junto a Ten, ¿Qué recuerdas de aquellas fechas en nuestro país?
JL: Oh, recuerdo un gran público, muy entregado, algo que me parecía increíble. Es uno de los pocos sitios donde la gente sigue siendo tan entregada, como en Sudamérica, Japón y un par de países del este como Eslovaquia y Bulgaria. Nos tratan siempre realmente bien, tanto musical como personalmente, sin duda es uno de mis sitios favoritos para tocar.

A: Hablando de Millenium, ¿mantienes contacto con Ralph Santolla?
JL: Hace un tiempo que no hablo con él, pero solemos estar en contacto. Somos buenos amigos y todo va bien entre nosotros, ahora él está con sus cosas y yo con las mías. Pero hay un océano por medio y es complicado, y me encantaría volver a su casa en Tampa, es un sitio maravilloso, siempre hace sol y seguro que si me tuviera que mudar a algún sitio Florida sería uno de los elegidos, es muy buen sitio, menos por los huracanes, ahora no es muy buen momento para ir por allí. De todas maneras estoy deseando volver y poder ver otra vez a Ralph.

A: Y sobre tus otros proyectos anteriores, empecemos por el principio, con Vagabond, ¿está totalmente inactivo hace tiempo, no es así?
JL: Sí, Vagabond supuso el principio de mi carrera grabando discos, con dos buenos discos, era joven y estaba experimentando, ahora los escucho y veo lo mucho que aprendí con gente como Ronnie LeTekro y el resto de la banda. En ese momento estaba bastante inspirado y a partir de ahí encontré lo que quería hacer en el futuro, y quería ser capaz de tener libertad para crear como cantante y apoyarme en buenos músicos y poder crecer, crear mi propia expresión, tener mis propias melodías. Fue un buen proceso de aprendizaje.

A: Después de Vagabond, vino ¿The Snakes?
JL: Sí, eso fue lo siguiente

A: ¿Cómo te sentiste tocando con dos grandes clásicos de la guitarra como Mickey Moody y Bernie Marsden?
JL: Son grandes músicos, y todos los del grupo y tenían un gran estatus dentro del rock, eran auténticos músicos de rock. Pero yo quería desarrollarme con mi propia carrera, y estuve muy bien con ellos, pero veía que me podía estancar haciendo siempre lo mismo, que además no era mío. Pero tuvimos grandes momentos, con grandes shows, lo pasamos realmente bien. De todas maneras yo tenía un montón de cosas por hacer. Y en muchos sitios nos llamaban Whitesnake, era lo que la gente conocía y los temas que hacíamos, y en alguna ocasión fue un problema porque la gente en cierto modo se sentía engañada por algún promotor espabilado que nos anunciaba como Whitesnake, y luego cuando llegaba al local del concierto no veía a Coverdale y me veía a mí se llevaba una sorpresa (risas). Llegamos a tocar en algunos festivales para miles y miles de personas, treinta o cuarenta mil en algún caso, y yo me decía, guau, ¿realmente me está pasando esto a mí? Sin duda éramos una banda brillante. Pero llegó un momento en el que yo quería involucrarme más en la banda a nivel compositivo, pero no podía ser, era una estructura muy rígida, y no era cuestión de quedarse sólo por el dinero, afortunadamente tenía muchas más cosas que hacer y sobre todo quería seguir desarrollando mi carrera. Incluso cuando grabamos “Once Bitten” pensé que podía ser el principio de algo realmente grande, tuvimos ofertas para tocar en Estados Unidos como teloneros de Poison o de Motley Crue, no recuerdo exactamente, pero el resto de la banda no estaba dispuesta a girar como teloneros de ese tipo de bandas y no les atraía demasiado la idea de tocar en América en esas condiciones; como puedes imaginar en esa época yo estaba realmente hambriento, tenía ganas de hacer muchas cosas y para mi fue una desilusión no hacer aquella gira. Yo estaba empezando y ellos ya estaban totalmente de vuelta, habían ganado todo el dinero que tenían que ganar y no necesitaban crecer mucho más. Son dos formas de distintas de ver las cosas y dos situaciones diferentes ,simplemente, y por eso no volvió a funcionar desde entonces. Nunca me han faltado ofertas, afortunadamente, con todos los contactos que hecho a lo largo de todo este tiempo, en diferentes grupos, con diferentes managers y compañías, siempre he tenido algo que hacer, y por eso me gusta estar en tantos proyectos. Siempre me ha gustado tener más de una opción, no me gusta acomodarme en algo que pueda ser para siempre, creo que todo tiene su momento y todo se acaba. La gente sigue diferentes direcciones, y en cualquier caso siempre ha acabo amigablemente con toda la gente con la que he compartido grupo.

A: ¿También con Yngwie Malmsteen tuviste una buena relación?
JL: Con él apenas compartí un par de giras, y sí, te puedo asegurar que no es la persona más sencilla con la que trabajar del mundo. Esa una rock star, en todo la extensión de la palabra, y yo no tengo ese mismo ego, quizá musicalmente sí, pero como persona cuando acabo mi trabajo como músico intento que no tenga nada que ver en mis relaciones fuera de la música, Yngwie no era capaz de diferenciar el trato como músico y el trato personal. Y además para mi es importante estar en una banda en la que todo el mundo se sienta bien y todo el mundo se sienta importante, pero con Yngwie esto era realmente difícil, sólo se preocupaba de ser constantemente en el centro de atención, y esa no es mi forma de ver el funcionamiento de un grupo. Porque además he estado en muchos que han funcionado perfectamente sin necesidad de buscar esa notoriedad personal y trabajando unidos al mismo nivel se han conseguido grandes cosas, y cuando todo el mundo se siente bien normalmente se consiguen buenos resultados. Simplemente creo que vengo de una escuela distinta a la de Yngwie y tenemos valores distintos. No creo que lo importante sea ser una rock star, simplemente tener tus sueños y poder desarrollarlos y que se hagan realidad.

A: Para ir terminando, creo que estás trabajando en tu próximo álbum en solitario, que se llamará “The Duke”, ¿qué nos puedes contar de él?
JL: El batería será Willy Bendiksen que tocó en los Snakes, es un batería muy de la vieja escuela a lo Cozzy Powell, Vinnie Appice, Bill Ward, es un gran batería y en tres o cuatro canciones estará el batería que tuve en mi anterior disco “Out To Every Nation”, pero la mayoría está tocado por Willy. Ahora tengo dos guitarristas, Tore Moren, que tocó en “Worldchaser” mi penúltimo disco hasta ahora, junto a Viggo Lofstad que tocó en “Out To Everynation”, así que en está ocasión habrá una formación clásica dos guitarras distintos, Tore es más heavy, más agresivo, más cañero a lo Zakk Wilde o Randy Rohads, y Mr. Lofstad es más técnico, más limpio, más perfeccionista de la escuela Vai, Satriani, así que juntos son perfectos y se complementan muy bien. Y al bajo tengo a Morty Black, ex de TNT, así que creo que tengo unos muy buenos músicos para hacer conciertos en directo, y espero poder hacer unos cuantos bolos el próximo año con ellos, y creo que no podría tener mejor formación para poder hacerlo que esta. Será complicado, pero lo intentaré. Y en cuanto a las canciones son bastante distintas a lo que hago con Masterplan, los temas en conjunto están por encima de los instrumentistas, y suenan a hard rock clásico melódico. Y esto es lo que quiero hacer, tirar en distintas direcciones y encontrar cosas distintas, siempre que tenga tiempo y gente con quien hacerlo, con buenas canciones que conecten con la gente cuando las toquemos en directo.

A: ¿Cuándo saldrá el disco, “The Duke”?
JL: A principios del año que viene, en febrero

A: Jorn, ha sido un placer, si quieres añadir algo más
JL: Me encanta España, me encantan los fans, y sobre todo las fans españolas, creo que es uno de los mejores sitios del mundo, siempre estáis encendidos y a mi me gusta el fuego (risas), me encanta vuestra cultura, vuestro clima, todo. Estoy deseando volver por allí. Gracias por vuestro apoyo.

Mariano Palomo

ENTREVISTA HELLOWEEN

2005-09-16T10:38:00.000+02:00

Y para cerrar el tour de entrevistas del siete de septiembre, nos desplazamos a las oficinas de Mastertrax para encontrarnos con Michael Weikath, guitarrista y uno de los dos miembros originales que aun permanece en la banda de la calabaza. No pudimos extendernos todo lo que nos hubiera gustado por el retraso acumulado (gracias entre otras cosas al eterno atasco de la capital provocado por las innumerables obras que nos rodean; el día que encuentren el tesoro...) y por la apretada agenda de Michael y Andy Deris que también estaba por allí. En fin, aun así pudimos cambiar alguna que otra impresión a cerca de su próximo y esperado trabajo bajo la custodia del Guardián de las siete llaves.

ALIANZA: La primera cuestión es obvia, ¿Por qué sacáis ahora este “Keeper Of The Seven Keys – The Legacy”? (había que ir directos al grano, no andábamos muy sobrados de tiempo)
MICHAEL WEIKATH: Desde que Andy entró en la banda no han parado de proponérnoslo, los periodistas, las compañías, los fans, todos querían que volviéramos a tocar “Keeper Of The Seven Keys”, y la verdad es que es algo curioso, porque “Master of the Rings” y “Time Of The Oath” suenan bastante más a los “Keeper” que lo que hicimos después de estos. En cualquier caso había que esperar un tiempo para recuperar la grabación de un disco como “Keeper” y a tener a la gente apropiada en la banda para ello. Porque con Roland (Grapow) y Uli (Kusch) era más complicado, ellos querían hacer otro tipo de sonido, más oscuro y pesado, y así salieron álbumes como “The Dark Ride”, con el que ya ha dicho que no me siento satisfecho, y eso se notó en la relación en la banda, y así era muy difícil recuperar el sonido de los “Keeper”. Ahora en el sonido de guitarras Sascha y yo nos complementamos muy bien, algo diferente a lo que me pasaba con Roland, Sascha es más claro tocando. Es algo que pasa, y por eso no podía entender el sonido de “The Dark Ride” en un grupo como Helloween que siempre ha tenido un sonido tan claro, y que en ese disco sonó tan espeso y condensado, no era algo natural. Yo intento seguir mi propio instinto para hacer las cosas como me salen de dentro, no que alguien tenga que guiarme o decirme como hacerlas. Y ahora era el momento de volver al sonido característico de Helloween, y lo hemos decidido porque en la pasada gira tocamos el tema “Keeper of the Seven Keys”, teníamos nuestras dudas de cómo iba a resultar, pero Andy pensó que podía funcionar bien y así fue, se encontró muy a gusto y a la gente le gusto, así que comprendimos que este era el momento de recuperarlo definitivamente.

A: ¿Crees que habéis sido capaces de recoger el espíritu de los dos primeros “Keeper” en esta tercera entrega?
MW: Creo que sí, porque aunque no seamos los mismos de entonces, como ya he dicho antes Andy se sintió muy bien y Sascha también le cogió perfectamente y ha escrito algunas de las estructuras musicales para este álbum. Y evidentemente todo el mundo que ha compuesto para este disco ha tratado de hacerlo lo mejor posible desde el primer momento, con temas más largos, con otros más directos y pegadizos, hay muchas similitudes con los dos primeros “Keeper”, hay gente que nos ha dicho que el primer single “Mrs. God” le suena bastante parecido a “Dr. Stein”; creo que sí que hemos recuperado la atmósfera y el espíritu de entonces, pero con la producción y los medios del 2005, y eso también se nota en el disco, no puede sonar exactamente igual que hace tantos años; hay toques más progresivos, hemos utilizado tempos muy altos, por ejemplo en “Silent Rain” Stefan Schwartzman tenía muchas dificultades con ese tempo, y no queríamos presionarle en esas partes y había que buscar ayuda en el estudio para él, y cuando Dani tocó sus partes en el estudio quedamos muy contentos con el resultado; así que era mejor no forzar a Stefan en directo, ya que iba a tener muchas dificultades con esas partes y decidimos que Dani entrara definitivamente en la banda, es un batería realmente bueno, muy enérgico, y tiene esa pegada parecida a la que tenía Ingo, lo que hace que sea otro punto en común con los primeros “Keeper”.

A: ¿Y en cuanto a las letras también son parecidas a las de los primeros “Keeper”?
MW: La verdad es que en este aspecto la conexión entre el “Keeper 1” y el “Keeper 2” sólo venía con los temas “Halloween” y “Keeper Of The Seven Keys” que trataban sobre la llave de la codicia; sobre la continua búsqueda por parte del mal de esa llave, que se manifiesta de muchas formas, con ideas que se venden a través de religiones y otras historias que hacen creer a la gente que es lo único que tienen a que aferrarse y que luego simplemente los utilizan para conseguir poder sin importarles las aberraciones que se puedan hacer en su nombre ni el bien estar de sus fieles. Es una tentación que siempre está acechando para reclutar a la gente y llevarla a su bando prometiéndoles cosas que jamás tendrán y que les hace hacer animaladas como los atentados.
A: ¿Cómo os encontráis ahora mismo como banda?
MW: Estoy realmente contento, Dani se ha acoplado perfectamente y creo que tenemos un espíritu muy positivo y todo esta saliendo de forma muy natural. Nunca se sabe que va a pasar en el futuro, pero espero que no tengamos tantas discusiones como tuvimos en el pasado y que podamos hacer algo bueno entre todos, que no nos vuelva a pasar otro “Dark Ride” (n.r.: definitivamente el disco en cuestión no le hace ninguna gracia). La primera formación de Helloween era fantástica, lo pasamos realmente bien y creamos una atmósfera que estamos intentando recuperar ahora. Pero somos gente diferente y seguro que van a salir cosas diferentes, todo el mundo quiere exponer sus ideas y llevarlas a la práctica, y quizá las cosas no salgan a la primera ni a la segunda, pero creo que al final salen y estamos en el buen camino. Definitivamente creo que hemos hecho un gran disco y que los fans lo van a disfrutar como hacía mucho tiempo que no disfrutaban un disco de Helloween.

A: En el disco hay una colaboración, la de la cantante Candice Night en el tema “Light The Universe”, ¿cómo surge esta colaboración y este tema?
MW: Todo viene porque Andy trajo una demo con un tema de una amiga suya austriaca, Gabriela, nos gustó el tema y lo grabamos sólo con la voz de Andy: Markus propuso conservar la idea de la voz femenina y empezamos a pensar en quien podría hacerlo, y de alguna manera surgió el nombre de Candice Night, y no tuvimos ningún problema, porque también está en SPV, nuestra misma compañía.

A: ¿No hubo ningún problema con Ritchie Blackmore?
MW: No, en ningún momento. Además Blackmore después de la gira del “Master Of The Rings” estaba interesado en que Andy entrara como cantante en Rainbow y le hizo una oferta, pero por falta de tiempo y por otras cosas la historia no cuajó. Pero sí, Blackmore podía haber dicho, no de ninguna manera Candice va poner la voz en otro lado, pero no fue el caso y todo salió bien.

A: ¿Hay alguna posibilidad de que Helloween colaboren alguna vez con Blackmore’s Night?
MW: No se, ahora mismo no tengo ni idea. Pero para cosas acústicas Sascha lo puede hacer muy bien, es mejor guitarrista que yo, yo soy muy limitado, solo se tocar eléctrico y fuerte. Pero, que os voy a decir, Mr. Blackmore es muy bueno pellizcando la guitarra, yo soy más simple más rockero, pero sí Sascha si podría hacerlo bien.

A: Una cosa que nos ha llamado la atención de este nuevo lanzamiento, es ¿por qué hacerlo en dos discos como un lanzamiento doble y no sencillo?
MW: Porque tenemos mucho tiempo de grabación, casi ochenta minutos, y en la fábrica para prensar los discos sólo nos garantizaban hasta cincuenta y nueve minutos; y como ese era el material que teníamos y queríamos sacarlo todo decidimos hacerlo en dos discos, aunque lo podíamos haber hecho en uno, pero sin garantizar la misma calidad. Además teníamos ya hechos temas que duraban hasta los sesenta y cinco minutos y nos quedaba otro de casi catorce “The King Of A Mil Years” y queríamos meterlo porque era un tema largo típico Helloween y estaba en el concepto “Keeper”, aunque ya había otro de más de once minutos “Ocassion Avenue”; además meter dos temas tan largos en un solo CD normalmente no funciona bien, así que fue otra de las razones por la que decidimos sacarlo en dos discos. Habrá que hacer algo con la compañía, sacar los dos CDs a precio sencillo, se lo propusimos a SPV y creo que lo harán.

A: A lo largo de vuestra carrera habéis sacado muchos singles, EPs, caras B, y en este mismo primer single ya incluís dos temas inéditos, ¿cuántos temas habéis hecho para este disco?
MW: Sí, los dos temas extras son “Revolution” y “Heart Attack”, uno irá como tema extra en la edición europea y el otro en la japonesa. No se cuantas cosas hemos grabado ahora, pero siempre hay algún solo, alguna versión o alguna cosa que la compañía rechaza para el disco, pero que luego si pueden ir en EPs, singles o “caras B”. Es una buena forma de que la gente se compre el single, encontrando algo que no puede obtener de otra forma, sólo en ese formato y además es algo atractivo para los fans; es muy poco interesante sacar un single con uno o dos temas que también aparecen en el CD completo, no tiene demasiado sentido. Además el hecho de hacer algún tema, una versión o algo diferente para las caras B es un reto y te obliga a esforzarte por buscar algo original que quizá no cuadre en un CD completo que es muy interesante para este tipo de formato menor.

A: Hablando de vuestra gira, estaréis tocando por Europa con Primal Fear, pero no en España, ¿por qué?
MW: No lo se, ¿Primal Fear no va a venir a España?

A: De momento con vosotros no
MW: No tenía ni idea, en principio es sólo para veinte conciertos, seguramente ellos tengan otras obligaciones, creía que también iban a venir a España.

A: Primal Fear aparte, ¿Qué podemos esperar de los shows de Helloween en esta gira?
MW: Intentaremos hacer mucho material “Keeper”, con los temas largos “Halloween”, “Keeper Of The Seven Keys”, “The King For The 1000 Years”, “Ocassion Avenue”, tenemos un montón de temas para tocar, y esperamos llevar buenos telones, buenas luces y hacer un buen montaje, con una buena producción, con trailers y demás, aunque eso es algo que estamos preparando ahora y aun no está terminado del todo, todavía estamos buscando ideas. Y los temas tienen que lo que los fans esperan de un concierto de Helloween, con los clásicos que quieren oír además de los largos, desde “Ride The Sky” hasta “I Want Out”.

A: Muchas gracias por tu amabilidad, y por aguantarnos a pesar de tu cansancio.
MW: Muchas gracias a vosotros por venir.

Mariano Palomo / Carlos Treviño

ENTREVISTA UDO DIRKSCHNEIDER

2005-09-15T11:49:00.000+02:00

Segundo plato de la tarde en cuanto entrevistas se refería el pasado día siete. Y no era un plato cualquiera, más bien todo lo contrario, un auténtico plato fuerte compartiendo un buen rato con uno de los personajes más carismáticos, influyentes y queridos de la escena metálica europea, el pequeño gran vocalista alemán Udo Dirkschneider que venía a presentarnos su nueva obra “Mission NºX” y a comentarnos unas cuantas y sabrosas cuestiones sobre la reunión de Accept.

ALIANZA: Vamos a empezar hablando un poco del proceso de grabación de vuestro nuevo trabajo “Mission NºX”, ¿en cuanto tiempo lo habéis grabado?, ¿habéis quedado satisfechos con el resultado?
UDO: Lo empezamos a grabar en octubre de 2004 y acabamos en marzo de 2005, lo que hace un total de seis meses, y el resultado ha sido muy satisfactorio; creo que ha quedado un álbum muy claro, muy directo, ya que lo grabamos justo después de la gira alemana de “Thunderball” y no tuvimos mucho tiempo para quitarnos la inercia del directo y creo que este es uno de los puntos fuertes del disco.

A: ¿Qué podrías destacar de este nuevo trabajo respecto a los anteriores de U.D.O.?
UDO: Tiene temas nuevos (risas), En serio, creo es más rockero, que se parece más a los discos directos del principio de U.D.O., “Animal House”, “Mean Machine”, “Faceless World“ o “Timebomb”, creo que más crudo, no hemos tenido demasiado tiempo para pensar en los temas del disco, y cuando piensas demasiado las cosas se pulen demasiado y no salen tan frescas, como nos pasó en “Thunderbolt”, está demasiado pulido, le falta feeling.

A: El hecho de publicar un EP de adelanto como “24/7”, ¿a qué se debe, es un aperitivo para los fans, una manera de sacar temas que quedaron fuera del disco, o una imposición de la compañía?
UDO: Realmente fue una manera definitiva de decirle a la gente que no iba a haber reunión de Accept, que U.D.O. seguía adelante, y además fue una manera de promocionarlo durante la gira de Accept, y también era uno de los puntos del acuerdo con Accept.

A: En la copia promocional aparecen resaltadas algunas canciones como las mejores, las recomendadas, ¿qué te parece que la compañía resalte algunos temas sobre el resto?
UDO: Déjame verlo, a ver, “24/7” definitivamente es una de las mejores del disco y una de las mejores que ha hecho nunca U.D.O., el resto esta bien resaltado, aunque quizá elegiría otras, pero es el gusto de la compañía de discos. Pero de todas maneras con “24/7” acertaron al sacarla como single, ya que entró en los primeros puestos de las listas de ventas en Alemania, así que por ahí no se les puede decir nada.

A: A mí me ha llamado mucho la atención “Cry Soldier Cry”, y no aparece resaltado
UDO: La verdad es que no se por qué, habrá que preguntar a la compañía (risas), pero si tuviera que elegir yo resaltaría “24/7”, “Mean Streets”, “Cry Soldier Cry” y “Mad For Crazy”. Pero centrándonos en “Cry Soldier Cry”, creo que destaca sobre todo por la letra, es una de las mejores letras que escrito nunca; es una canción contra la guerra y creo que está muy lograda.

A: ¿Y de que tratan en general las letras del disco?
UDO: Voy cogiendo ideas que me van llegando, las llevo a una letra y luego las juntamos con la música. Cuando lo tengo sobre el papel empiezo a cantar las posibles melodías que podrían cuadrar con la letra. Algo que ha sido una novedad, ya que en los discos anteriores hacíamos primero la música y luego le adaptábamos la letra a los temas, pero ahora es al revés, primero la letra y la melodía y luego la instrumentación. Creo que el resultado ha sido positivo. Y en general las letras básicamente hablan de la música, con algún matiz como ya he comentado en “Cry Soldier Cry” o en “Eye Of The Eagle” que trata de que hay que estar alerta con lo que nos rodea, y parecido en “Shell Shock Fever” que habla de la gente loca que hace locuras a nuestro alrededor, o por supuesto “Mean Streets” que es el tema del video y que tiene mucha carga sexual y que trata de cosas políticamente incorrectas que no se suelen tratar. Pero el tema principal es la música.

A: ¿Por qué sacas como primer single “24/7” y sin embargo el primer video clip es el de “Mean Streets”?
UDO: Es sobre todo por la letra del tema. Cuando la compañía nos propuso hacer un video no queríamos hacer el típico clip de heavy metal, con un grupo tocando y una historia paralela, queríamos que se saliera de los estereotipos clásicos de los videos de heavy metal, y el único tema del disco con una letra que nos daba esa posibilidad era “Mean Streets”, creo que va a ser algo que la gente no se espera y que va a sorprender mucho, creo que es bueno hacer algo diferente.
A: Incluso musicalmente se sale un poco de la onda de U.D.O.
UDO: Sí, un poco, a algunos les parece bien a otros no tanto, pero es una canción fantástica y había que innovar un poco. De todas maneras no es tan nuevo, sobre todo en la estructura de las estrofas se parece bastante al “Dogs On Leads” de Accept; simplemente es un poco más moderno.

A: Suponemos que estarás preparando ya la gira de presentación de este disco y que una vez más pasarás por España, ¿para cuando?
UDO: Sí, por supuesto vendremos a España, y si no me equivoco será para finales de febrero, principios de marzo del año que viene, estamos empezando a preparar las cosas, pero seguro que empezaremos la gira en Inglaterra, luego Alemania, Bélgica, Francia, sí, creo que para finales de febrero estaremos tocando por aquí.

A: ¿Qué tal han resultado los conciertos con Accept?, ¿hay posibilidades de continuidad o se va quedar la cosa en estos conciertos de verano?
UDO: Antes de nada, ¡NO!, no hay posibilidad de continuidad en la reunión de Accept. Aunque los conciertos fueron muy divertidos, sin ninguna presión, tocamos todos los clásicos ochenteros del grupo, creo que los conciertos salieron muy bien y que la gente disfruto mucho; pero ¡No hay reunión!

A: ¿Qué sensaciones diferentes te produce tocar con Accept o con U.D.O.?
UDO: Para mí volver a tocar con Accept a sigo algo muy interesante, ha sido algo con mucho sentimiento, y como he dicho antes muy divertido. Pero definitivamente mi corazón está con U.D.O., para mí U.D.O. es más Accept de lo que fue Accept tras la reunión de 1993. Además he tenido la opinión de muchos periodistas que me han dicho que los conciertos de Accept han estado muy bien, pero U.D.O. ahora mismo es algo mucho más fuerte, no son mis palabras. Mi prioridad absoluta es U.D.O.

A: El año pasado Doro estuvo por aquí promocionando su álbum “Classic Diamonds” y comentó que fue un placer para ella grabar junto a ti la versión de “Breaking The Law” de Judas Priest, ¿cómo recuerdas esa experiencia?
UDO: Ya hicimos juntos un tema en el álbum “Man And Machine”, “Dancing With An Angel”; pero sobre este tema la cosa vino porque Doro estaba grabando un álbum con una orquesta y me llamó por si estaba interesado en hacer la versión de”Breaking The Law” con ella, y claro, conozco a Doro desde antes de que estuviera en Warlock, hace un montón de tiempo, tenía tiempo y me acerqué al estudio a grabarlo con ella.

A: Una pregunta más, general. Después de tantos años en la escena del heavy metal, ¿cómo ves su salud actualmente, por qué crees que hay tantas reuniones de grupos clásicos, como Judas Priest, no hay nuevos grupos capaces de coger el relevo?
UDO: La gente que vuelve para reunirse es por dinero, para la reunión de Accept tuvieron que ofrecernos un montón de dinero, Twisted Sister se han reunido seguro por dinero, lo se (risas). Por supuesto es lícito, y puedes ganar dinero con ello, además los fans quieren volver a ver a aquellas bandas, pero hay que procurar hacerlo bien y dando todo el sentimiento para que los fans queden satisfechos. Además la gente le gusta, siempre que vamos a los sitios donde tocamos siguen estando los viejos fans de siempre y en los grandes festivales, como en el Metalway ahí estaban disfrutando con nosotros, con Saxon o con Motorhead. En cualquier caso a buenas bandas nuevas, muy buenas bandas nuevas, pero quizá muy pocas tienen la personalidad y el magnetismo que tenían las formaciones clásicas como Iron Maiden, Ozzy Osbourne, parece que ninguna de las nuevas bandas se va a hacer vieja en el escenario; puedes ver a alguien tan pequeño como Ronnie James Dio llenando el escenario con su sola presencia (risas)

(n.r.: le dijo la sartén al cazo).

A: ¿Qué recuerdas de tu primera venida a España para tocar con Accept en el año 84 teloneando a Iron Maiden, cuando todavía erais prácticamente desconocidos por aquí?
UDO: Iron Maiden, año 84... bufffff, no recuerdo prácticamente nada (risas); me parece que tocamos en un campo de fútbol muy pequeño, que estaba lleno y que la gente nos acogió muy bien. Lo que recuerdo seguro es que Iron Maiden llevaban un cocinero inglés y que la comida que hacía era malísima (risas). Aunque creo que ya habíamos venido antes haciendo conciertos en pequeños locales, pero no estoy seguro.

A: Volviendo a fechas más cercanas, nos gustaría que nos comentaras que te pareció vuestra actuación en particular y el festival Metalmanía de Valencia del año pasado
UDO: Tocamos muy pronto, pero de todas maneras la reacción de la gente fue muy, muy buena, y además tuve la oportunidad de volver a encontrarme con Judas Priest después de trece años y la verdad es que fue un reencuentro muy agradable.

A: Ahora tienes un nuevo batería que tendría que haberte acompañado también en la reunión de Accept, ¿cómo le descubriste y que tal su estancia hasta ahora con U.D.O.?
UDO: En principio estaba previsto que viniera de gira con Accept, pero el chico es italiano y no domina bien el inglés por lo que teníamos un problema de comunicación con el resto del grupo y decidimos buscar otro batería; llamamos a Stephan Schwartzman que ya había estado en U.D.O. y en Accept y en ese momento tenía unas fechas libres con Helloween, así que el fue el que hizo la gira de Accept. Pero Francesco Jovino, el nuevo batería, está con U.D.O. y esperamos que siga mucho tiempo, ha grabado este último disco y vendrá de gira para presentarlo, es un miembro más del grupo, además está progresando mucho con el inglés. Además en U.D.O. lo de los idiomas es una pequeña locura, el guitarrista Igor Gianola vive en Suiza, habla perfectamente francés, inglés, y ahora un bastante buen alemán, Francesco como os decía está mejorando mucho su inglés, el bajista está viviendo en Ibiza y habla español perfectamente, así que podemos hacer entrevistas casi en cualquier idioma, ¡Europa unida! (risas)

A: Para los shows en directo ¿qué prefieres, grandes recintos o locales pequeños?
UDO: Actualmente disfruto más de los clubs pequeños, el contacto con la gente es más directo, es más cercano, más rock’n’roll. Hemos estado en festivales este verano y a veces la gente está demasiado lejos y no se siente tanto su presencia, puedes notar la atmósfera, pero no es lo mismo que en los sitios pequeños.

A: Una pequeña curiosidad fuera de lo puramente musical, cuando sales a tocar con esa parafernalia militar de uniformes y demás, no temes que se te encasille como pro militarista
UDO: No, no creo que sea así. Era diferente en 1982 cuando salía un tío rubio, con los ojos claros y con esa ropa militar, algunos lo asociaron con la temática nazi, pero en absoluto tiene nada que ver. Es simplemente un forma de salir a tocar, es parte del espectáculo, no quiere decir nada más. Además ahora, si echas un vistazo a tu alrededor hasta ahora parece estar de moda la ropa de camuflaje.

A: ¿Algo más que quieras añadir?
UDO: Espero veros a todos en los conciertos del próximo año en España, y creo que deberíais compraros este nuevo CD y no os lo bajéis mucho de internet (risas)

Carlos Treviño Cobo / Mariano Palomo

ENTREVISTA SHAKRA

2005-09-13T09:10:00.000+02:00

Empezaba la locura de entrevistas del pasado 7 de septiembre en Madrid, parecía el día mundial del músico centroeuropeo en la capital de España, con hasta tres grandes grupos (U.D.O., Helloween y Shakra) representados por alguno de sus elementos . Y el que abrió la sesión fue el vocalista de los suizos Shakra, Mark Fox, en las instalaciones de Avispa nos atendió a unos cuantos medios, contándonos los detalles de su nuevo trabajo "Fall" y alguna que otra cosa más.

ALIANZA: ¿Cómo valoras las nuevas expectativas y oporunidades que se crean para Shakra al fichar por una compañía más potente como AFM tras dejar Point Music?
MARK FOX: Creo que va a ser muy positivo para la banda. De momento ya estamos aquí en España promocionando este nuevo disco, es un placer estar aquí, y tenemos más posibilidades de llegar a más gente. Además estoy deseando que llegue la fecha de nuestro concierto en Madrid con Stratovarius y Hammerfall.
A: ¿Cómo surgió la posibilidad de poder fichar por AFM y dejar Point Music?
M.F.: Bien, nosotros hicimos cinco discos con Point Music y el último DVD, terminamos nuestro contrato, y decidimos no renovarlo y hacer un nuevo álbum sin contrato por nuestra cuenta, y dijimos, OK, vamos a dar la oportunidad a todas las compañías de que nos fichen. Y de entre todas las ofertas que recibimos elegimos la mejor opción que era la de AFM
A: ¿Sentís que ahora mismo os encontráis en vuestro mejor momento como banda desde que empezasteis a funcionar musicalmente?
M.F.: Sí, seguro que sí. La verdad es que hemos tenido momentos buenos, momentos malos, momentos muy malos el año pasado, sobre todo en otoño, por eso el álbum se titula “Fall” (otoño), hubo muchos rumores en la banda, nadie quería saber nada de los demás del grupo, todos pensábamos que los otros eran unos capullos. Pero nos vino bien, y nos dimos cuenta que debíamos apoyarnos los unos en los otros y que era la única manera de sacar adelante al grupo, con la gente que estábamos y ahora queremos enseñarle al grupo como puede sonar Shakra ahora.
A: Recientemente, y hablando de ese buen momento que comentas, habéis tenido dos apariciones muy fuertes en festivales y conciertos grandes, una en el Sweden Rock y otra junto a Iron Maiden en Suiza, ¿Cómo fueron esas experiencias?
M.F.: Fue genial, el Sweden es un gran festival y además era la primera vez que tocábamos en Suecia, algo lógico ya que nunca se habían publicado nuestros discos allí hasta ahora, pero la experiencia fue increíble, con más de diez mil personas viéndonos, gente con banderas de Suiza, estuvimos firmando autógrafos una hora y la reacción de la gente fue muy positiva. Y en cuanto a lo de Iron Maiden, fue una oportunidad que tuvimos de compartir cartel con ellos en un festival en Suiza y fue “Yep” increíble, no tengo palabras.
A: ¿Como ves este resurgimiento de la banda, grabando entre giras y festivales, como os organizáis?
M.F.: Oh, está bien, no nos aburrimos (risas). OK, la gente quiere canciones nuevas, y si hay que grabar un nuevo CD tenemos que concentrarnos plenamente en el nuevo CD, y convencernos y tener disciplina para hacerlo. Llevamos un año sin hacer conciertos, menos los festivales, y nos centramos plenamente en hacer el nuevo disco, luego vendrá las promociones y las giras.
A: ¿Cómo fue tu entrada en Shakra?
M.F.: El anterior vocalista, Pete Wiedmer, tuvo que dejar la banda por problemas de salud, se pusieron a buscar un cantante y llamaron a mi manager. En ese momento yo estaba liado con mi proyecto en solitario apunto de terminar mi disco, y me dijo “OK, ve allí y canta”. Así que escuché los discos de Shakra, me encantó la música pero tenía dudas sobre si podría dar la talla con la voz, Pete era un gran cantante y los temas no eran fáciles de cantar, pero lo quería hacer. Me presenté allí y desde el primer momento encajamos perfectamente, con la música, con la banda, incluso el tema “Now Or Never” sonó perfecto a la segunda toma. Fue fantástico para mi, fue fantástico para ellos, aunque era un poco complicado porque enseguida empezaron las comparaciones y no es fácil sustituir a un gran cantante como Pete, la gente en Suiza decía “sí es Shakra, pero con otro cantante, ya no va a ser lo mismo”, pero desde que salió “Rising” no se ha vuelto a oír nada de esto.
A: ¿Qué crees que has aportado tú a la banda?
M.F.: Creo que básicamente he llenado el hueco que dejó Pete, dándole mi personalidad y poniendo todo de mi parte
A: ¿Y a nivel musical y de composición?
M.F.: En “Rising” ya estaba el tema “I’ll Be There” que era mío y en “Fall” hay algunas melodías pero no ningún tema compuesto al completo por mi
A: ¿Lo que hacías antes en solitario tenía algo que ver con la música que haces ahora en Shakra?
M.F.: Donde estaba antes era una banda de versiones de AC/DC, giramos como locos y aparecíamos en un montón de sitios.

A: ¿La mala situación por la que pasasteis el año pasado quedó atrás al empezar a grabar este disco, o de alguna manera estaba presente en el estudio, ha podido afectar a la música para bien o para mal?
M.F.: Influyó para que dijéramos, OK, ahora vamos a demostrarle al mundo lo que podemos hacer, dejamos a un lado nuestras diferencias personales y tiramos todos juntos para adelante y hacer un álbum que os patee el culo.
A: ¿Os dedicáis ya profesionalmente a la música?
M.F.: Ahora mismo hay dos que todavía trabajan en otras cosas, pero quizá esto cambie, porque cuanto más tiempo tengas para dedicarle a la música más y mejores ideas puedes tener y mejores canciones se pueden componer. Creo que con “Fall” podremos conseguir centrarnos exclusivamente en la música, al menos eso espero (risas)
A.: En este nuevo disco encontramos un sonido más moderno, sin perder demasiado la esencia de Shakra, pero si más actual, ¿esto ha sido algo premeditado o simplemente ha surgido así?
M.F.: Hemos tratado de abrir la mente un poco, de romper las fronteras que siempre se ponen al sonido de las bandas. Las guitarras suenan más modernas, las melodías son más modernas, y hemos dejado que nuestras influencias se reflejaran en este trabajo. Estoy muy orgulloso, porque sigue sonando a Shakra, pero con algunos toques experimentales, hemos abierto la puerta a nuevas influencias, escuchas la radio todos los días y ves los videos en la tele, y eso está ahí y te influye de alguna manera, es bueno estar abierto a nuevas ideas.
A.: ¿Y cuales son esas influencias?
M.F.: No se, es una mezcla de todo lo que escuchas todos los días, de repente escuchas un riff que suena más moderno y piensas, ¿por qué no podemos hacerlo nosotros?. No te voy a dar nombres, no hay nada concreto en lo que nos hayamos fijado, todo lo que suena ahora mismo en general.
A.: A ver si por aquí entra al trapo, ¿cuáles son los discos que más te han sorprendido últimamente?
M.F.: Uff, el último disco que me compré fue hace dos años, pero bueno, sí, lo último que me ha sorprendido es el último single que sale a todas horas en la MTV de Back Streets Boys (en voz muy bajita), claro piensas, bien, Back Streets Boys, encantado, que te den, pero después de escucharlo suena un poco a Nu Metal, ha sido una agradable sorpresa para mi.
A.: Y del nuevo disco de Shakra, ¿con qué tema te quedas y por qué?
M.F.: Con “Take Me Now”, me gusta ese aire que tiene a lo Guns N’ Roses, Motley Crue, ese estilo tan crudo y tan directo, habla de sexo, es muy callejera.
A: Tenemos entendido que en el nuevo disco lo hacéis todo vosotros, producción, mezclas, etc., ¿no habéis querido arriesgaros a dejar vuestra música en manos de un productor ajeno a la banda?
M.F.: Sí, así es. Hemos hecho todo el proceso de grabación, mezclas, producción. Estamos orgullosos de poder producírnoslo nosotros mismos, siempre lo hemos hecho así y nos gusta el resultado del sonido, así que para qué cambiar y darle el trabajo a alguien de fuera.
A.: Después de la época de crisis que habéis pasado, ¿podemos considerar a esta formación de Shakra como una formación estable para muchos discos?
M.F.: Sí, por supuesto, porque todos los rumores que tuvimos que superar nos hicieron más fuertes, y fue como un nuevo comienzo para la banda y volvimos a respetarnos totalmente los unos a los otros.
A: ¿Qué conciertos tenéis próximamente para presentar este disco?
M.F.: Por ahora sólo en Suiza para presentar este disco, y en noviembre empezamos la gira con Hammerfall y Stratovarius, vendremos a Madrid y a otras tres ciudades españolas, aunque aun no tengo la lista completa de las fechas, me enteré hace un par de días de esta gira (risas)
A.: ¿Cómo ha surgido la posibilidad de poder abrir para Stratovarius y Hammerfall?
M.F.: Queríamos hacer gira en noviembre, ya que el disco sale en octubre y es el mejor momento para presentarlo, miramos en que gira podíamos encajar por esas fechas y esta fue la mejor, además no había demasiadas giras en noviembre con bandas de buen nivel como lo son estas dos. Además podremos tocar en sitios grandes. Nos escogieron
A.: ¿Qué vais a ofrecer al público en esos concierto?
M.F.: Vamos a enseñarle al mundo los nuevos temas, nunca los hemos tocado en directo y va a ser una experiencia nueva para todos (risas). En cuanto al repertorio tocaremos bastante del nuevo disco y de “Rising”, y quizá algún tema de los discos anteriores, aunque todavía no sabemos de cuanto tiempo dispondremos para tocar.
A.: ¿Cómo ha surgido la posibilidad de reeditar vuestros discos anteriores, más teniendo en cuenta que algunos son bastante recientes?
M.F.: Es fácil, compramos las licencias de todos los discos a Point Music ya que ellos no querían seguir editándolos y ahora AFM ha estado de acuerdo en reeditarlos.
A.: ¿Incluirán algún tema extra estas reediciones?
M.F.: No, creo que cuando yo compró un álbum anterior de gente como AC/DC, no quiero remasters, ni bonus tracks, ni mierdas de esas, quiero que sea como lo que salió en su momento.
A: ¿Qué recuerdas de vuestra actuación en el Rock Machina en Moncofa hace tres años?
M.F.: ¡Hacía mucho calor! (risas), fue muy bueno, aunque había poca gente viéndonos a la hora que salimos fue una gran experiencia, era la primera vez que estábamos en España y nunca habíamos participado en un festival como ese, y siempre se escuchaba, ¡vamos fiesta! (risas), en los festivales de Alemania y de Suiza nunca nadie habla de fiesta, tienes que ir así, así y así. Además fue la primera vez que dimos una rueda de prensa.
A.: ¿Volveréis con ganas de fiesta en la gira de este disco?
M.F.: Por supuesto, ¡fiesta!
A.: ¿Quieres añadir algo más?
M.F.: ¡Estoy muy cansado! (risas)

Mariano Palomo / Carlos Treviño

ENTREVISTA ROYAL HUNT

2005-08-30T10:37:00.000+02:00

Aprovechando el reciente lanzamiento de su último disco, y la inminente venida a España de los daneses Royal Hunt, nos pusimos en contacto con el líder y alma de la banda, el teclista André Andersen. Esto fue lo que nos contó.

ALIANZA: Antes de nada, felicidades por vuestro último álbum “Paper Blood” y por vuestra carrera. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de grabación de este nuevo disco?
ANDRE ANDERSEN: Te diré que el proceso de composición y grabación de “Paper Blood” fue pura diversión. Durante un año pude concentrarme en estas canciones sin preocuparme de tener una fecha tope... una situación poco usual para mí. El entusiasmo de la banda también me inspiró, estimulándome a intentarlo más fuerte. Conseguimos capturar la esencia del concepto de Royal Hunt – agresivo pero melódico, sinfónico pero directo, canciones asequibles pero llenas de elaborados detalles musicales. Todo el mundo brilla en este disco – las baterías son increíbles, los teclados y las guitarras comparten todo el espacio, las voces son emotivas, la producción es cristalina...
Y lo más importante ¡La banda está súper unida! Y no sólo en el aspecto musical, las relaciones personales son fantásticas, como puedes escuchar claramente en el álbum, ¡porque esta banda nunca había sonado tan enérgica antes!

A: ¿Qué novedades podemos encontrar en “Paper Blood” con relación a los discos anteriores de Royal Hunt?
A.A.: Cada álbum nuestro es un poco diferente – nos gusta hacerlo así – pero tendréis que descubrir las diferencias por vosotros mismos... creemos que “Paper Blood” es nuestro mejor trabajo hasta ahora

A: En mi modesta opinión el sonido está más cerca de vuestros primeros disco, sobre todo a “Clown In The Mirror”, ¿querías conseguir este sonido, o es simplemente una impresión mía?
A.A.: Probablemente es porque suena más “Directo”. “Clown In The Mirror” tiene también ese rollo

A: ¿De qué habláis en las letras de “Paper Blood”?, ¿es un disco conceptual como hicisteis en el 2001 con “The Mission” que basasteis en “Las Crónicas Marcianas”, o cada tema tiene su propia historia?
A.A.: Paper Blood = Dinero. Estamos hablando sobre comercializar nuestras vidas en esta canción. Más tarde vimos que el título sonaba lo suficientemente fuerte para ser el título del disco (y la propia canción contenía características suficientes de este disco como para convertirse en el tema título).
En lo que se refiere al concepto o no, bien, es algo clásicos en Royal Hunt... aunque no haya un hilo argumental en todo el álbum, no hay enlaces musicales entre los temas..., podría decir que es “algo conceptual” a su manera... a la manera de Royal Hunt
“Break Your Chains” trata sobre la libertad de elección – para vivir tu vida o pretender vivirla, arriesgarse actualmente a hacer cosas en lugar de soñar en hacerlas, dar ese primer paso que puede cambiar tu vida y dejar tus miedos atrás. La intro instrumental va creciendo a gran velocidad... una apertura bastante enérgica.
“Not My Kind” está dedicada a una persona que no puedo soportar. Todos conocemos a este tipo de gente – intentando ser tu amigo, pegándose a ti todo el tiempo y ganándose tu confianza, hasta que un día te encuentras apuñalado por la espalda a sangre fría. Yo lo debería saber, estoy en el negocio de la música J Un riff oscuro y heavy con unas grandes armonías en lo alto.
“Memory Lane” es un viaje nostálgico, cuando estas viendo fotos antiguas sentado en frente de una chimenea con una botella de vino... recordando caras y lugares.
“Never Give Up” fue la primera que escribí para este álbum. Trata sobre esa especie de situación incierta que pasamos John (West) y yo durante un tiempo – la mitad de la banda se había ido, la gira se había cancelado y no estábamos seguros de conseguirlo de nuevo. Pero nos llegó ese “segundo aliento”, fue algo así como “Vamos a por ello, esto no nos va a derrotar”. Y aquí estamos un año después. Es una típica canción de Royal Hunt de toda la vida, con un motón de cambios de humor. John está increíble aquí – los altos, los bajos... todo está ahí.
“Seven Days” es una visión sarcástica de la religión y su explotación. Dios crea el mundo en siete días, prometen esos siete signos antes de que te lleve otra vez, etc... y entonces es cuanto una telepredicador ofreciéndote el paraíso por un dólar, otro “hombre de algún otro dios” te da lo mismo por reventar a alguien, y hasta otro te ofrece el paraíso en el cielo por vivir en un infierno en la tierra... ¡vamos, es algo cómico! La canción empieza desde arriba y se relaja al final con todo en medio. Marcus (Jidell, guitarrista) está enorme en este tema, muy articulado.

“SK983”. Bien, iba de viaje a Japón (en el vuelo SK 983 de las líneas aéreas escandinavas) para hacer un par de clinics de teclados y quería tocar algo nuevo además de lo que suelo tocar siempre en esos eventos. ¡Así que básicamente escribí casi todo el tema en una servilleta de papel durante las once horas de viaje! (gracias a la azafata Patricia por llevarme todo ese Jack Daniels, y por... bueno, por la inspiración).
“Kiss Of Faith” – chico desafortunado, creciendo en una familia desequilibrada, en la parte oscura de la cuidad, sin sentido, sin futuro – pero con esperanza. Alguno de estos chicos puede tener suerte y puede escapar de eso y tener una vida mejor, pero necesitan un montón de voluntad y de fe. Le di a este tema un toque conuntry para hacerlo más relatado.
“Paper Blood” habla de en lo que se está convirtiendo nuestra vida – la codicia está creciendo, está en nuestras venas- Todas las cosas y las personas se miden en “oro”... y lo estamos haciendo cada vez más. La gente está matando a gente para vender su órganos – quiero decir, ¿se puede ser más rastrero? Musicalmente es más “metal tradicional”, pero con un giro.
“Season´s Change” – “después del shock”, después de acabarse una relación. Empiezas a darle vueltas y a pensar qué fue mal, pero ya está hecho y no hay marcha atrás. John suena realmente increíble en esta balada.

“Twice Around The World” tiene mucha variedad – ritmo, teclas, sonido, sentiento... es casi como viajar alrededor del mundo – cada sitio tiene su “rollo”... pero después de grabar esta canción (que es bastante larga) me sentí como si lo hubiera hecho... bien, dos veces J Mi solo favorito de Marcus está en este corte.

A: ¿Cuál ha sido la razón para vuelta del batería Keneth Olsen a la banda después de su salida en 1996, y cual fue la razón de su marcha entonces?
A.A.: Kenneth Olsen... le conozco desde hace quince años, grabamos un puñado de álbumes juntos – hasta 1996 – y entonces tuvo que parar (problemas de salud). Más tarde, hemos trabajado juntos en mi primer disco en solitario, me ayudó en “The Mission” y cuando empecé a pensar en buscar batería, bueno, él es al que me gustaría tener al lado en una gira, es un gran tío, siempre ha sido un buen amigo.

A: Eres el único miembro original que permaneces en Royal Hunt desde el principio hasta ahora, ¿podemos considerar Royal Hunt como la banda de André Andersen, además de tus proyectos paralelos en solitario bajo tu propio nombre?

A.A.: Bien, se podría decir que sí... pero la estructura interna del grupo hace que sea mucho más una banda.

A: ¿La formación actual es la sólida para el futuro después de tantos cambios?

A.A.: Realmente estamos convencidos de ello.

A: Una vez más, en el nuevo disco, las teclas son el principal argumento, con tres fantásticas piezas instrumentales com “Memory Lane”, “SK 983” y “Twice Around The World”, ¿No es un poco arriesgado incluir tantos temas instrumentales?, ¿por qué decidiste hacerlas?

A.A.: Lo hemos pasado muy bien tocándolas... y ¿por qué no? No creo que exista ninguna regla secreta o ningún décimo primer mandamiento que diga “no habrá tres instrumentales en un disco” Todo es música...

A: En los créditos de la copia promocional del disco que tenemos no aparece ningún bajista, ¿quién ha tocado el bajo en este disco, y por qué no está incluido en los créditos?

A.A.: Yo hice todas las partes de bajo en el estudio (lo pone en la portada del disco), y ahora estamos probando a algunos bajistas para esta gira. Dejarnos encontrar al chico idóneo para el trabajo, que haga esta gira, y si todo marcha bien – musical y personalmente – hablaremos de su permanencia en la banda.

A: Encontramos músicos invitados habituales en los discos de Royal Hunt, como Kenny Lubke y Maria McTurck en los coros, y Soma Allpas al cello, y a alguno nuevo como Peter Brander al dobro y Allan Sorensen a la batería. ¿Podemos considerar a Kenny, Maria y Soma casi miembros de la banda?

A.A.: ¿Después de todos estos álbumes juntos? ¡Absolutamente! Grandes músicos y grandes amigos

A: ¿Sigues en contacto con antiguos miembros de la banda como D.C. Cooper, Jakob Kjaer o Steen Morgensen? ¿Qué sabes de sus proyectos actuales?

A.A.: Sigo teniendo mucho contacto con mis colegas: Henrik Brockmann, Jacob Kjaer, Steen Mogensen, Allan Sorensen... somos primero amigos y luego músicos. Conozco bien todos sus proyectos, y actualmente participo en algunos de ellos.

A: ¿Habrá nuevos discos en solitario o proyectos paralelos de los miembros actuales del grupo?

A.A.: Ya veremos, ahora es el momento de Royal Hunt.

A: En septiembre comenzaréis una extensa gira europea tocando en más de veinte fechas desde Dinamarca hasta España, cruzando el antiguo continente, ¿es vuestra gira más larga? ¿Qué podemos esperar de estos shows?

A.A.: No, no es nuestra gira más larga. La más larga fue de unos sesenta shows... creo que esta acabará con uno cuarenta o cuarenta y cinco. Podéis esperar un excelente show de Royal Hunt: buena ejecución musical, grandes canciones, mucha diversión, más una o dos sorpresas...

A: Está será la tercera vez que toquéis en España. ¿Cómo recuerdas vuestras visitas anteriores a nuestro país, quizá mejor la segunda en 2002 con Pretty Maids con un increíble concierto en Madrid?

A.A.: Fue realmente bueno... primavera, gente encantadora, sitios preciosos – estamos deseando volver.

A: Tenéis muy buen rollo con Pretty Maids, ¿no es así?

A.A.: Absolutamente, unos tíos muy majos

A: ¿Con qué anda te gustaría tocar?

A.A.: Con cualquiera, siempre que su música sea buena y nos convenza su desarrollo.

A: ¿Haréis la gira con alguna otra banda, o tocaréis solos?

A.A.: Todavía no lo sabemos – seguramente en un par de semanas lo sepamos

A: OK, esto es todo, si tienes que decir algo más a vuestros fans españoles, aquí lo tienes

A.A.: Disfrutar nuestro nuevo álbum – es muy bueno, creerme – ¡y no os cortéis de ir a nuestros conciertos!

A: Gracias por todo y esperamos a veros tocando en España en octubre

A.A.: Gracias, ¡Salud!

Mariano Palomo

ENTREVISTA EMBOQUE

2005-08-12T12:22:00.000+02:00

Con motivo de la primera venida a Madrid de estos colegas cántabros, no podíamos desaprovechar la ocasión para entrevistarles. Aunque breve, pudimos disfrutar de una agradable charla con su cantante y bajista Raúl, que a continuación os reproducimos.

ALIANZA: Odio soberanamente explicar con palabras el tipo de música que hace un grupo, pero no nos queda más remedio. ¿Tú cómo definiríais la música que hacéis?
RAÚL: Mucha gente nos asimila con el heavy rock de los 80, pero yo quiero creer que le damos bastantes matices actuales.

A.: Pero no es nu metal, ni nada de eso.
RA.: No, no. Actuales quiere decir progresivo, en todas nuestras canciones intentamos meter algo diferente.

A.: Sin embargo, vuestras canciones son bastante directas, no son nada coñazo, y son cortas.
RA.: Son canciones directas, pero igual hay dos ó tres segundos que hacemos algún corte raro, o algo así, para no caer en la monotonía de hacer canciones estribillo – estrofa – estribillo - estrofa y punteo.

A.: Habéis sido relativamente conocidos a raíz de vuestro disco “Contra el Tiempo”, pero tenéis una trayectoria más larga, cuéntanos vuestra historia por encima.
RA.: Con “Contra el Tiempo” estamos intentando que nos conozca más gente que en Cantabria, porque en allí nos conoce bastante gente ya. Llevamos diez años desde que nos unimos los tres del grupo. Nunca hemos sido más.

AL.: ¿Siempre habéis tenido la misma formación, no habéis tenido ningún cambio?
RA.: Sí, el batería cambió, pero sin ningún tipo de malos rollos, en el 2001, hace cuatro años.

A.: Tenéis un par de discos por ahí, también autoeditados, ¿no?
RA.: Los otros discos los grabamos en Cantabria, en uno estudio que no tenía el nivel necesario. Estaba bien, pero estaba acostumbrado a grabar discos de folk, que allí se lleva bastante, y no sacó todo el rendimiento que queríamos. “Salvaje” fue el primero, en el 99, y el segundo fue “Déjame Entrar”, en el 2001.

A.: El segundo, ¿fue antes o después de entrar el nuevo batería?
RA.: Lo grabó el antiguo batería, y a los pocos días de grabarlo se marchó. Lo presentamos con el nuevo batería, cuando sacamos el disco ya estaba en las fotos y todo.

AL.: El nombre de Emboque, ¿tiene algún motivo en especial?
RA.: Por allí hay un deporte autóctono, el bolo palma. Es como los bolos, se ponen nueve bolos en una bolera, y uno pequeño a un lado. Se tira desde unos 20 metros unas bolas de madera que pesan los suyo. Se tienen que tirar a lo alto, pasar una distancia y luego tirar los bolos. En resumen es eso. Y la máxima jugada que hay es tirar el pequeño, y se llama emboque. Cuando tiras el primero de la fila de en medio más el pequeño, son diez puntos, y es el emboque. Nos parecía guapo tener algo de la región.

A.: No lo sabe nadie fuera de la Cantabria.
RA.: No, fuera de Cantabria no creo. Además que es un nombre corto, fácil de recordar, impactante: “Emboque”.

A.: Siempre habéis ido por la vía de la autoedición. Hay gente que lo hace por circunstancias, y otros porque lo prefieren así. ¿Y vosotros?
RA.: Los dos primeros por necesidad, yo creo. Estábamos tocando y teníamos que sacar algo, para movernos, para mandar a las radios y tal. Y este tercero también ha sido entre necesidad y que hemos querido nosotros, porque no hemos preguntado en muchas discográficas, pero en todos nos decían lo mismo. Que es muy difícil, que está muy mal la música, y tal. Y que podían hacernos el favor de editarnos y distribuirnos, pero que el dinero lo teníamos que poner nosotros.

A.: Sin embargo, con todo lo que se quejan las compañías, lo he visto a un precio muy asequible, ¿no? Creo que sacar un disco es más barato de lo que sabe la gente.
RA.: Lo queríamos poner así. La verdad, discos de quince euros yo me compro muy pocos. Vendiéndolos a ocho euros no tenemos beneficios, pero si vendemos todos por lo menos recuperamos.

A.: ¿Sólo los habéis vendido por Tipo?
RA.: Sí no hemos tenido mucha distribución, pero no nos quejamos. No tenemos números exactos, pero va bastante bien para llevar un año.

A.: ¿Cuándo pensáis meteros con el próximo disco?
RA.: La verdad es que no hemos mirado canciones nuevas. Tenemos ideas, pero las estamos dejando aparcadas. Estamos intentando tocar lo más posible fuera de Cantabria para que se nos conozca, y en eso seguiremos. Es un disco que nos ha costado bastante como para olvidarnos ya de él. Queremos que nos conozca cuanta más gente posible, y cuanto ya esté la gente saturada, afrontaremos otro.

A.: ¿Habéis recuperado la inversión inicial?
RA.: No (risas), no porque si tenemos que promocionarnos con algún disco, yo creo que este es el mejor que hemos hecho, tiene un sonido cojonudo, grabado aquí en Madrid, en los estudios Oasis. Aunque sea autoproducido no tiene nada que envidiar a otros discos que salen ahora, en cuanto a sonido.

A.: En directo habéis sonado muy bien, y no he notado prácticamente diferencia con respecto al disco. Hay grupos que en directo son muy buenos y luego no consiguen plasmarlo en el disco.
RA.: Eso nos pasaba antes también, porque a los otros discos igual les faltaba algo de... de pegada.

A.: ¿Soléis hacer versiones en directo?
RA.: Sí, nos gusta y le gusta a la gente. El “Burn” de Deep Purple, el “Master Of The Wind”, de Manowar, que está en nuestro disco... Hace tiempo, cuando teníamos menos canciones, hacíamos más. De Deep Purple, Rainbow, y Zeppelin hacíamos muchas.

A.: ¿Alguna cosa que desees decir a los lectores de Alianza?
RA.: Que intenten escuchar algo de nosotros, o ir a vernos a algún concierto, por lo menos para opinar.

Nacho Jordán

ENTREVISTA SOUL SIRKUS

2005-08-12T11:40:00.000+02:00

Horas antes de su actuación en Madrid, tuvimos la oportunidad de poder cambiar impresiones con tres de los intengrantes SOUL SIRKUS, concretamente con su bajista Marco Mendoza, con su cantante Jeff Scott Soto, y sobre todo con su guitarrista y padre de la idea Neal Schon. Dimos un buen repaso por la actualidad e historia tanto de Soul Sirkus, como de los demás proyectos de estas tres ilustres personalidades del rock mundial, desde Journey hasta Whitesnake, pasndo por Santana o Queen. Para no perder detalle.

ALIANZA: Para empezar nos gustaría que nos contarás como empezó la historia de la banda.
NEAL SCHON: Voy a tener que comprar un contestador automático (risas), ya me he aprendido las respuestas después de tantas entrevistas. OK, en serio, la historia empezó como un proyecto paralelo de Sammy Hagar, bajo el nombre de Planet Us en el que también estaba involucrado Michael Anthony, Deen Castronovo y Slash en un principio, pero tuvo que dejarlo por su nueva banda Velvet Revolver. Llevé un montón de material a Sammy, lo estuvimos trabajando, pero Sammy y Michael tuvieron que salir de gira, y aunque todas las letras y la mayoría de las melodías ya estaban hechas Sammy lo dejó aparcado y yo tenía que plantearme, o dejarlo definitivamente o relanzar la idea de alguna manera, la verdad es que era una tarea realmente dura, porque no podía mantener el contacto tan fluido como quisiera, con parte del grupo girando por Europa. Así que tuve que buscar a alguien para reemplazarlos y llevar a adelante el grupo con todo lo que tenía hecho. Al primero que fiché fue a Jeff, coincidimos en una fiesta y acabamos improvisando juntos en una jam session, empezamos a tocar temas de Journey, Steve Wonder, blues, y la química fue realmente grande. La noche siguiente en otra fiesta concierto de Sabian (instrumentos de percusión), apareció Marco y acabó de completarse la formación, de esta forma tan espontánea decidimos juntarnos, le pasé un CD con el material que tenía grabado, y él me enviaba mp3 todos los días con sus arreglos y era exactamente lo que necesitaba; para entonces ya tenía un montón de ideas que fui puliendo, las reuní todas y se las volví a enviar a Marco y a Deen así es como fue acabándose el proceso de composición, y cuando ya estaba todo compuesto fuimos al estudio de Jonathan Cain y tardé un par de días en grabarlo.
A: ¿Por qué el cambio de nombre de Planet Us a Soul Sirkus?
NS: Era un nombre de Sammy Hagar, nunca llegamos a tocar con ese nombre. Pero realmente era una nueva banda y tenía que tener un nuevo nombre, aunque quisimos mantener un poco del anterior con US, pero nos gustó la idea de Soul Sirkus.
A: ¿Los temas del disco estaban compuestos para Planet Us o son temas nuevos a raíz de Sul Sirkus?
NS: En un principio eran temas de Planet Us, pero han ido evolucionando a temas de Soul Sirkus
JEFF SCOTT SOTO: Había sólo dos temas acabados junto a Sammy y a Michael, el resto eran sólo partes instrumentales que acabé en mi estudio de casa.
A: Hablando de Sammy y de Michael, se llegó a anunciar una gira vuestra junto a Van Halen, ¿era eso cierto, qué sucedió?
NS: Realmente no era una gira, eran sólo dos conciertos, tenemos la misma oficina de management que Van Halen, y cuando ya habíamos llegado al sitio para tocar, después de volar hasta allí la cosa se vino abajo. Sammy, Michael Anthony y Alex (Van Halen) estaban totalmente de acuerdo, pero el manager tenía miedo de decírselo a Eddie, porque parece que no le gustaba la idea, en el último minuto intentamos hablar con Eddie, pero explotó y no hubo manera de convencerle.
A: Así que fue una cuestión personal de Eddie
NS: Es un gran chico, le conozco desde hace un montón de años, y hemos salido de fiesta juntos un montón de veces, pero debía estar pasando una mala racha, y ya sabe como son estas cosas, después de todo es un ser humano.
A: Cambiando de tercio. Todos los miembros de Soul Sirkus teneis otros proyectos o bandas, imagino que es muy difícil compaginar tanto trabajo. ¿Este disco tendrá continuidad o se quedará en un proyecto paralelo más de un solo disco?.
NS: Sí, queremos seguir como una banda. En un principio la idea de Planet Us sí era la de un proyecto secundario, pero al juntarnos ahora sobre el escenario hemos tenido una gran química y queremos seguir adelante con Soul Sirkus; podríamos ser los mejores músicos del mundo, pero si no estuviéramos tan unidos y tan a gusto juntos no tendría sentido seguir adelante.
A: Habéis regrabado el disco sustituyendo a Deen Castronovo por Virgil Donati en la batería por algunos problemas de salud de Deen, ¿cómo está él ahora?
NS: Deen está muy bien ahora, está disfrutando de su familia, esperando un bebé y cuando coincidimos y ve que nosotros nos vamos de gira él dice, yo me voy a casita, pero volveré (risas). Sigue con nosotros en Journey y tuvo que dejar Soul Sirkus por la acumulación de trabajo que le produjo bastante estrés. Así que tuvimos que buscar a alguien para sustituirle y Virgil Donati es un grandísimo batería y creíamos que era lógico que volviera a grabar el disco para que la gente supiera quien estaba ahora en los tambores.
A: ¿Los temas extra de la nueva versión del disco, son nuevos o ya estaban hechos antes?
JSS: Cuando nos metíamos en el estudio tocábamos los temas que teníamos de antes, y cuando nos aburríamos empezamos a improvisar y a cambiarnos los papeles, yo acababa en la batería, Marco cantando, ya sabes, y así surgieron algunos temas. Creo que es algo muy significativo de lo que iba a pasar en el futuro, el buen rollo y la conexión que se creó entre nosotros se refleja en el disco y en directo. El próximo disco será aun más completo, porque todos vamos a participar en todo y va a tener algo de cada uno de nosotros.
NS: Recuerdo que Marco tenía que salir volando de gira al día siguiente, y que el tema extra “James Brown”, y la parte acústica de “Coming Home” las grabamos en una toma en media hora, y han quedado así de frescas y de auténticas en el disco.
A: Habéis empelado muy poco tiempo en hacer el disco, ¿no es así?
NS: ¿Tú crees? (risas), la verdad es que hemos tardado poco en grabarlo, todos los temas en un par de días y luego Jeff metió la voz en su estudio de casa
JSS: Los chicos hicieron toda la música y yo aparte de la voz, les metí algún arreglo y ya quedó todo acabado, con la producción juntos de Neal y mía. Todos estábamos muy ocupados en ese momento, Marco sólo escuchó el resultado final del disco cuando ya estaba acabado, Neal estaba tocando con Journey, yo estaba acabando mi disco, fue un poco locura todo, muy rápido (risas).
NS: Las cosas se fueron sucediendo sin pausa, una detrás de otra, de repente nos quedamos sin los shows con Van Halen, de repente nos quedamos sin batería y hay que buscar a otro, Jeff se va de gira, Marco se va de gira, yo me voy de gira, no tuvimos ni un minuto libre.
(N.R.: justo en ese momento suena el móvil de Neal, con las consecuentes risas y aprovechamos para hacer una de las preguntas del día a Marco Mendoza)
A: Marco, ¿Por qué has dejado Whitesnake?
MARCO MENDOZA: La verdad es que la relación con David Coverdale ha sido muy bonita y muy creativa durante muchos años desde el 96, pero los planes que tiene para Whitesnake van muy despacio. Cuando nos juntamos llegamos a la conclusión de que queríamos hacer un disco nuevo, con la participación de todos los elementos de Whitesnake, pero no ha resultado ser así, David me llamó y me dijo que por el momento iba a seguir tocando los temas de siempre con la misma estructura bastante tiempo. Y yo lo que quería era tocar música nueva, música fresca compuesta por todos los miembros de la banda, pero esa no es la idea de Coverdale por ahora. Por eso he estado también tocando en Europa con Sykes los temas de Thin Lizzy, por eso vengo ahora a Europa otra vez con Soul Sirkus, quiero hacer más cosas y en Whitesnake me estaba estancando. Además aquí puedo cantar mis partes a grito pelado sin que nadie me diga nada “guaaaaaaaaaaaaaaauuuu” (risas)
A: Volvemos con Neal, ¿Es la segunda vez que tocas en Europa?
NS: Sí, y espero que sea el comienzo de algo más continuo en el futuro, la primera vez que vine fue con Santana hace un montón de años. He intentado venir con Journey, en solitario, pero siempre pasaba algo que lo impedía, ¡mierda!, pero claro para venir a tocar tiene que haber promotores dispuestos a traernos, y espero que esto sólo sea el comienzo de muchas más venidas a Europa. Al fin hemos encontrado una agencia de contratación, ACM, y seguro que también vendré con Journey pronto, además con más razón después de ver la respuesta de la gente en Europa, en Alemania fue buenísima, en Holanda también, en España increíble, en Inglaterra no ha estado mal para ser Inglaterra, pero han sido shows muy exclusivos, prácticamente uno por país, así que no nos queda más remedio que volver.
A: Quizá vuestro concierto más grande en esta gira fue en el Firefest de Bradford, ¿cómo fue la experiencia?
NS: La verdad es nos dejó mal sabor de boca (risas), tuvimos muy mala suerte con el horario, salimos los últimos a tocar cuando todo el mundo ya estaba cansado y un poco borracho, además tuvimos un montón de dificultades técnicas, con el equipo de Marco, con mi guitarra, con la colocación de parte del set de batería de Virgil, fue bastante desastroso. Cuando fuimos capaces de tener todo junto más o menos en condiciones y nos pusimos a probar sonido aquello era una locura, no sonaba nada bien, pero no teníamos tiempo de arreglarlo, ya habíamos perdido mucho tiempo y la gente estaba impaciente, era muy tarde y estaban muy cansados.
A: Visto que en lo musical la cosa no fue muy bien, ¿qué tal la relación con las otras bandas del festival y con el público?
NS: No llegué a escuchar a ninguna (risas), no estuvimos mucho tiempo en el local del festival, apenas vinieron a saludarnos el cantante y el guitarrista de TNT y pude ver un poco a los chicos de Firehouse.
A: Jeff, tú ya habías estado antes en este festival, aunque con el nombre de “The Gods”, ¿cómo lo viste tú?
JSS: La verdad es que Soul Sirkus no es una banda que se pueda encasillar en una categoría, y quizá mucha de la gente que va a este festival tiene la idea de ver sólo grupos de A.O.R. o de rock melódico, no aceptan demasiado bien a los grupos que se salen de esa onda, quizá no fuera el festival más adecuado para Soul Sirkus, quizá encajaríamos mejor en un festival con más tipos de música y con un público más abierto.
A: Siguiendo con Jeff, apareció una noticia en internet que colocaba a tu banda como telonera de Queen en algunos conciertos en Europa, ¿fue eso cierto?
JSS: Sí, tuve un ofrecimiento de Brian May, estaba todo preparado para que fuéramos con Queen de gira en algunas fechas en Europa, pero al final por una reunión del grupo un fin de semana decidieron que harían la gira sin teloneros, no querían mover más equipo, no querían hacer cambios de escenario y nos quedamos con las ganas, un fin de semana antes de tocar con ellos, una pena. Aunque seguramente si hacen gira en Estados Unidos sí estaremos con ellos.
A: Hablando ahora de Journey. Neal, acabáis de grabar vuestro nuevo álbum “Generations”, cuentanos un poco sobre este nuevo trabajo
NS: Creo que es un buen disco, muy poderoso, nos hemos tomado nuestro tiempo, hemos ido paso a paso, y hasta que algo no estaba completamente terminado no hemos pasado a lo siguiente. Creo que el disco es fuerte, porque las canciones lo son, es mucho más laborioso el proceso de creación que luego el de grabación que ha sido bastante rápido, lo he grabado todo en tres días, y el proceso básicamente como el de Soul Sirkus, no hay pro tools, no hay ordenadores, todo está grabado en el estudio. Cuando llegaba al estudio tenía la estructura de los temas en la cabeza pero no tenía ni idea de lo que iba a tocar ni como iba a hacer los solos, ha tenido bastante improvisación, hay muchas primeras tomas; si la primera toma funciona bien es mejor no repetirla.
A: Con todos estos ingredientes, ¿qué podemos esperar del sonido de “Generations”?
NS: Creo que básicamente suena a las canciones de la época de “Frontiers” y de “Escape”, son temas más rockeros, no tan cercanos al pop como “Raised on Radio”. Es un disco rockero, pero muy melódico, con muchos juegos de voces, todos cantamos en el disco, y no sólo coros.
A: Vamos, Journey tradicional
NS: Sí, como “Seperate Ways”, hay un tema nuevo “The Place In Your Heart” que recuerda bastante.
A: ¿Habrá quizá también un poquito de soul?
NS: Quizá (risas)
JSS: Soy un gran fan de Journey, y por lo que he escuchado creo que este disco les va a encantar a los seguidores de Journey de siempre. Creo que es más poderoso que el último que grabó Steve Perry “Trial By Fire”, es más lo que decía Neal, onda “Frontiers”, “Escape”, además todo el mundo canta y muy bien, hay temas en que cada uno mete la voz solista.
NS: Me he gastado un montón de pasta en este tío (risas). En serio ha sido un proceso muy intenso y queríamos contar con lo mejor, hemos trabajado con Kevin Elson en los estudios de Metallica en Sausalito y con un gran ingeniero de sonido como Michael Fraser, es un monstruo no he escuchado el disco totalmente terminado pero ya esta hecho y suena muy grande, ya había grabado otras cosas antes con ellos y sabía lo buenos que eran y esta vez lo han vuelto a conseguir.
A: Quizá vuestro anterior EP “Red 13” fue un pequeño experimento que no acabó de llegar a la gente
NS: Creo que “Red 13” es mucho mejor de cómo suena en el disco, los temas son mucho mejores de lo que parecen, pero necesita un montón de trabajo de batería, y quizá recuperemos esos temas para el futuro y volvamos a grabarlos en condiciones. Lo sacamos demasiado rápido y no le prestamos la atención precisa.
A: Ahora Journey va empezar una nueva gira por Estados Unidos con un set de toda su carrera
NS: Sí ahora cuando vuelva a Estados Unidos comenzaremos una gira con un set de tres horas, sin teloneros, para celebrar el 30 aniversario de Journey, queremos tocar de todos nuestros discos, incluidos los tres primeros pre Steve Perry, y pensamos que puede ser una gran fiesta para todos los fans de Journey
A: Recientemente habéis colocado vuestra estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, ¿cómo te sentiste reencontrándote con los antiguos miembros de Journey?, supongo que algunos como Steve Perry hacía mucho tiempo que no los veías.
NS: Fue muy divertido, fue como una vuelta atrás todos juntos, recordando lo bien que lo pasamos. Luego tocamos juntos en el House of Blues, e invité a Steve a que tocara con nosotros, pero declinó la invitación, incluso le invité con las cámaras de televisión delante (risas), la gente sabe que siempre es muy bien recibido, tanto para grabar como para cantar con nosotros en directo, pero ahora está totalmente fuera de la música, no hace nada en absoluto relacionado con la música, ha tenido ofertas pero las ha rechazado, es su decisión.
A: Para terminar, nos gustaría saber tu impresión, brevemente, sobre algunos de tus proyectos previos, empezamos por Santana
NS: Santana fue maravilloso. Carlos y yo hemos hablado hace poco, estuvimos dando una vuelta en el coche escuchando cosas nuevas que habíamos hecho, no hacíamos más que decir, escucha esto, escucha esto, seguro que si lo hacemos juntos puede ser muy bueno, y seguramente acabaremos haciendo algo juntos otra vez. La verdad es que sólo puedo decir cosas buenas de Santana, fue una gran experiencia para mí, sólo tenía trece años y aprendí un montón.
A: Bad English
NS: Bad English fue una muy buena banda, John Waite es gran tipo y gran cantante y toda la banda era muy buena, además muy buena en directo.
A: Quizá lo más parecido a Journey que hayas hecho fuera de Journey.
NS: Sí, pero no queríamos ser unos Journey 2, quizá por eso no duró demasiado.
A: Para terminar, Hardline
NS: El disco de Hardline es un gran disco, un muy buen disco de rock, además era mi primera experiencia produciendo. Pero luego cuando salíamos de gira a tocar no funcionábamos, había dos músicos como Deen y como Todd que eran realmente buenos, que ya tenían un montón de experiencia, pero había otros dos que estaban más pendientes de su imagen que de estar bien en el escenario, y me aburrí de esa actitud, mis amigos llegaban y me preguntaban, ¿pero que haces tú aquí?, el disco que estaba bien pero en directo era un desastre, así que pasó lo que tenía que pasar y no volví a saber de ellos.

Mariano Palomo